Spain is Pain #344: Those Ladies in Old-fashioned Movies

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Divas de Diván (Carmen Pacheco y Laura Pacheco). Astiberri/¡Caramba!, 2018. Cartoné, 128 págs. Color, 20€.

El prototipo de señora estupenda, elegante, con saber estar, pero que en ocasiones puede ser despectiva con su interlocutor se está perdiendo. Sí, es cierto que estamos hablando de un estereotipo de clase y ficcional. Pero por un lado lo chonesco va ganando terreno en los medios como nuevo paradigma de lo femenino y el saber estar (sic) frente a la idea de la clásica señora, pero como un concepto de clase inalcanzable y que a día de hoy puede resultar hasta antipático. De manera que esa idea de diva se tiene que reescribir desde el pasado, con las grandes cantantes, actrices, personajes de ficción, que resplandecían en la gran pantalla.

Pero eso pasa y solo queda el estereotipo, Divas de Diván de las hermanas Pacheco recoge todos los elementos a partir de los cuales reconocemos a esas divas, en este caso reconvertidas en señoras adineradas, con mucho tiempo libre y pocas ganas de trabajar, pero con muchas de lucirse y vivir el drama. Para ello hacen un recorrido histórico al concepto; en primer lugar, hacen un desglose por temas trabajo, ocio, drama, hombres, moda y belleza, y a partir de ahí la representación de situaciones que tienen lugar en diferentes imaginarios; la Inglaterra victoriana, del cine mudo, años 20, la femme fatale del cine negro, de los años 60, y una adaptación de estas a las redes sociales.

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El volumen juega principalmente con la idea de jugar con el símbolo y el icono, aquellos elementos que representan a estas damas, ya sean objetos o las formas, a partir de estos se crean los gags. También a partir de las personalidades de ellas, altivas clasistas, pero también ignorantes y desconocedoras del mundo, al menos de la realidad, ya que su mundo lo conocen a la perfección. Como ejercicio de humor es muy fino y elegante, tanto que levanta una sonrisa a cada página, el humor tampoco puede vivir exclusivamente de la risotada o carcajada. A todo eso hay que sumarle una cuidada edición, una de las mejores de los últimos años.

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Spain is Pain #343: Vampi (José Fonollosa)

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Vampi (José Fonollosa). Grafito Editorial, 2018. Cartoné, 56 págs. Color, 12,99€

Lo que durante décadas había sido un terreno vedado para la ficción destinadas para niños ya se ha convertido en mainstream y un foco de interés para los mismos. Las historias de terror siempre se habían considerado como un terreno fértil para lectores adultos por ser un recinto que apostaba por llegar donde no llegaba otro tipo de relatos. Sin embargo, sí que han existido transformaciones para jugar con los mitos clásicos de las novelas de terror o los clásicos de la universal. Aunque en los últimos años estamos viviendo una explosión de ficciones que juegan con estos elementos, véase Hotel Transilvania, Bunnicula o la construcción de la nueva adaptación de It como un fenómeno para un público que está entrando en la pubertad; pero no debemos de olvidarnos de clásicos como Scooby-Doo, que está viviendo una segunda juventud, o la película de los ochenta Moster Squad.

Este tipo de obras juegan tanto con el icono como con los rasgos básicos y necesarios para que los jóvenes lectores no tengan un escalón muy complejo de entrada y que sirva para incentivar el interés en lecturas más complejas. En Vampi José Fonollosa juega a la perfección dicho elemento, se trata de un cómic destinado a un público joven que se enfrenta a una de sus primeras lecturas complejas, la protagonista es la hija del Conde Drácula. Y quizás no hace falta nada más para que esas mentes jóvenes puedan hacer una asociación rápida de lo que eso implica. A partir de ahí tan solo hay que tirar de los referentes estéticos básicos: la mansión, la oscuridad, lo tétrico (en su justa medida), el mayordomo deforme, y los amigos que son varios monstruos de la edad de la protagonista.

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Vampi es una niña inquieta que le gusta llevar la contraria a su padre, no le interesa el colegio, pero si leer mucho, jugar con sus amigos y montarse sus aventuras acompañada de su gato luna. José Fonollosa es un experto en este tipo de historias, relatos breves, personajes muy bien definidos y escenarios reconocibles. Todo pensado para que ese público joven pueda pasar un buen rato leyendo tebeos, como hicimos en su momento los más viejos del lugar.

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Spain is Pain #342: Sex politics

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Bárbara Maravilla (Marta Alonso Berná). Astiberri, 2018. Cartoné, 160 págs. Color, 17€

El sexo como arma, como instrumento o como herramienta para amedrentar. El sexo a parte de la función reproductiva y lúdica siempre ha jugado un papel importante a nivel político, incluso en los conflictos bélicos. Lo que en el occidente contemporáneo consideramos un valor de diversión, libertad o ególatra puede adquirir otros matices. Hace ya unos años leí sobre un largo conflicto entre varias tribus sudamericanas que duraba años, este se solucionó a través de las mujeres de los jefes de las diferentes tribus ¿Cómo? Ni hablando, ni dialogando, ni nada por el estilo, cada una de las esposas se puso en huelga de sexo hasta que la guerra entre las diferentes comunidades finalizara. Y así fue. El sexo puede convertirse en una herramienta política de primer orden.

Marta Alonso Berná plantea ese principio como un elemento activo que pasa de la esfera puramente personal a la política como un valor activo para poder cambiar y mejorar el mundo. Bárbara es una mujer cargada de manías y complejos, de mediana edad, pero todavía vive con sus padres y su vida se limita a ir de casa al trabajo y del trabajo a casa. Es decir, una Salary Woman, que vive por y para el trabajo, de libro incapaz de salir de su esfera personal por un miedo irracional a todo. Hasta que un día tras beber una bebida energética y cortocircuitarse con un microondas sufre una gran transformación, se convierte en una mujer sexualmente irresistible para los hombres de poder que haya en sus inmediaciones.

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La autora provoca un giro en torno al paradigma del héroe convencional si en lo masculino se construye en torno a la fuerza y cierta imposición de valores de la verdad de una manera muy determinada. Para Bárbara todo pasa, en primera instancia, por encontrarse con un hombre del que ha estado enamorado toda la vida y que ahora está de misionero en Zambia. Ella utilizará ese poder para llegar a ella, pero él la desprecia por su nueva personalidad banal. Bárbara emprende entonces una batalla contra el mundo que pasa en primera instancia por recuperar el orgullo herido, pero más adelante se convierte en un propósito personal arreglar la situación de pobreza en ese país africano. Ella con buenas intenciones desvela lo intrincado y malévolo de la industria farmacéutica, pero también las ataduras de un sistema que no permite hacer modificaciones para intentar arreglar las desigualdades sociales.

Esta reformulación de los superhéroes desde el punto de vista de la economía y la sexualidad se aparta por completo de la superheroína como un reflejo del superhéroe convencional en femenino que ni tan solo personajes como Faith o Mockinbird son capaces de reescribir. Barbara no tiene ningún superpoder excepcional aparte de la atracción sexual que genera en los hombres que gobiernan el planeta. Y ahí nos encontramos con otro punto de este trabajo, todos los que controlan el sistema son hombres que se topan con algo que no pueden manipular el deseo sexual por una mujer concreta. Al igual que las mujeres de las tribus dejaron de tener relaciones sexuales con sus hombres para acabar con la guerra, Bárbara utiliza la idea contraria el sexo y su atractivo sexual como un activo para conseguir sus propósitos. Marta Alonso Berná plantea un divertido cómic de denuncia en el que el trasfondo es conocido por todos, por ello no insiste en discursos vacuos para centrarse en la acción y en la protagonista. A eso hay que sumarle el dibujo ágil y una narración que hace que la lectura sea inmersiva, se lee de una tirada, casi sin tomar aliento. Bárbara Maravilla, es un cómic divertido, entretenido y visualmente llamativo, pero que esconde una profunda crítica al sistema de valores del occidente capitalista.

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Spain is pain #341: Poniendo de relieve el relato corto.

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En corto (VVAA). Astiberri, 2018. Cartoné, 112 págs. Color y B/N, 15 €

Como bien dice Rayco Pulido en la contraportada de este volumen cada vez es más difícil encontrar un espacio para publicar para aquellos autores que decidan trabajar relatos cortos. Las revistas comerciales, que parecen ser el lugar natural para este tipo de extensiones son, por decirlo de alguna manera, una anécdota. Ya no tienen la repercusión que tuvieron en las últimas décadas del siglo XX y ya no sirven como una forma de mostrar a los lectores el panorama, tendencias o estado del tebeo. La otra manera es autopublicarse ya sea en papel o en redes, siendo la primera opción destinada a un público muy selecto la segunda, a pesar de la globalización digital tampoco es una garantía para llegar a ese público concreto. En estas dos últimas opciones se echa a faltar la labor del editor, ese intermediario que con conocimiento de causa aportaba a las revistas o antologías de un discurso o una intención muy determinada.

Una tercera opción descartadas las revistas y la autopublicación es por la que han optado a través de En corto, el primer recopilatorio de historieta corta promovido por el Cabildo de Gran Canaria y Astiberri Ediciones como resultado de la convocatoria del Concurso Nacional de Cómic de la Biblioteca Insular de Gran Canaria. Por lo general con los concursos de cómic pueden suceder tres cosas: una que no se publique nada, dos que se publique con una tirada muy limitada y tres, la menos habitual, que se publiquen las obras ganadoras acompañadas de otras que han participado en el concurso y que son notables. En el caso de este título se trata de una oportunidad de tomar el pulso tanto a nuevos autores, como aquellos que ya llevan un tiempo trabajando su arte pero que por lo que sea no han pasado a primeras espadas a pesar de que el trabajo previo de algunos de los autores presentes en En corto es más que interesante. Ya en su momento Astiberri publicó Panorama que resultó un trabajo colectivo que nos mostraba el estado del cómic español de hace unos años; no a modo de catálogo sino como un ariete que mostraba las fortalezas de nuestros autores de historietas.

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En las páginas de En corto nos encontramos desde el formalismo más clásico, a relatos de género, comedia, abstracción que juega con la forma, poéticos o a modo de comentario social. El ganador de la convocatoria, Alejandro Galindo Buitrago, nos presenta “Viento de Levante” una obra que se apoya en el clasicismo estructural a través de una estructura circular. La apuesta de este autor es la esencia del déjà vu mediante un personaje que se levanta en mitad de un pueblo isleño sin saber dónde está y que hace allí. “La señora Rosa” de Elisa Riera Ruiz tiene ecos del trabajo de Paco Alcázar, pero sin el cinismo de este, pero con un toquecito más underground como método de análisis, con humor, de las dinámicas de apego y desapego que existen en la actualidad. “Nunca” de Francisco Bilbao Borja y Mayte Gómez Molina, es una apuesta por la experimentación, hacen un juego con el significado estricto de la palabra enfrentándolo al efecto cognitivo que generan las ilustraciones. “Dromedario” de Sergio Menéndez Vicente y Jorge Arias Megías me recuerda a Otoño de Jon McNaught por el uso de la belleza de la contemplación que se busca en el lector, una historia con una narración de libro perfectamente estructurada.

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 Por su lado Mayte Alvarado Simancas nunca falla, es una de nuestras autoras de cómic más interesantes e importantes del panorama actual; en “El Barco” delinea un relato sinestésico que busca que el lector se sumerja en sus páginas y que sienta las miradas de las protagonistas o el viento que mece la cometa y el trigo. “El Mercedes negro” de Eduardo González Rodríguez es como un viaje a lo desconocido, la apariencia estética es de cómic de género negro, pero realmente nos encontramos con una SF al estilo de La dimensión desconocida sobre el trip de un grupo de amigos. “El semáforo” de Blanca Santamaría Ruano pone en relieve la estupidez animal de las gaviotas con el comportamiento gregario de los humanos. El punto cachondo del volumen lo pone Michel Casado Freire con “Hotter Than the Hindenburg” explicándonos los peligros de responder a un desconocido en una sauna, más allá de eso el estilo gráfico es apabullantemente sencillo y efectivo.

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Laura Pérez Granel, la autora de Naufragos, en su relato corto “Juega” hace una aproximación intimista al cuento de fantasmas, pero a través de las distancias cortas existentes entre el espacio y la protagonista, sin necesidad de mostrar lo obvio. Arnau Sanz siempre pone el foco en la persona; mejor dicho, en los matices de esta. “Selva Negra” no iba a ser diferente, pero esta vez con un cuento que indaga en el género de la supervivencia con unos tipos que se han quedado atrapados en su barco en una zona glaciar, en apariencia todo es amabilidad, pero la crueldad (en algunos) sale como una forma de sobrevivir. “Unamunos” de Iago Araujo Molina tiene como punto de partida el discernir la verdad del yo a través de la percepción personal y ajena, a nivel visual trabaja con el icono con una sencillez extrema. Para acabar con un cuento de tipo social que nos habla del trabajo de un inmigrante, occidental, en Canada; “Working Holidays” de Javier Rodríguez Pinto trata de la desesperación, la incomprensión y la falta posibilidades de las personas, aquí perros antropomórficos, fuera de nuestros contextos sociales, o Heimat como dirían los germanos.

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Lo dicho anteriormente En corto es ese tipo de volúmenes que nos permite hacer una aproximación al cómic actual dentro de nuestras fronteras. Pero no solo eso las historias que lo conforman son entretenidas y apasionantes, pero se apartan también de ese cómic conformista que se acomoda con solo explicar una historia en viñetas. Aquí hay algo más, ganas de contar con la forma, la estructura de la página, el color, el trazo y con todo aquello que le ayude al autor a narrar con la intensidad que este desee aplicar. En resumen, una buena oportunidad para descubrir, o redescubrir, lo que se está haciendo por nuestros lares.

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Spain is pain #340: el noir de finales de los noventa

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Camaleón (Carlos García “Perro”). La Cúpula, 2018. Rústica, 100 págs. B/N, 13,50 €

El Víbora de finales de los noventa y principios del siglo XXI sigue pasando un tanto desapercibida, sobre todo con respecto a los gloriosos orígenes de la película. Sin embargo, la labor de los editores, que seguían trayendo nuevos autores internacionales y descubriendo ya afianzando a los nuevos valores nacionales. Pero el declive de la revista de cómics, que tan gloriosas fueron durante los ochenta, ya estaba ahí y la influencia de las mismas iba perdiendo fuelle frente al manga como un fenómeno que empezaba a consolidarse y el cómic de superhéroes que empezaba a revitalizar el interés de los lectores.

Por eso sigue siendo necesario hablar de ese periodo y reivindicar las obras publicadas en esos años. Una de estas es Camaleón de Carlos García “Perro” que comparte algunos rasgos con ese underground inicial con el que se funda la revista. En primer lugar, la proximidad de los escenarios del relato; Barcelona sigue siendo una fuente de inspiración para ambientar relatos de género, lo mismo puede ser una ciudad inundada por la luz que plagada de una oscuridad emocional. Y en segundo lugar, sigue investigando en la geografía humana de la sociedad de los bajos fondos; drogas, muertes, sexo, prostitución y degradación moral presiden los bajos fondos, la diferencia con los primeros autores del víbora es el tono. Si en aquellos momentos nos encontramos con todo eso envuelto de un entorno lúdico vinculado a las recientes libertades adquiridas, en Camaleón todo tiene un regusto mucho más oscuro y una desazón interior que hace que el personaje admita la corrupción del sistema y de sus propias acciones sin una pizca de remordimientos.

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Aunque comparta muchos aspectos con ese cómic de antaño la obra de Carlos García “Perro” es por encima de todo una obra de género negro que maneja a la perfección los rasgos de esta manera de contar. Femme fatales esporádicas que capitalizan algunos de las páginas, muertes por resolver que finalmente tienen una resolución más fácil de lo que parece, un grupo de secundarios que rodean al personaje principal dotados de una gran profundad a partir de unos parámetros muy sencillos y un personaje principal que nos sirve a modo de guía en un safari turístico para introducirnos en lo más oscuro de una Ciudad Condal tocada de muerte y alejada de la euforia de los Juegos Olimpicos sufriendo a su manera la crisis de final de milenio.

En ese sentido nos encontramos con una obra brutal como síntoma de la dejadez de los seres humanos tanto por sí mismo como por aquellos que les rodean, la ley de la selva como una forma de supervivencia en un medio urbano. En Camaleón también nos encontramos con algunas resonancias a Alack Sinner de José Muñoz y Carlos Sampayo o Sin City de Frank Miller, tanto en esa mostración sin ningún tipo de parapetos de la violencia, como por la forma de hablar de lo social, así como el mostrar cierto gusto por experimentar con el dibujo. El autor burgalés rechaza la plasmación de la realidad a nivel fotográfico, consigue trasmitir esa suciedad moral con un trazo grueso y desigual en unos personajes que tienen más de lo que arrepentirse, que no lo hacen, que mostrar con orgullo. Camaleón es un título de necesaria revisión, no debemos considerarla como otra obra más de la producción nacional de El Víbora sino como una obra con entidad propia a la que el tiempo no le ha pasado factura, sigue siendo igual de fresca que hace dos décadas y de necesaria revisión.

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Spain is Pain #339: Una cierta sensación de derrota

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Linea editorial (Arnau Sanz). AIA Editorial, 2018. Rustica, 128 págs. Color, 18 €

Allá por 2012 la ya extinta Edicions de Ponent publicaba Genio y Figura de José Tomás una obra que buscaba hacer una crítica directa más que al sistema editorial del cómic español a lo mediático que lo rodeaba. El tono de esta obra es el característico del autor valenciano, socarrón, pero tirando a dar; para ello utiliza el estilo gráfico de Juanjo Sáez, uno de los autores consagrados a principios de década y habitual de los medios de comunicación y prensa dedicada al ámbito cultural. Por lo general no nos encontramos obras que buscan indagar, ya no tanto en los entresijos editoriales, si no en las miserias que lo rodean de una industria cultural, que como casi todas en España, tienen que hacer equilibrios para seguir ejerciendo.

Decía que existen pocas obras que traten estos temas desde un punto de vista crítico. Linea editorial de Arnau Sanz, uno de los autores más notables de esta generación, pero que por desgracia no ha tenido el reconocimiento que debe; busca narrar la desesperación del autor frente a una industria que se mueve entre la producción el gran público y aquella que busca innovar ya sea por la manera de profundizar en el contenido a través de la forma y darle más importancia al contenedor, el formato por encima de la obra en cuestión. Frente a todo esto están todos aquellos creadores que deciden tener una línea creativa personal y que las editoriales no les hacen caso, pero que tampoco se sienten llamados por esa forma de publicar que busca un tipo de lector casual.

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De camino Sanz carga contra todo lo que le rodea, las ferias protagonizadas siempre por las mismas personas, la hipocresía de la publicación en risografía y la repercusión que tienen estas obras; centrándose más en esa forma de impresión que lo explicado en dichas páginas, premios, becas, etc. En definitiva, el poder vivir de su trabajo como creadores de tebeos, algo que se presagia como imposible para esta generación que está desarrollando su labor a base de autopublicarse, trabajar con editoriales pequeñas con tiradas cortísimas o directamente en el ámbito digital. Y este último que parecía haber supuesto una tabla de salvación para todos ellos tampoco ha acabado siendo un buen método para rentabilizar su trabajo, no se vive ni de likes ni retuits; a eso hay que sumarle a aquellos que piratean sus contenidos y los monetizan en beneficio propio.

Lur, la protagonista de Línea editorial, sirve para profundizar en esa derrota diaria que supone vivir en nuestros tiempos en el que parece que todo el mundo se dedica al ámbito de la creación con éxito. Ella sobrevive en esto del cómic más que de resultados que de ilusión, se imagina concediendo entrevistas y recibiendo premios. Pero la realidad la aplasta, la mantiene su pareja y su familia. Al final sucumbe al viejo y traicionero sistema capitalista, asumido por ella con una cierta sensación de derrota, trabaja de teleoperadora en un espacio de esos que parecen los panales de la abeja obrera. Arnau Sanz abandona esta vez el relato autobiográfico, a pesar que se le ve respirar ahí en los comentarios sobre mundillo.

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La obra de Lur, que aparece de manera fragmentada a lo largo de su odisea personal, recuerda en el tratamiento de la imagen a sus primeras obras, para el resto sigue con esa idea de un color que lo inunda todo, a pesar de que su trabajo no es precisamente optimista. El autor catalán sigue mostrando un compromiso muy fuerte a la hora de hablar de temas que le atañen personalmente y con un discurso visual, personal y muy consolidado y con unos rasgos que lo definen como único dentro del panorama nacional. Línea editorial es otra gran oportunidad conocer a un autor más que interesante, que además, como siempre, habla desde las entrañas, esta vez no tanto de la tan cacareada burbuja del nuevo cómic español sino de las (falsas) esperanzas que se esconden detrás de esta.

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Spain is Pain #338: lo vital de la puesta en escena.

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Cenit (María Medem). Apa-Apa Cómics, 2018. Cartoné, 120 págs. Color, 19 €

En el cómic más o menos comercial la puesta en escena, que no los escenarios, es algo que se suele dejar de lado en favor de una descripción de escenarios que buscan por un lado ubicar a los personajes a nivel físico, proxémico, a través de las relaciones que estos van a establecer con su entorno, simbólico, mediante el uso de la esterotipia más común o bajo un simbolismo que busca crear capas de significado más allá de los significados más evidentes a nivel narrativo. Pocas veces se dispone el escenario a modo de puesta en escena en el que los personajes establecerán una relación entre ellos a través de los objetos.

En estos casos, en el que los seres tienen que llenar dicho escenario dispuesto para ellos, debe de ser minimalista, no en un sentido de sobriedad sino en uno en el que los personajes le den significado a todo lo que le rodea. En Cenit María Medem opta por esa idea minimal con un concepto estético basada en un eje de narración izquierda/derecha. Dicha propuesta pasa por crear un espacio visual reconocible e identificable desde el primer momento: una gran mesa central en la que se reúnen los dos personajes protagonistas para comer cada uno en su lado, y dos casas cada una a una al lado de la mesa. Esta se convierte no solo en el único nexo que les une sino en una especie de frontera que no deben de traspasar, después de cada comida cada uno se da media vuelta y se vuelve para su casa.

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Los dos personajes tienen una relación en apariencia superficial, pero que quizás sea más estrecha a nivel psicológico, uniéndoles la dificultad que tienen cuando llega la hora de dormir. Insomnio, sueños profundos y continuados y posible sonambulismo de cada uno de ellos son algunos de los problemas con el que se enfrentan a ellos mismos, y que posiblemente haga que esta relación sea tan profunda. Ambos se dedican a hacer cerámica y a trabajar con cristal, pero uno de ellos, tras trabajar toda la noche, cuando se levanta se encuentra toda su obra rota y esparcida por los suelos. Hay empezará a indagar a través de lo que recuerda de sus sueños para saber si es el mismo que deshace del resultado de su esfuerzo.

Como en todo este tipo de trabajos lo que se cuenta es tan importante que el cómo se cuenta. Pero hablando de la cuestión estética el trabajo de María Medem es subyugador, desde esa idea de una puesta en escena rotunda y profunda nos encontramos con una planificación de viñetas realmente atrevidas e interesantes. Desde una taxonomía de planos más o menos habituales a la inclusión de planos subjetivos que ayudan a entender la distancia entre personajes, los planos cenitales y una querencia por enmarcar dentro de la viñeta a través de ventanas. Operación que responde tanto a cierta querencia estética a la puesta en abismo o actuar como una manera de focalizar la acción o en ciertos detalles. El uso de los colores que ahondan a una sensación de antinaturalidad y onírica, pero mucho más que definirlo como tal quizás sería mejor hablar de estar dentro de un sueño o pesadilla. El uso de la perspectiva recuerda al de algunos grabados de retratos de Hiroshige y Chikanobu; y por el camino un pequeño homenaje a Muybridge. En ese sentido nos encontramos con una obra plena y consciente.

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Apa Apa Cómics lleva los últimos años creando el catálogo de cómic de autor más prestigioso del país y la elección de María Medem continua con esa tradición. Tras lo dicho sobra decir lo recomendable de un trabajo en el que lo estético brilla por encima de todo. Pero que en ningún momento deja de lado la cuestión narrativa, si bien se trata de ese tipo de libros en el que más o menos podemos anticipar una parte de la resolución del relato, no se trata tanto de eso sino de leer dentro de esa puesta en escena, esta nos dará muchas de las claves internas para disfrutar, y porque no decirlo, gozar de este trabajo. Ciertos juegos de simetrías de proyección de los sentimientos de los personajes en elementos de la puesta en escena hacen de Cenit un trabajo rico fácil, en apariencia de leer en primera instancia, pero que nos regala alguna de las mejores viñetas que hemos podido ver por estos lares en los últimos años. Must have sí o sí.

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