Spain is pain #350: la nueva visibilización.

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El corazón entre las piernas (Sebas Martín). La Cúpula, 2019. Rústica, 148 págs. B/N, 14,50€

En su momento El Víbora se caracterizaba por romper esquemas en cuanto a la representación de la realidad. Ello daba ligar a una publicación única que hablaba del discurrir de los tiempos, los cambios sociales, pero, principalmente, que llevaba a primer plano los nuevos usos y costumbres de la ciudadanía. Desde aspectos que en principio podían pasar desapercibido, como introducir el lenguaje de la calle, a algunos aspectos que llaman más la atención como los cambios de gustos musicales, las nuevas formas de ocio o la moda. Sin embargo, de todos cambios plasmados en la revista el de la apertura de miras a la hora de representar el sexo y las nuevas formas de entenderlo es quizás el más importante: la introducción de un nuevo lenguaje en el que se incluían personajes de toda orientación sexual, en el que se ponía en primer plano la importancia del sexo porque si, sin ningún tipo de compromiso, aparte del mero acto, y sobretodo hablar de ello.

Si El Víbora se siguiera publicando hoy día no tengo ningún tipo de dudas que Sebas Martín publicaría en sus páginas. Los tiempos mandan, y a parte de cuestiones de mercado, el trabajo del autor catalán tiene todos los rasgos de la añorada cabecera. Uno de los rasgos más característicos es hablar en tiempo presente debido a cierta urgencia por contar lo contemporáneo; la visibilización y normalización del colectivo LGTB es uno de los grandes hitos sociales de nuestra época, y de poco nos sirve hoy hacer una representación simplista e hiperestereotipada del gay como se hecho hasta ahora. Eso nos lleva a una construcción de personajes un tanto más compleja en la que la condición sexual solo sea una de las caras de una personalidad poliédrica. Eso nos lleva a una mostración del sexo, dentro del colectivo, sin pudor, desprejuiciada y viva.

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El corazón entre las piernas es una historia de vidas entrecruzadas, dentro del mismo entorno ficcional, a través de pequeñas historias que nos narra la vida de un grupo de hombres que buscan ser ellos mismos. El amor, el deseo sexual, la pasión por la carne, pero también la desazón de no encontrar a nadie con el que estar y compartir la vida, o al menos una parte, las ambiciones personales y profesionales, así como los problemas personales que trascienden de la mera búsqueda del placer circunstancial son algunos de los valores que hacen que los personajes de Martín sean tan interesantes. Pero son las conversaciones las que delatan otro matiz de su forma de desarrollar los diálogos; son las conversaciones las que nos hablan de poder ver a sus personajes alejados del estereotipo. Estás hacen que veamos a unos tipos resueltos, inteligentes y con una gran capacidad para la réplica.

Aun así, tal como he planteado al principio de que este autor estaría a día de hoy en El Víbora nos indica que, aunque, en principio es un título muy enfocado para el colectivo homosexual, estamos ante un trabajo cuya apertura apunta a ser leído por lectores no gays. La historia manda, en un mundo en el que el concepto de redes ha explotado a causa de la revolución digital, Martín decide enseñarnos un grupo de seres humanos hiperconectados. No solo por el móvil y las aplicaciones de citas sino también a nivel humano. A todo esto hay que sumarle la habilidad del autor de hacer un tebeo divertido, entretenido y, eso sí, siempre con un punto de reivindicación.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

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Spain is pain #349: El profundo y oscuro pozo de la depresión

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California Rocket Fuel (Lorenzo Montatore). Autoedición/Sugoi Ediciones, 2019. Digital/Rústica, 130 págs. Color, 10€.

La depresión severa es como un pozo profundo, estrecho y oscuro que aísla al que está dentro de él de la realidad. En ese pozo la percepción de la realidad esta disminuida, una especie de caverna de Platón en la que la proyección que vemos del mundo no proviene de las sombras proyectadas desde el exterior, sino que son el reflejo de nuestro interior. Única y exclusivamente desde dentro de nosotros. Eso nos impide encontrar un anclaje que sirva de vínculo del afectado con el mundo, vemos lo que queremos ver, oscuro y negro sin salida porque no somos capaces de ver la puerta de salida, no podemos abrirla o simplemente porque no queremos abrirla.

Pero la realidad tampoco lo es como un hecho de facto, la realidad es una percepción mediada por nuestro trasfondo político, social, económico, cultural, social, sexual, etc. Que son los pilares de un edificio que se mantiene gracias el equilibrio que han de tener todas esas columnas. El carácter gregario del ser humano hace que busquemos el mantenimiento de esos pilares en el grupo y el colectivo. Y este se sostiene a través de ficciones que pretenden pasar por realidades políticas, laborales, nacionales, deportivas o sexuales. Todo como un constructo que unifica y aliena, personas que no logran identificarse con los fines perseguidos por dichas fictorealidades, se apartan, no ven profundidad en el paisaje personal que es su vida.

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California Rocket Fuel de Lorenzo Montatore nos habla de ese pozo sin salida y de la voluntad que tiene que existir para poder salir de él. De esa idea de escoger nuestra ficción para tener cierto equilibrio existencial. El personaje protagonista es un individuo que tiene un trabajo convencional y rutinario, es cartero; no siente adhesión por ninguna de la fictorealidades gregarias, apoyándose en la música o aquello que le ayude a no externalizar su tristeza, o una hipersexualidad interna no manifiesta. Es decir, una realidad propia y personal que no puede compartir con nadie. Dicho de otra manera, el fondo del pozo.

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Montatore siempre nos sorprende con cómics que buscan explorar en el existencialismo más puro. Se aparta de ese tipo de cómics que hablan de cualquier tipo de patologías que ahondan en lo lastimero, la denuncia o una la plana incomprensión. No, aquí no va de eso. California Rocket Fuel es como un libro de anotaciones sobre las sensaciones de un depresivo severo. La incomprensión, el no entender la tensión y angustia que se acumula todos los días, el peso psicológico y físico que eso supone, el vivir en una soledad emocional o las noches en blanco esperando quedarse dormido para no pensar en nada. En el apartado gráfico Montatore sigue en su evolución de lo sencillo para representar lo complejo con una estética que nos recuerda a cierta esencia del cómic de vanguardia de los años 50. Simple pero directo, algo que se transmite en un layout que ayuda a tener cierta sensación cinemática en las secuencias en las se mantiene el encuadre. También nos habla de la medicación como ese atajo “legal” que nos permite soportar cada mañana al despertar. Absolutamente recomendable.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is pain #348: la necesidad

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Rey Carbón (Max). Ediciones La Cúpula, 2018. Rústica, 160 págs. B/N, 16,90 €

Cuando imparto clases relacionadas con la historia de la comunicación, ya sea como concepto general, de algún medio concreto, radio, televisión o cine o directamente cómic; en la primera o segunda clase siempre planteo una pregunta a mis alumnos: ¿Cuál es el impulso primigenio que nos impele a buscar comunicarnos de una manera mediada? Lejos de buscar una respuesta exacta, una fecha, un nombre o una cita de algún historiador, filósofo o académico que explique todo de una manera clara, lo que pretendo es que se miren a ellos mismos y valoren sus necesidades comunicativas y si están cubiertas con las tecnologías actuales. Cierto es que cada tecnología nueva que aparece nos invita reinventar la comunicación.

Esa idea de la comunicación primigenia está relacionada con la creación del lenguaje y de la narración, pero también con lo iconográfico como representación de un referente real, que a pesar de ser un simulacro de la realidad sigue teniendo una respuesta a nivel cognitivo para los humanos., y que a la larga se convierte en un sistema que crece en lo coral y la participación de diferentes miembros.

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En Rey Carbón ese impulso de la comunicación mediada viene a través de un proceso de observación, el ser que acoge al que se ha perdido en la nieve se detiene a examinar la silueta recortada en la pared provocada por el choque de la luz con el ser invitado. En este mundo Prometeo ya ha hecho su aparición, poseen el fuego y con este el uso de la tecnología. Pero son los residuos, el carbón, con los que se inicia el proceso de representación. Ese primer trazo en la pared articula un mecanismo intelectual que busca racionalizar el mundo, y a la larga contarlo y explicarlo. Se muestra el proceso creativo como una investigación que puede derivar en la creación de mitologías. Max lleva un tiempo con esa indagación sobre el momento iniciático del hecho de crear como algo que está muy por delante de la autoría. Esa necesidad de comunicarse surge en cada persona de manera diferente donde no llegan unos lenguajes empiezan a crearse otros que lo complementan. Pero es principalmente eso, expresarse de un modo único para llegar a hacer entenderse en la manera en que uno percibe el mundo.

Paseo Astral, Vapor, Oh! Diabólica Ficción y Rey Carbón forma parte de una tetralogía temática en el que el autor no solo aborda lo anteriormente comentado, sino que parece que esta una cruzada personal por simplificar el impacto del autor sobre la página en blanco. Aun así la sencillez del trazo de Max llena la página, con estructuras poco complejas que guardan la esencia de saber comunicarse desde los recursos mínimos. En las primeras páginas, por momentos, nos recuerda los layouts del primer Tezuka, para luego romper con estos y llevarlo a la doble página. Al igual que las obras anteriores se trata de una tesis personal que el lector debe abordar como una experiencia que le hará plantearse las razones de una sociedad tan ficcionada como la nuestra. Como siempre, como con cualquier obra suya, Max es imprescindible.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is pain #347: la experiencia como obsesión

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La sangre extraña (Sergi Puyol). Apa-Apa Cómics, 2019. Cartoné, 120 págs. Color, 19 €.

Muchas veces pecamos de querer encontrarle una explicación a todo, sobre todo en el mundo del arte, concretamente el del arte moderno. Interpretar, pensar, o querer darle un significado a aquello que vemos en función de nuestra visión del mundo olvidando que muchas veces el arte en cualquiera de sus formas pasa más por la experiencia que nos proporciona. Todo ello que el background cultural de cada uno de nosotros se convierte en un pasaporte que nos puede hacer vivir la obra de maneras muy diferentes, y aun así no llegar a entenderla en su totalidad o por el contrario creer que se llega a la medula planteada por el artista. Si podemos poner un ejemplo de alguien que plantea ese tipo de creaciones es David Lynch, sobre todo en sus últimas obras; encontramos cientos de artículos y libros intentando hacer lecturas milimétricas, escudriñando en los planos, en las frases o en el significado de algún movimiento de cámara. Pero la obra del realizador estadounidense está planteada no tanto para ser entendida como para ser disfrutada como una experiencia visual que debe ser disfrutada tanto durante el visionado como días después.

Arnaldo, el protagonista de La sangre extraña tiene un encuentro extraño cuando se dirige al supermercado, un hombre entra en trance y recita una frase enigmática. Una amiga le dice que pertenece a un relato corto, el mismo que da título al trabajo de Sergi Puyol, de Mijail Sholojov. Arnaldo, parado y holgazán profesional. Se obsesiona con el asunto y pasa una temporada intentando desentrañar las palabras del tipo del supermercado, posiblemente porque su vida se basa en el distanciamiento con las personas y no focalizar su vida en ningún aspecto productivo. El planteamiento del personaje por parte de Puyol es sencillo y eso encierra cierta complejidad en una segunda lectura de la obra. Arnaldo es un tipo influenciable, en su experiencia la praxis pasa por la subjetividad y por no abrirse a otras influencias que cuestionen su tesis inicial y que le den lugar a otras visiones para resolver el enigma planteado inicialmente.

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Sin embargo, teniendo en cuenta los devenires ideológicos con los que nos enfrentamos en esta segunda década del siglo XXI me sugiere otro tipo de lecturas. Arnaldo es una representación de esta sociedad cada vez más individualizada y hedonista que busca autocomplacerse y la autoindulgencia buscando respuestas que les ayuden a explicarse a sí mismo y sus puntos de vista. Pero podemos trasladar todo esto al mundo de las ideologías en un mundo cada vez más complejo, cada vez con más información disponible para entender lo que somos y a donde nos dirigimos, pero que cada vez necesita respuestas más sencillas a problemas complejas. Un cambio de paradigma, las personas al servicio de la ideología rompiendo con el principio de cuestionamiento de lo extraño.

Sergi Puyol en La sangre extraña nos da una lección sobre estos temas, pero sobre todo en el planteamiento narrativo. Arnaldo vive en un estado de conciencia solipsista, él es el único que cree que es capaz de interpretar lo que le rodea, solo cuando acepta una visión externa, cuestionamiento, puede enfocar el misterio y encontrarse con la solución. Para ello dota al relato de una estructura impecable, en el que no todo son respuestas, pero con el halo de extrañeza que siempre rodea las obras de este autor. Todo ello contribuye a una lectura que atrapa, en la que en cierto momento todo parece un macguffin que no va a tener una resolución concreta pero que juega con las expectativas del lector. Para eso Puyol reinventa algunos de los rasgos del thriller, pero dejando de lado el suspense y el misterio tradicional en pos de un relato psicológico trasladado al exterior del personaje. En definitiva, una de las lecturas obligatorias de este año.

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Spain is Pain #346: Objetivo Hedy Lamarr de Ángel Muñoz, Ricardo Vilbor y Abel Pajares

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Objetivo Hedy Lamarr (Ángel Muñoz, Ricardo Vilbor y Abel Pajares). Grafito Editorial, 2019. Rústica, 104 págs. Color, 16€.

Desde hace algún tiempo existe un afán de recuperación de aquellos investigadores anónimos que en el pasado desarrollaron, y en muchas ocasiones patentaron, inventos que pasaron desapercibidos o que tuvieron relevancia décadas después. Habitualmente en esta labor de recuperación nos encontramos a muchas mujeres que en el pasado fueron silenciadas o que simplemente se les robo su invento o descubrimiento. Luego hay casos que van más allá de los prototipos habituales de investigadoras o inventoras que son reconocidas por una faceta de su vida, pero que cuesta reconocerles otras. Ese es el caso de Hedy Lamarr, gran estrella del Hollywood clásico que desarrollo un sistema para el control de torpedos que cambiaría el destino de la II Guerra Mundial y que sentaría las bases científicas del Wifi.

Los autores de Objetivo Hedy Lamarr optan por hablar de la actriz/inventora no desde el clásico relato en el que se narra la vida y milagros de la misma, sino desde una ficción creada en torno a sus dos vertientes personales. Para ello inciden es aspectos reales de su vida, por un lado, la actriz, la gran estrella de Hollywood que se encuentra filmando una escena de Sanson y Dalila, y nos narra los orígenes profesionales de ella en la Alemania nazi. En mitad de ese rodaje un extra intenta asesinarla. Ahí comienza la ficción en la que se inserta la realidad de Lamarr, representada por el sistema de comunicación de los torpedos desarrollado por la actriz, como leitmotiv que mueve el relato de ficción, en el que unos insfiltrados alemanes desean hacerse con los planos del invento. Lamarr, George Antheil y la agente Smith, protectora de la actriz, intenta huir del estudio y recuperar los planos que están en casa de George.

El relato es una huida hacia delante una historia que camina a medio camino entre la novela negra y de acción. Pero es también, en el aspecto visual un viaje nostálgico a ese mágico mundo del cine de finales de los años cuarenta. En ese sentido estamos ante un cómic muy atractivo, en cuanto al dibujo de Angel Muñoz, limpio, ágil y dinámico es uno de los mayores atractivos del volumen.  Pero no debemos olvidar la doble vida de Lamarr, eso se traslada a este cómic, por un lado, está esa ficción pura y dura enfocada hacia el relato lúdico, pero por otro nos encontramos al personaje real y y subiografia personal. Resumiendo, un tebeo que cumple dos funciones, la primera didáctica, el reconocer la historia desde otros puntos de vista, y la segunda entretener. Y en ambos casos funciona a la perfección.

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Spain is Pain #345: viñetas que surgen de las rimas

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Asonancias (Gabri Molist). Apa Apa Cómics, 2018. Grapa, 28 págs. 3 tintas, 7 €.

La relación entre la poesía y las posibles adaptaciones a otros medios de esta es compleja. La rima que se puede mover desde un referencialismo puro al dibujo de ideas abstractas puede tener muy poco al que agarrarse para aquellos que deseen trasladar algunas de estas obras con un sentido visual figurativo. Entonces la “solución” pasa, al menos en el cómic, por reconfigurar la palabra en imágenes y la estructura métrica en jugar no solo con el dibujo sino también con la estructuración de las viñetas. Estas pueden ser rígidas o flexibles, la viñeta en blanco pierde su sentido narrativo, pero puede ser un signo de puntuación o un mero respiro para seguir leyendo.

En Asonancias Gabri Molist, escoge poemas de Bécquer, Harryette Mullen, Julio Cortazar, Robert Frost o Clark Coolidge para establecer un dialogo no tanto con los textos en cuestión sino las formas de comunicar, de narrar o de hacer sentir de la poesía con las herramientas de creación del cómic. Para ello, aparte de las viñetas ya citadas y darle un protagonismo que emula la sinuosa estructura de la poesía escrita. Molist opta por darle importancia a la figura no concreta y al ser humano. En la interacción entre ambos surge una idea, la esencia del poema. Una cierta idea de sinestesia visual que intenta evitar la palabra a toda costa.

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Como idea transversal de Asonancias encontramos la transversalidad de lo abstracto reconocible, un texto que por sí mismo es anarrativo pero que tiene que leerse desde el layout de viñetas hasta la letra impresa, pasando por las formas de lo abstracto planteado como un elemento conector entre lo no textual y lo sugerido. La apuesta de Molist es un cómic complejo que invita a la contemplación y meditación sobre la página. Pero también es una obra alejada del cómic experimental contemporáneo, busca la ligazón con una obra original y la traslación provoca un anclaje directo que la interpretación de cada uno de nosotros dependa más del background cultural que de la libre interpretación que haga este.

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Spain is Pain #344: Those Ladies in Old-fashioned Movies

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Divas de Diván (Carmen Pacheco y Laura Pacheco). Astiberri/¡Caramba!, 2018. Cartoné, 128 págs. Color, 20€.

El prototipo de señora estupenda, elegante, con saber estar, pero que en ocasiones puede ser despectiva con su interlocutor se está perdiendo. Sí, es cierto que estamos hablando de un estereotipo de clase y ficcional. Pero por un lado lo chonesco va ganando terreno en los medios como nuevo paradigma de lo femenino y el saber estar (sic) frente a la idea de la clásica señora, pero como un concepto de clase inalcanzable y que a día de hoy puede resultar hasta antipático. De manera que esa idea de diva se tiene que reescribir desde el pasado, con las grandes cantantes, actrices, personajes de ficción, que resplandecían en la gran pantalla.

Pero eso pasa y solo queda el estereotipo, Divas de Diván de las hermanas Pacheco recoge todos los elementos a partir de los cuales reconocemos a esas divas, en este caso reconvertidas en señoras adineradas, con mucho tiempo libre y pocas ganas de trabajar, pero con muchas de lucirse y vivir el drama. Para ello hacen un recorrido histórico al concepto; en primer lugar, hacen un desglose por temas trabajo, ocio, drama, hombres, moda y belleza, y a partir de ahí la representación de situaciones que tienen lugar en diferentes imaginarios; la Inglaterra victoriana, del cine mudo, años 20, la femme fatale del cine negro, de los años 60, y una adaptación de estas a las redes sociales.

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El volumen juega principalmente con la idea de jugar con el símbolo y el icono, aquellos elementos que representan a estas damas, ya sean objetos o las formas, a partir de estos se crean los gags. También a partir de las personalidades de ellas, altivas clasistas, pero también ignorantes y desconocedoras del mundo, al menos de la realidad, ya que su mundo lo conocen a la perfección. Como ejercicio de humor es muy fino y elegante, tanto que levanta una sonrisa a cada página, el humor tampoco puede vivir exclusivamente de la risotada o carcajada. A todo eso hay que sumarle una cuidada edición, una de las mejores de los últimos años.

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