Spain is Pain #292: Estructura abierta

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Fragmentos seleccionados (Andrés Magán). Apa-Apa Cómics, 2017. Cartoné, 128 págs. Color, 20 €.

Los libros tienen un pequeño defecto. Solo uno entre millones de virtudes y es que obliga a leer en un orden predeterminado. Puedo asegurar que no he descubierto nada nuevo. Pero cuando tratamos con obras de vanguardia que buscan trascender de las pautas comerciales o de la narrativa y la estética más convencional me pregunto si la ordenación cronológica del libro no deja de ser el último límite que deben superar los autores, editores y sobre todo nosotros los lectores. Porque somos nosotros los destinatarios del trabajo finalizado del artista, y aquí podríamos abrir otro debate sobre si la función del arte debe ir más allá de la mera voluntad de crear del artista. Estamos acostumbrados a sentarnos a leer a pasar una página  tras otra y de vez en cuando ojear a ver qué pasa en las páginas siguientes. Algo lógico para para estructuras y relatos convencionales.

Cada vez que abro un nuevo trabajo de Andrés Magán me pregunto si lo voy a leer bien, si voy a llegar a entender lo que este autor pretende no-explicarnos y en ocasiones me cuestiono a mí mismo si es necesario, en ese juego planteado por el autor gallego, seguir el orden planteado por él. En obras anteriores como Griza Zono, Optimización del proceso y  Los dos amigos podemos observar que el punto de partida de cada una de ellas es diferente, tanto en lo que quiere no-contar como en el concepto inicial de cada una de estas. En la primera, mi favorita, existía una no-narración un punto cero de una historia que no se narra si no que se interpreta, la segunda estaba presidida por dos ideas: espacio y contexto, y a partir de ahí desarrollaba un escenario enigmático, pero más accesible que en el primer trabajo citado; y en el tercer caso existe una apertura a cierta narratividad en la que plantea un macguffin para seguir desarrollando su discurso formal.

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Fragmentos seleccionados es por el momento su obra más extensa y también en la que pone de manifiesto sus dinámicas creativas más conocidas; buscando, desde la extrañeza a la creación de un espació desarrollado a través del contexto, impuesto a través de unos microrrelatos en los que se tratan temas varios en el que el punto de partida es una sinopsis tan enigmática como, en principio, sin relación con el relato principal. Esta reza así: “El fuego se inició sobre las 11:45 de la mañana. En cuestión de minutos todo el bosque estaba lleno de humo. Aunque las llamas eran cada vez más intensas, nada parecía estar ardiendo. Cuando al fin se disipó el humo, todo estaba intacto. Sin embargo, el olor a quemado tardó en desaparecer”.

Esa sinopsis acompañada del contenido hace que me cuestione lo planteado al principio de esta entrada ¿Magán crea un relato lineal o no-lineal?. ¿Las diferentes microhistorias tiene lugar en ese espacio que empezamos a imaginar tras la lectura de la sinópsis? A la primera pregunta no tengo respuesta aunque quiero creer que es lineal, también me gustaría pensar que el ingenio de este autor llega hasta tal punto que la apertura de cada uno de esos relatos y la interconexión de los mismos es tan abierta que permite una lectura no lineal impuesta por el orden cronológico del libro. A la segunda pregunta creo que tiene una respuesta afirmativa. La extrañeza del relato iniciático que es la sinopsis, se conjuga a la perfección con esa forma de no narrar que tiene este autor y por su manera de evitar la estructura clásica de presentación nudo y desenlace.

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En Fragmentos seleccionados Andrés Magán da un gran paso a la hora de crear no-historias más complejas valiéndose de las herramientas que ha utilizado hasta el momento, creando un suspense no vinculado al género narrativo sino que apunta directamente a las expectativas de un lector que tiene ante sí una obra que se despliega como abierta. La apertura nos ayuda a imaginar un nexo entre relatos que construye un espacio imaginario inexistente, que no podemos reelaborar como un topo geográfico que aunque imaginario sea reconocible de alguna manera. Y por otro lado está la estructura que se dibuja en nuestra mente como un elemento artificial que debemos desentrañar y reescribir con las pistas que nos da un autor que nos reta en cada obra a descifrarlo como meros contempladores de su trabajo.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

 

Spain is pain #291: Rocket Man

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Cosmonauta (Pep Brocal). Astiberri, 2017. Rústica, 176 págs. Color, 16 €

 

She packed my bags last night pre-flight
Zero hour nine AM
And I’m gonna be high as a kite by then
I miss the earth so much I miss my wife
It’s lonely out in space
On such a timeless flight
“Rocket Man” – Elton John

 

Uno de los temas clásicos de la humanidad es el fin de los tiempos. O dicho de otra manera, la visión antropocentrista que tenemos sobre nuestra existencia nos sitúa en el centro de todo y como fin mismo de la creación hace que creamos que cuando dejemos de existir la vida, el planeta y todo aquello que surgió del caldo cultivo primigenio dejará de existir. La otra visión, la religiosa, es aquella que nos pone como meros seres que aparecemos por la gracia de un ser superior del que estamos a su merced, tanto en nuestra presencia en este planeta como en nuestro fin. ¿Qué pasaría si alguna de estas líneas de pensamiento se demostrase como cierta y no como mera imposición ideológica o evolutiva? ¿y si no fuésemos algo más que, como dice Juarma, una sucesión de polvos tontos desde los hombres de las cavernas?. Posiblemente la verdad se aproxime mucho más a esta última cuestión que a cualquier otro aspecto. Por lo que podemos considerar la evolución tecnológica y social como una mera cuestión de supervivencia.

A medida que el ser humano como especie ha ido evolucionando ha ido creciendo su consciencia, casi autoinducida, hacia sí mismo. Situándonos en el centro de todo, hasta el punto de creer de que todas las especies animales, la flora y el mismo planeta están a nuestra plena disposición. Como un Edén eterno, a modo de nevera que siempre esta llena, del que consideramos que no debemos ser expulsados. Sin embargo, los científicos, desde hace más de medio siglo, consideran que las cosas no van bien y se dedican a la exploración espacial en busca de nuevas fronteras, ya sea por el bien de la ciencia o de futuras exploraciones para la extracción de bienes materiales. O bien como futuras nuevas fronteras en las que desarrollar tecnologías relacionadas con la terraformación.

Bien, esto es un punto de partida para hablar de Cosmonauta de Pep Brocal, porque en el fondo eso son algunos de los temas centrales que toca la nueva obra del autor catalán. El hombre como centro de todo y la extinción pura y dura del planeta. Pero este no lo hace ni desde lo banal y sencillo ni desde una complejidad que busca apabullar al lector, sino como un pequeño juego que el lector debe ir aprendiendo a jugar a medida que desentraña las reglas del mismo; algo a lo que ya pudimos asistir en la maravillosa Alter y Walter o la verdad invisible (Entrecomics Comics, 2013).

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El punto de partida es un hombre en la inmensidad del espacio en una nave monoplaza, este es uno de los millones que han sido enviados para contactar con Dios y entregarle una carta exigiendo una serie de rectificaciones sobre su creación. Antes asistimos, a través de flashback al colapso de la humanidad y del planeta, pero principalmente a la disolución de Héctor, el protagonista, como persona. Este sufre un gran desengaño amoroso al que le sigue una desvinculación de la humanidad. Poco a poco este se va desdibujando hasta que encuentra como única solución ofrecerse como voluntario para dicha misión. La extensa duración de la misma, de más de dos milenios, se debe a una reducción al mínimo de las constantes biológicas y de las necesidades biológicas. Podría parecer que este va a perder los rasgos de lo humano a través de sus elementos funcionales, pero Héctor se define como tal a través de su consciencia y sus defectos. Este tipo al cual podemos observarlo con desde la pena o la soberbia que se define a través de todos y cada uno de sus fracasos. Brocal apunta a una humanidad que rinde pleitesía a la frustración y a los reveses. Pero sobre todo a los accidentes y al azar que es de ahí donde surgimos como especie y no de esa filosofía metahumana por la cual somos frutos de un experimento de otros u otro ser tal como defiende el creacionismo.

Y es en ese punto donde este autor hace del símbolo verbo. Las cápsulas se convierten en unos grandes espermatozoides que abandonan una Tierra que es un ovulo incapaz de fecundar vida (pág. 97) y los juegos relacionales nos ayudaran a anticipar algunos de los elementos claves del relato. Aunque no todos son pistas a veces la utilización de los colores, en el global del relato nos harán tener unas expectativas narrativas que al final se desbarataran. Así pues utiliza los azules para narran hechos del presente y del pasado que son reales, al menos en un principio, y el rojo aquellos recuerdos del protagonista, que NIC, el ordenador de a bordo, puede llegar a poner en duda.

Cosmonauta de Pep Brocal es ciencia ficción, sí; pero es ante todo una reflexión del devenir humano, de ahí que no se pierda en una construcción estereotipada de universo narrativo. Es seria y crítica con la humanidad emitiendo un juicio sobre la misma, pero a su vez guarda en su interior un sentido del humor muy propio. Este se gestiona a través del sarcasmo, del personaje sobre sí mismo y del autor esbozando a unas autoridades inoperantes incapaces de gestionar una sociedad que lleva años colapsándose y capaz de mentir por el bien de ella misma. Quizás lo que más he disfrutado en esta lectura es la experiencia visual, es realmente grata. El autor no solo explota al máximo las metáforas visuales sino que le da, como debe ser, un carácter protagonista al lenguaje visual, sencillo con personalidad propia pero sin perderse en alardes visuales a pesar de las maravillosas páginas dobles que podemos encontrar a lo largo del relato. Este título es una gran oportunidad para reencontrarse con uno de los autores más interesantes del panorama patrio, y para los que no lo conozcan todavía una gran ocasión para leerlo por primera vez.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #290: días de sangre y delirios

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Febrero para galgos (Peter Jojaio). Entrecómics Cómics, 2017. Rústica, 176 págs. Color, 18€

Desterremos la idea de que el paso de la infancia a la adolescencia como un momento lleno de contradicciones del que se sale más o menos bien parado, porque no es cierto. Es el momento de la vida en el que se generan más inseguridades y en el que socialmente se empiezan a estructurar los grupos de personas en los cuales los individuos van a tener que empezar a enfrentarse el mundo. Empiezan a surgir una serie de diatribas de yo contra el mundo o yo con el mundo, eso en parte viene generado por cierto tratamiento unitario de los niños durante la infancia mientras que en la pubertad de camino a la adolescencia la diferenciación suele ser el rasgo principal. No tener personalidad o ser demasiado diferente puede ser causa de la más amarga de las experiencias.

Ese es el punto de partida de Peter Jojaio en su Febrero para Galgos, su primer e inmenso trabajo largo. Dos amigos que asisten al mismo centro escolar tienen dos perspectivas de la vida diferentes, o más bien dos formas de enfrentarse  a esta. Por un lado uno de ellos sufre acoso escolar en el instituto con un alto grado de violencia por parte de los abusones. Por otro lado su compañero vive en un mundo personal que le ayuda a evadirse de la paupérrima situación emocional en la que vive: es ignorado por su madre lo cual le ayuda ser independiente pero ajeno a la realidad humana. Este es capaz de infringir un grado de violencia mayor que los acosadores a causa del grado de desconexión que sufre con la realidad.

Si bien esa pubertad desgajada de la realidad recuerda a la que sufren los niños de El fin de la inocencia (2006) de Michael Cuesta, en la que el realizador estadounidense introduce un tercer factor: el del sexo a edades tempranas. En el trabajo de Jojaio los otros dos valores son la muerte y la ya mencionada violencia están presentes desde el inicio del relato. El autor opta por enfocar esta última de manera descarnada y cruda, pero mostrada desde el punto de vista de un adolescente. Siendo esta amoral y sin sentido, esta no le supone a los personajes ningún tipo de dilema y la ven con cierta desazón: acción reacción, las agresiones se convierten en un medio de expresión para los seres que pueblan esta ficción. En la dinámica de este personaje entra el acosado, defendido por el primero. A ambos les une una gran desafección por parte de sus familiares hacia a ellos, esto los desvincula del mundo, los sitúa en otro plano frente a las relaciones interpersonales y la percepción de la violencia.

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Los dos escenifican un círculo de agresiones hacia los acosadores en el que el amigo protector hace realidad todos sus delirios sangrientos. Ahí el autor nos describe otro plano de existencia de este personaje para ello se sirve de un cambio de registro en lo visual y en lo discursivo. No solo mediante interludios, cambios de estilo visual sino también con la inserción de segmentos de un falso programa de animación, y lo que es más curioso, humanizar a algunos de los animales que aparecen en escena dotándoles de la palabra. A pesar de dicha antropomorfización que dota a los animales no solo de inteligencia sino de también de sentimientos, ni así la conciencia del protagonista violento se apaga, aún más, es donde este aplaca sus primeros ataques de violencia.

Febrero para Galgos es algo más que una grata sorpresa, a nivel formal maneja diferentes niveles estéticos que van de lo minimalista hasta cierto barroquismo en los delirios violentos del personaje. A nivel discursivo aplica esos planos para narrarnos un relato un tanto áspero de dos personajes anónimos. Dicha estrategia nos ayuda a mirar un tanto desde fuera el relato, no intimar con los dos protagonistas, ya que conocer el nombre es el primer acto para establecer una relación social. A pesar de esa distancia no podemos dejar de estremecernos ante un planteamiento tan crudo esbozado desde un trazo tan limpio. Peter Jojaio se marca una obra importante, muy importante, que se abre con una portada que nos invita a entrar a transitar ese camino de barro bordeado entre árboles muertos, pero con alguien atisbando desde la oscuridad; posiblemente seamos nosotros a punto de presenciar las crueldades de la vida que le esperan a estos dos adolescentes.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #289: el peligro de los bardos.

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Catálogo de Bunkers (Jordi Pastor y Marcos Prior). Astiberri, 2017. Cartoné, 104 págs. Color, 15 €

Post-truth:
Relating to or denoting circumstances in which objective facts
are less influential in shaping public opinion than
appeals to emotion and personal belief. – Oxford Dictionary

Vivimos en una época realmente rara, y aunque suene a tópico la era de la información no solo ha traído la mayor posibilidad de acceder a esta y poder contrastarla sino una fragmentación ideológica y emocional de la misma. No importa lo que digan otros medios, algunos ni siquiera consideran la posibilidad de contrastar un mero titular y ya no digamos una noticia completa. La emoción y la ideología se pone por delante de la razón y la opinión tiene mucho más peso que la verdad tal cual es. Quizás podría parecer que de esto solo somos responsables los ciudadanos, tanto aquellos que consumimos distintos medios de comunicación a nivel informativo como de aquellos que guían su opinión intelectual y política a través de los titulares que todos compartimos en redes sociales. Pero no, los medios, los gatekeepers han entrado a trapo en este juego desde grandes conglomerados con cadenas de televisión en polos ideológicos opuestos, la utilización del clickbait para ganar en métricas de vanidad o portadas meme de algunos periódicos centenario en las que sale el antiguo líder de la oposición con una tortuga ninja.

En 1978 John Fiske y John Hartley, en su clásico Reading Television, hablaban de la función bárdica aplicada a la televisión. Estos consideraban a los bardos como mediadores orales y como los responsables en estructurar y transmitir los mensajes sobre una comunidad en concreto. Estos autores llevaron ese concepto a la televisión convirtiéndola en una mensajera que compila la información desde diferentes fuentes, siendo la audiencia los que deciden si entran en el juego de esta información otorgada. A día de hoy los bardos o gatekeepers se han multiplicado, la fragmentación que procuran los medios digitales y los nichos culturales que se están abriendo hacen que esta no recaiga únicamente sobre los grandes medios, sino sobre muchas otras personas que poco a poco van asumiendo esta condición. Escuchamos y vemos con los que estamos en sintonía, y como no a la larga el no conocer las opiniones de otros. En palabras de Stuart Hall solo nos situamos en un nivel de decodificación hegemónico dominante, lo cual nos incapacita para reelaborar la información a partir de los códigos negociados y opuestos.

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Hablando de la función bárdica y a la estructura social occidental centrada en la familia nuclear, en cualquiera de sus formas pasadas y contemporáneas, los primeros bardos son nuestros padres. Ellos nos ayudan a construir una visión del mundo única y cohesionada basada en la proximidad física y en compartir un espacio vital. A medida que salimos de ese espacio conocemos otros bardos que nos ayudan a estructural nuestro yo social, emocional e ideológico.

Como siempre Marcos Prior con tramas en apariencia sencillas construye una crítica a un mundo dedicado a la contemplación e inacción. Catálogo de bunkers es  un trabajo apoyado en el dibujo de un Jordi Pastor que le otorga cierto tono de ensoñación a un relato que se construye sobre la fe que el escuchador tiene sobre el narrador.

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Eric K. es un fabulador, una persona que construye el mundo que le rodea a él y a su hijo palabra a palabra. El verbo como construcción y justificación previa o posterior al hecho, en este caso asesinatos. El entorno apocalíptico juega en favor de la construcción de un relato propio y sesgado sobre el pasado, y también sobre un presente que el mismo construye día a día en pos de un futuro moldeado a través de sus justificaciones. Podríamos pensar que este tal Eric K. es un cabrón sin escrúpulos que utiliza la información que tiene toda la información sobre los búnkeres para poder asaltarlos, pero me parece que podemos plantearnos otra pregunta: ¿Cuál es el fin de dichos ataques?¿lucrarse o crear en su hijo una imagen de mundo?. Aquí entra otra baza en juego el hijo, Alex, en un principio parece bastante alienado por los actos del hijo, no es un ejecutante de los actos pero si aparenta estar de acuerdo con estos y con lo que le explica su padre. Sin embargo este parece conocer a la perfección que su padre sufre delirios y mata por matar. Podemos suponer que Alex apela a la emoción y al vínculo padre-hijo para adherirse al padre y a sus actos, porque le interesa, porque gracias a él sobrevive o porque no le queda otra opción. El ver esos actos desde otra perspectiva le situaría en el polo opuesto al progenitor y como no en una situación de peligro con respecto a este.

Catálogo de Bunkers es una ficción que nos habla más del presente que de otra cosa. Ese futuro apocalíptico dibujado por estos autores no es más que una representación del fin del mundo ralentizado que estamos viviendo en estos momentos. Solo somos capaces de agarrarnos a aquellos mensajes con los que comulgamos y desgarrarnos con los de ideología opuesta. Esta fragmentación social no existe en las altas esferas, ellos controlan todos los medios y aunque la tecnología nos permite que todos podamos ser bardos, el poder, los medios y los avances tecnológicos  son los que hacen al bardo como tal: la fibra óptica es el nuevo laúd. Solo queremos a quien queremos creer, justificamos nuestro actos, o los de los nuestros, por bárbaros que sean, mi papa es mejor que el tuyo y estamos perdiendo la capacidad crítica día a día. Prior y Pastor nos regalan una obra fundamental para entendernos a todos nosotros en el aquí y el ahora. No dejen de leerla.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #288: Despejar la incógnita.

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Los dos amigos (Andrés Magán). Fosfatina, 2016. Periódico, 16 págs. Duotono, 6€

Lo difícil de plantear un relato críptico en cuanto a la narrativa y a la forma es la posibilidad, mayor o menor, que ofrece el autor a un lector predispuesto a plantar delante de sus retinas obras marcadas por el riesgo en todos los aspectos. Como ya hemos podido ir viendo en otras entradas de Spain is Pain ese debate entre forma y fondo y las brechas y los nexos que tienen lugar durante su utilización dan lugar a unos tipos de narrativas de carácter convencional e institucionalizadas, por un lado, y más experimentales, por otro.

En Griza zono  Andrés Magán optaba por un punto de narración cero para sembrar más incógnitas que resolución de tramas en un relato áspero que no daba ninguna facilidad a un lector que se planta delante de la acción sin saber de dónde van o donde vienen. Esta obra constituye uno de los hitos del nuevo cómic patrio. En Los dos amigos el planteamiento del autor es un tanto diferente, primero a nivel estético existe una concreción figurativa en torno a la figura humana; aquí son más reconocibles, tanto en la construcción de la figura como en el fondo. Pero son unas pautas que sirven para para sembrar la extrañeza de la soledad compulsiva.

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Un tipo nos narra en primera persona una experiencia que parece sacada de un sueño húmedo de David Lynch. Este relata cómo cree haber tenido una conversación con un amigo/ser que desaparece cuando intenta mirarlo frontalmente. Los restos que deja de su presencia son misteriosos: una cuerda, unas canicas, una llave, una piedra y un trozo de cristal roto, los restos de aquello que parece ser y puede que no sea. La segunda parte es esa elucubración del personaje narrador vagando y desvaneciéndose por el bosque.

Los dos amigos apunta directamente a una ruptura en la que la narrativa, o los mínimos bajo los cuales se sustenta este relato son una excusa para romper con arquetipos y las estructuras mínimas del mismo. Magán no resuelve el enigma, la ecuación se plantea pero la incógnita sigue ahí, la percepción del personaje es la que nos autor casi no podemos otorgarle la credibilidad debida, en la segunda parte ni siquiera sabemos si es un hecho o una ensoñación del narrador. Los personajes son definidos con un esbozo y nos obliga a una contemplación reflexiva ya contemplar la página tal como el protagonista nos contempla a nosotros. Magán es de lo mejor del panorama nacional y lo demuestra en cada una de sus obras, y Los dos amigos no es una excepción.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #287: Quinquis y yonkis

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Makoki. Fuga en la modelo (Miguel Gallardo y Juanito Mediavilla). La Cúpula, 2017. Rústica, 80 págs. B/N, 12,50€

El final de la década de los setenta y principio de los ochenta prometía a la población española un reseteo a todos los niveles: político, social, económico, etc. Pero una de las cosas que surgiría de ese periodo es un cambio en el paradigma mitológico popular, si durante unos cuarenta años el orden, el militar, lo adecuado y lo correcto definían, o al menos eso se intentaba imponer, a partir de ese momento los delincuentes pasan a primera plana de los medios comunicación, protagonizan películas y se les dedican canciones. Tras tantos años de ocultamiento la España de los barrios de extrarradio constituyen una mina para todos aquellos que desean reflejar la decadencia de un país en producciones de ficción.

Dos grandes títulos mantienen vivo el espíritu de aquel momento en el que se pone de manifiesto que los héroes construidos para la mayoría de la población no son válidos. Los deshauciados y los que de manera voluntaria han decidido salirse del sistema encuentran en la trilogía de Perros callejeros de José Antonio de la Loma y en Makoki unos referentes de una época cambiante. Si bien en el primer caso el realizador opta por el relato de redención social, polarizando el discurso y siendo maniqueo por ensalzar la delincuencia juvenil a través de mostrar a una sociedad que se desentiende de estas persona; por otro lado la creación de Gallardo y Mediavilla apunta a otras derivas.

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Si en Fuga en la modelo se utilizan los mismos elementos discursivos que en las cintas de de la Loma, un grupo de personas que se han montado su vida en la periferia del sistema, unos representantes del estado que no cumplen con la ley o se exceden con este y una sociedad completamente ausente, ajena a todo y a la que realmente no le importa lo que suceda al mundo. Aquí vemos como Emo, Cuco y el Niñato se bajan al moro a comprar hachis para llevarla hasta la Barcelona de los ochenta. Si bien les resulta fácil adquirir la sustancia estupefaciente el camino de vuelta constituye el verdadero relato, las dificultades y las peripecias de este grupo son el grueso del mismo; este road cómic muestra a la perfección el momento cambiante representado. Como trasfondo el penoso sistema penitenciario español protagonista gracias a delincuentes como El Vaquilla por su fuga.

Las aventuras de Makoki siguen teniendo a pesar de los años, los temas y la forma de tratados una gran frescura. Me gustaría destacar el valor historiográfico de los mismos no solo como historia del cómic español sino por la puesta en escena que disponen Gallardo y Mediavilla. Se trata en definitiva una gran crónica de los ochenta, la otra crónica, alejada de la de sucesos y más vinculada con un nuevo devenir social derivado de la represión de más de cuatro décadas. A eso hay que sumarle lo imprescindible de este volumen como obra  de ficción y como una de las más representativas del cómic underground patrio.

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Spain is Pain #286: encontrar y no buscar.

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Perlas del infierno (Begoña García-Alén). Fosfatina Ediciones, 2014. Rústica, 48 págs. B/N y Color, 12 €.

Los caminos de la abstracción son inescrutables, el cómic fue en sus inicios una fuente de creación que explotaba todo tipo de recursos narrativos y estéticos que se escapaban a muchas de las formas que poco a poco fueron constituyendo el lenguaje que hoy conocemos como noveno arte. Sin embargo, la experimentación en este medio es inherente al mismo al igual que lo ha sido en otros medios. Quizás la única restricción es y ha sido el radio de alcance de los artistas que han decidido emprender en dicho camino creativo. La difusión de este tipo de obras casi siempre ha pasado por la autopublicación o por escasas iniciativas como las de Toutain en los años setenta. Hasta que llega Fosfatina, editorial que tiene como línea este tipo de cómics.

Perlas del infierno de Begoña García-Alén transita por el puro camino de la abstracción dejando de lado por completo la narratividad. La estética y los desarrollos visuales constituyen el grueso de este volumen que apuesta totalmente por abordar la creatividad desde la pura forma desde el no-relato. Un punto cero que da lugar a la pura especulación y a un apertura en la lectura por parte del lector que abre un sinfín de posibilidades que van más allá de las puras conclusiones que se pueden extraer de aquellas historias. La autora nos da la posibilidad de una lectura e interpretación lo más abierta posible que va desde las vinculaciones a la alta cultura que van desde Malevich a Kandinsky a los RPG de los años 80.

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Este volumen se compone de cuatro obras, me resisto completamente de denominarlas como historias, que exploran el espacio de evolución constante de la abstracción. En “La visión” se construye el espacio a través de un personaje que es una forma amorfa y la exploración de este a través de diferentes estancias. La segunda pieza que no tiene título es unos zapatos de tacón caminando hasta que se rompe el tacón de uno. “Número 7” explora esa narratividad apabullante de los RPG ochenteros silenciándola y reduciéndola a los referentes visuales, la cuarta pieza es un pequeño trampantojo visual de una sola página que recoge algunos momentos de la primera y cuarta obra. La última es una puesta en abismo, una obra dentro de otra con algunos comentarios en of que interpelan al propio lector.

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Perlas del infierno es una obra infinita a la cual se le recomiendan infinitas visitas. Todas parten de la conceptualización de los espacios y como estos son abordados por los elementos que lo pueblan; pero sin una sola traza de relato, este no es necesario, García-Alén refuta cierta necesidad de explorar la página desde los ojos del propio lector una lectura abierta en la que se recomienda no buscar nada sino tan solo encontrar aquello que estemos buscando. Para ello no hay pistas, solo forma, su trabajo se debe a eso a la descripción de la forma y de la riqueza que podemos encontrar en estas formas.

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