Spain is Pain #339: Una cierta sensación de derrota

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Linea editorial (Arnau Sanz). AIA Editorial, 2018. Rustica, 128 págs. Color, 18 €

Allá por 2012 la ya extinta Edicions de Ponent publicaba Genio y Figura de José Tomás una obra que buscaba hacer una crítica directa más que al sistema editorial del cómic español a lo mediático que lo rodeaba. El tono de esta obra es el característico del autor valenciano, socarrón, pero tirando a dar; para ello utiliza el estilo gráfico de Juanjo Sáez, uno de los autores consagrados a principios de década y habitual de los medios de comunicación y prensa dedicada al ámbito cultural. Por lo general no nos encontramos obras que buscan indagar, ya no tanto en los entresijos editoriales, si no en las miserias que lo rodean de una industria cultural, que como casi todas en España, tienen que hacer equilibrios para seguir ejerciendo.

Decía que existen pocas obras que traten estos temas desde un punto de vista crítico. Linea editorial de Arnau Sanz, uno de los autores más notables de esta generación, pero que por desgracia no ha tenido el reconocimiento que debe; busca narrar la desesperación del autor frente a una industria que se mueve entre la producción el gran público y aquella que busca innovar ya sea por la manera de profundizar en el contenido a través de la forma y darle más importancia al contenedor, el formato por encima de la obra en cuestión. Frente a todo esto están todos aquellos creadores que deciden tener una línea creativa personal y que las editoriales no les hacen caso, pero que tampoco se sienten llamados por esa forma de publicar que busca un tipo de lector casual.

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De camino Sanz carga contra todo lo que le rodea, las ferias protagonizadas siempre por las mismas personas, la hipocresía de la publicación en risografía y la repercusión que tienen estas obras; centrándose más en esa forma de impresión que lo explicado en dichas páginas, premios, becas, etc. En definitiva, el poder vivir de su trabajo como creadores de tebeos, algo que se presagia como imposible para esta generación que está desarrollando su labor a base de autopublicarse, trabajar con editoriales pequeñas con tiradas cortísimas o directamente en el ámbito digital. Y este último que parecía haber supuesto una tabla de salvación para todos ellos tampoco ha acabado siendo un buen método para rentabilizar su trabajo, no se vive ni de likes ni retuits; a eso hay que sumarle a aquellos que piratean sus contenidos y los monetizan en beneficio propio.

Lur, la protagonista de Línea editorial, sirve para profundizar en esa derrota diaria que supone vivir en nuestros tiempos en el que parece que todo el mundo se dedica al ámbito de la creación con éxito. Ella sobrevive en esto del cómic más que de resultados que de ilusión, se imagina concediendo entrevistas y recibiendo premios. Pero la realidad la aplasta, la mantiene su pareja y su familia. Al final sucumbe al viejo y traicionero sistema capitalista, asumido por ella con una cierta sensación de derrota, trabaja de teleoperadora en un espacio de esos que parecen los panales de la abeja obrera. Arnau Sanz abandona esta vez el relato autobiográfico, a pesar que se le ve respirar ahí en los comentarios sobre mundillo.

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La obra de Lur, que aparece de manera fragmentada a lo largo de su odisea personal, recuerda en el tratamiento de la imagen a sus primeras obras, para el resto sigue con esa idea de un color que lo inunda todo, a pesar de que su trabajo no es precisamente optimista. El autor catalán sigue mostrando un compromiso muy fuerte a la hora de hablar de temas que le atañen personalmente y con un discurso visual, personal y muy consolidado y con unos rasgos que lo definen como único dentro del panorama nacional. Línea editorial es otra gran oportunidad conocer a un autor más que interesante, que además, como siempre, habla desde las entrañas, esta vez no tanto de la tan cacareada burbuja del nuevo cómic español sino de las (falsas) esperanzas que se esconden detrás de esta.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #338: lo vital de la puesta en escena.

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Cenit (María Medem). Apa-Apa Cómics, 2018. Cartoné, 120 págs. Color, 19 €

En el cómic más o menos comercial la puesta en escena, que no los escenarios, es algo que se suele dejar de lado en favor de una descripción de escenarios que buscan por un lado ubicar a los personajes a nivel físico, proxémico, a través de las relaciones que estos van a establecer con su entorno, simbólico, mediante el uso de la esterotipia más común o bajo un simbolismo que busca crear capas de significado más allá de los significados más evidentes a nivel narrativo. Pocas veces se dispone el escenario a modo de puesta en escena en el que los personajes establecerán una relación entre ellos a través de los objetos.

En estos casos, en el que los seres tienen que llenar dicho escenario dispuesto para ellos, debe de ser minimalista, no en un sentido de sobriedad sino en uno en el que los personajes le den significado a todo lo que le rodea. En Cenit María Medem opta por esa idea minimal con un concepto estético basada en un eje de narración izquierda/derecha. Dicha propuesta pasa por crear un espacio visual reconocible e identificable desde el primer momento: una gran mesa central en la que se reúnen los dos personajes protagonistas para comer cada uno en su lado, y dos casas cada una a una al lado de la mesa. Esta se convierte no solo en el único nexo que les une sino en una especie de frontera que no deben de traspasar, después de cada comida cada uno se da media vuelta y se vuelve para su casa.

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Los dos personajes tienen una relación en apariencia superficial, pero que quizás sea más estrecha a nivel psicológico, uniéndoles la dificultad que tienen cuando llega la hora de dormir. Insomnio, sueños profundos y continuados y posible sonambulismo de cada uno de ellos son algunos de los problemas con el que se enfrentan a ellos mismos, y que posiblemente haga que esta relación sea tan profunda. Ambos se dedican a hacer cerámica y a trabajar con cristal, pero uno de ellos, tras trabajar toda la noche, cuando se levanta se encuentra toda su obra rota y esparcida por los suelos. Hay empezará a indagar a través de lo que recuerda de sus sueños para saber si es el mismo que deshace del resultado de su esfuerzo.

Como en todo este tipo de trabajos lo que se cuenta es tan importante que el cómo se cuenta. Pero hablando de la cuestión estética el trabajo de María Medem es subyugador, desde esa idea de una puesta en escena rotunda y profunda nos encontramos con una planificación de viñetas realmente atrevidas e interesantes. Desde una taxonomía de planos más o menos habituales a la inclusión de planos subjetivos que ayudan a entender la distancia entre personajes, los planos cenitales y una querencia por enmarcar dentro de la viñeta a través de ventanas. Operación que responde tanto a cierta querencia estética a la puesta en abismo o actuar como una manera de focalizar la acción o en ciertos detalles. El uso de los colores que ahondan a una sensación de antinaturalidad y onírica, pero mucho más que definirlo como tal quizás sería mejor hablar de estar dentro de un sueño o pesadilla. El uso de la perspectiva recuerda al de algunos grabados de retratos de Hiroshige y Chikanobu; y por el camino un pequeño homenaje a Muybridge. En ese sentido nos encontramos con una obra plena y consciente.

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Apa Apa Cómics lleva los últimos años creando el catálogo de cómic de autor más prestigioso del país y la elección de María Medem continua con esa tradición. Tras lo dicho sobra decir lo recomendable de un trabajo en el que lo estético brilla por encima de todo. Pero que en ningún momento deja de lado la cuestión narrativa, si bien se trata de ese tipo de libros en el que más o menos podemos anticipar una parte de la resolución del relato, no se trata tanto de eso sino de leer dentro de esa puesta en escena, esta nos dará muchas de las claves internas para disfrutar, y porque no decirlo, gozar de este trabajo. Ciertos juegos de simetrías de proyección de los sentimientos de los personajes en elementos de la puesta en escena hacen de Cenit un trabajo rico fácil, en apariencia de leer en primera instancia, pero que nos regala alguna de las mejores viñetas que hemos podido ver por estos lares en los últimos años. Must have sí o sí.

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Spain is Pain #337: legados del pasado, aventuras del presente

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Wahcommo (Luis NCT). Astiberri, 2018. Cartoné, 216 págs. Color, 28€

Cierta norma no escrita sobre la fantasía heroica nos indica que es un género narrativo que se mueve por reglas muy estrictas que permiten salirse muy poco de ciertas narrativas, estructuras y formas del relato. Una de estas es la fuerza del pasado de un colectivo y la tradición como una de las narrativas más potentes, esta puede ser central o transversal, la tradición como un hecho a respetar y que restringe las acciones de los protagonistas haciéndoles actuar de cierta manera. En este tipo de obras los personajes no solo actúan no solo en nombre de sí mismos sino también en el de sus antepasados, por lo que cualquier cosa que implique salirse de la tradición es romper con la misma.

En Wahcommo, Luis NCT nos lleva por esos derroteros, quizás más que con la rotura directa de la línea recta que marca la tradición con una variación de la misma. La trama pasa directamente por esa idea. Por un lado, está lo tradicional en forma de rito, los más jóvenes de cada generación competirán para ser los elegidos en realizar un viaje al Reino Perdido del Norte para traer de vuelta parte del tesoro de sus antepasados. Sin embargo, se produce un evento que quebranta la tradición, pero no la norma, la ganadora es una mujer joven, Kaya, para evitar conflictos el líder de la tribu decide tomar una decisión salomónica; a esta le acompañará Fox, el chico que ha quedado segundo en el torneo. Para ello dividirá el mapa entre los dos de manera que deberán compaginar los esfuerzos. A partir de ahí nos encontramos una aventura iniciática en la que ambos personajes, que se dividirán en cierto momento deberán aprender a resolver sus problemas cada uno a su manera.

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Wahcommo es una aventura clásica que se desarrolla en un entorno de fantasía heroica prototípica, desde el mapa, los paisajes, los secundarios, desde el enano que reclama la importancia de su estirpe a el guerrero que sobrevive trampeando, el pasado oculto de la tribu, trasgos, orcos, gigantes, etc. Dentro de eso es un relato de carácter iniciático para los personajes que en el apartado visual responde hacia ciertas coordenadas más personales del autor que a ciertos cánones de las obras pertenecientes a este género. Luis NCT busca a través de un trazo sencillo pero sucio causar el mismo efecto que lo barroco de muchas obras similares, o cierta búsqueda de la verosimilitud fotográfica. El resultado es apabullante, gran cantidad de páginas son meramente visuales sumergiendo al lector en la psique del lector; dejando que la imagen hable por sí misma y no recargando con información, una y otra vez la experiencia lectora.

Wahcommo es en esencia un libro de aventura clásica en el que los compañeros de viaje van apareciendo por el camino, el tesoro final tiene un valor más conceptual y personal para la chica y el chico que material. Pero lo más interesante es ese valor de ruptura, de cómo la tradición tiene que adaptarse a los nuevos tiempos y las nuevas sensibilidades, de cómo debe de ser inclusiva y no apartar a nadie. Nada de discursos de ningún tipo aceptándolo todo desde la normalidad, sin maniqueísmos ni palabras vacuas. Son las acciones de Kaya y Fox las que hacen valida esta idea. Así pues, estamos ante una obra trepidante que tiene lugar en grandes escenarios a través de grandes gestas contadas en pequeño, no pretenden ser héroes sino sobrevivir. En resumen, una obra entretenida y brillante en la que el género narrativo solo es un elemento más del relato y no todo.

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Spain is Pain #336: Juegos de identidad

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El lago (Mayte Alvarado). Spiderland/Snake, 2017. Grapa, 24 págs. B/N, 10€

El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde de Robert Louis Stevenson, Vértigo de Alfred Hitchcock o la recientemente estrenada Quién te cantará de Carlos Vermut, indagan en diferentes vertientes de la construcción binaria de la personalidad. Si bien la primigenia obra de Stevenson nos habla de esa idea de la complementariedad del bien y del mal tanto las obras de Hitchcock como Vermut se trata de investigaciones sobre la personalidad como una elaboración que tiene que ver más con las expectativas creada sobre uno mismo o sobre otra persona.

En El lago Mayte Alvarado nos habla de esos juegos de identidad en un relato breve en el que muestra sus virtudes como narradora y dibujante. Pero aquí el espacio juega un papel importante, un lago al anochecer. Las aguas nocturnas están asociadas a los flujos de transformación y al poder mostrar las otras caras del yo, pero también está asociado en semiótica como un espacio femenino de cambio. Aquí el lago es un lugar de revelación interior y desdoblamiento de la persona. La protagonista entra con cierto recelo a un lago en el que se nos muestra la fiereza de la naturaleza peces devorándose unos a otros. Una vez ella entra dentro del lago nada a través de unas algas y una se quiere asemejar a ella.

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El conflicto se establece cuando la copia, o lo que suponemos como tal intenta hacerse con la vida de la humana. ¿Naturaleza versus humanos? O simplemente cambio interior disfrazado con cierto toque de sci-fi terror en un viaje subacuático en el que las formas dispersas de las algas toman formas de la anatomía humana. El juego de contrastes forma/fondo y entre la protagonista y su pretendida copia, la ausencia de diálogos y acotaciones textuales hace que todo el peso recaiga en lo visual. Lo cual le permite jugar a la autora con los claroscuros, los tonos grises, pero sobre todo con el blanco y negro. Al igual que la obra anterior de la autora se trata más de un trabajo de sugerir que de mostrar y narrar, de imaginar a los espacios y a los personajes que de describirlos. Lo que viene a ser sumergirse en el relato y rebuscar por ahí hasta que cada uno encuentre su respuesta.

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Spain is Pain #335: la mafia, acho, la mafia

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El método Gémini (Magius). Autsaider cómics, 2018. Tapa dura, 216 págs. Color, 22€

En El Padrino Coppola intentaba mostrar la falsedad moral de la sociedad criminal que comúnmente como mafia. En el cual se le supone un sistema de valores, un código de valores que se basa en dos parámetros sumisión a una jerarquía y la creación del concepto de familia, la idea de la sangre como nexo de unión entre personas que posiblemente no tengan ningún tipo de parentesco. El método para regular todo esto es la violencia, contra propios y ajenos. En otra vuelta de tuerca y dejando de lado esa idea de lo honorifico vinculado al drama, Scorsese se centra en el lado sucio de la mafia; la violencia pura y dura de este sistema social. Todo se filtra a través de esta y la familia se muestra como un argumentario artificial para darle forma a este sistema subcapitalista de obtener beneficios a través de ilegalidades.

La tercera pata de todo esto sería el motivo por el cual todos se someten a esa falsa jerarquización familiar-patriarcal y temen toda esa violencia, el dinero y el poder. Esos son las razonas por las cuales se crean esa idea de colectivo que no es más que esa excusa para ejecutar la violencia. Magius aborda esos temas en El método Gémini, una obra que sabe poner de manifiesto topos los tópico y estereotipos en torno a la mafia estadounidense, pero sin caer en esos lugares comunes pensados para hacer el relato más llevadero o por simple inercia. El autor murciano a creado un de los relatos más consistentes de la última década sobre el tema de la mafia neoyorquina. La puesta en escena, el conocimiento de los topos estéticos, la ambientación histórica y sobre todo la creación de unos personajes que no nos resultan ajenos pero que tienen una identidad propia muy marcada.

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Aquí se nos cuenta la historia de Mick Dioguardi, un hombre que de joven sufre bullying y por ello decide convertirse en el que da las palizas en vez de recibirlas. Veremos el ascenso dentro de la familia de Dioguardi, este se mete en todo tipo de negocios desde aquellos que podemos decir que están regularizados, bancos, fondos de inversión, etc. drogas, prostitución, etc. Sigue el manual del gánster clásico, tiene mujer, amantes y varios asuntillos por ahí; pero siempre tiene como meta entrar en la familia, al ser calabrés piensa que no le van a dejar entrar. El paradigma familiar dentro del crimen desorganizado, es pues, un pábulo que sirve para mantener un imaginario del honor, más falso que otra cosa, solo por tener poder. En el caso de Mick la cosa empieza por una paliza que le dan de niño y por querer tener un Cadillac como símbolo de estatus social dentro de su barrio.

Por otro lado, está el apartado estético que se divide en dos bloques, las viñetas a página completa que se utilizan a modo de falso separador entre capítulos son de por si obras plenas que constituyen una forma de ubicarnos temporalmente dentro de la narrativa. Por otro un uso limitado de colores: amarillo, azul, rojo blanco y negro; que dotan a todo de un contexto un tanto pesadillesco, el no poder escapar de ese entorno por mucho que se haya deseado estar ahí no deja de ser una trampa. Sin embargo, lo más curioso son los vocablos típicos murcianos apareciendo en escena, como si estuviésemos viendo una película doblada o leyendo un cómic traducido. El método Gémini es una obra que hará las delicias de aquellos que les gusten los relatos de auge y caída en el hampa, la violencia redentora, y esa idea impuesta de familia. En resumen, un libro maravilloso y apasionante. Que muy mal tienen que andar los productores audiovisuales para poder echarle un ojo y comprar los derechos.

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Spain is pain #334: Desbordamiento

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Máculas (Jordi Pastor & Danide). Spaceman Project, 2018. Cartoné, 144 págs. Color, 22€

Dentro del lenguaje narrativo del cómic y considerando la función de la viñeta, y más concretamente el reborde como elemento que nos ayuda a diferenciar el dentro y fuera, que además nos ayuda a darle sentido a la sucesión de tiempo; a veces se ve roto cuando este último es suprimido para que el enunciado supere las fronteras que delimitan la narración de la viñeta. Se trata de un efecto muy potente, que aporta un importante dinamismo a la escena. Pero en esta entrada me gustaría hablar de otro tipo de desbordamiento, no tanto aquel que se produce dentro de la estructura de una página sino como concepto principal de una trama.

En este caso el desbordamiento pasa por una idea, la porosidad entre la ficción y la realidad. En Máculas Jordi Pastor y Danide establecen un juego entre la realidad ficcional y la ficción que tiene lugar dentro de esta. Por un lado, vemos como un cómic de superhéroes mítico que lleva muchísimo en el mercado, se trata de Dott Spot. Se trata del típico universo de superhéroes que en el cual hay reconversiones continuas una y otra vez, pero en esta última reencarnación creada por Scott de Meester y Mina Shepperd corre el riesgo de ser la misma.

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El universo en cuestión se mueve por un parámetro que mueve toda la acción, los superhéroes adquieren lo poderes que tienen aquello villanos que derrotan. Sin embargo, el Dott Spot de esta generación es un negado, no atrapa villanos y en consecuencia no tiene poderes hasta que aparece una reencarnación suya de otro universo que le hace ver que tiene uno muy concreto, justo en el momento en que empieza a ser perseguido por un megavillano. Por otro lado, seguimos la vida de los creadores del cómic que ya saben que van a ser los creadores con los cuales se va a cerrar la colección, decididos a saber si Spinelli, creador de la serie, conoce lo que está aconteciendo deciden ir a buscarlo. Esta búsqueda coincide con las revelaciones que tiene Dott Spot. Todo confluye, al menos en esta doble capa narrativa, en que Dott Spot toma conciencia de su estatuto de personaje de ficción en un trayecto por otras ficciones, que abarca desde: Little Nemo in Slumberland, la escuela TBO, Flash Gordon, The Spirit, Kirby, cómix underground, Maus, manga, Tintin, etc. Por su lado Scott y Mina se dan cuenta de la pervivencia del personaje a través de los tiempos.

Todo se cierra en un capítulo que nos recuerda que estamos en un relato dentro de un relato, una puesta en abismo, en la que los autores reales, han establecido un juego de inmersión. Este último apartado está protagonizado por Matt Morris, autor de Máculas (ficcional) que hemos estado leyendo y de este último bloque que lleva por título “Vida de Scott”. El desbordamiento se produce a lo largo de todo el relato, el trasvase entre ficción y realidad se construye desde la estructura en la que nosotros leemos un relato de otro autor que no existe. Aunque en realidad todo circula en una sola dirección, mostrar el amor por el medio, por el hecho de contar historias con imágenes, la pasión no solo de crear sino de leer que se resume con la última frase de este volumen: “Me encanta el olor del cómic recién impreso”. Algo que muchos compartimos y que aquí, Jordi Pastor & Danide, se han dejado la piel por dejar claro.

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Spain is Pain #333: Lo onírico como lectura en código opuesto.

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Un esplendor nervioso (Brais Rodriguez). Autoeditado, 2018. Grapa, 60 págs. B/N, 6 €

La distancia que existe entre la realidad del mundo y como lo percibimos a nivel cognoscitivo es muy amplia, uno de los principales motivos son las expectativas de como creemos que vamos a relacionarnos con un objeto, una realidad o una situación en el mundo real. De ahí vamos a las divergencias que se producen en ese reconocimiento que va desde una relación digamos de código hegemónico por el que actuamos de la manera que tenemos que actuar ante un determinado objeto o situación; por otro lado cuando, a pesar de saber como una situación debe ser resulta, nos enfrentamos con cierta reticencia y duda sobre la manera en que debemos movernos, o dicho de otra forma seria un código negociado el que estamos utilizando; para acabar con una negociación en código opuesto por lo cual la percepción cognoscitiva capta y reacciona ante una realidad como se supone que no tiene que hacerlo.

En el hecho artístico funciona de la misma manera dichas divergencias se representan a través de los polos opuestos que componen el figurativismo más clásico a cualquiera de las variantes del arte abstracto. En el cómic la negociación esta, casi siempre, vinculada al hecho de una narración por mínima que sea o por lo que implica la secuenciación de las imágenes (aunque hay casos de cómic abstracto puro y duro). El título que nos ocupa hoy, Un esplendor nervioso, de Brais Rodríguez, se trata de cierta distanciación entre la recepción y la representación del mundo real. Para ello el autor crea una serie de personajes extraños, posiblemente no tanto por su comportamiento como por la normalidad con las que aceptan las reglas del mundo.

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De ahí nos encontramos robots que tienen entrañas y viven en una sociedad paralela controlada por hombres, un rio que desaparece y que se lleva consigo la memoria de aquellos que lo transitan, seres humanos que pierden las extremidades y aguantan con estoicismo la situación, muertos que se relacionan con vivos o sombras que tiene relaciones sexuales y que desmontan el concepto de corporeidad física. Por su lado los escenarios son supuestamente convencionales pero desmontados por las relaciones generadas entre personajes y por estos mismos. Brais Rodríguez nos sumerge en un mundo onírico en píldoras breves, en el que lo extraño es asumido por unos personajes que son básicamente un sujeto de pruebas para dicho entorno. La obra en global goza, en primer lugar, de una gran riqueza visual y de unos cuantos estilos gráficos buscan adaptarse al tipo de relato, y en segundo lugar, la extrañeza es el ambiente que rodea todas las historias. En ese sentido la lectura es a pesar de su brevedad plena, los cuentos son visualmente detallados, apenas comparten cosas los unos con los otros; por lo que la lectura debe de ser detenida para poder disfrutarlo en toda su plenitud. En resumen, una joyita de uno de esos autores que a pesar de no estar en primer plano pero que siempre hay que tener en cuenta.

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