Spain is Pain #241: Lo mejor de 2015.

Se ha acabado 2015 y empiezan las listas de lo mejor: música, cine, literatura,… y como no las de cómic también. Como bien es sabido esta sección está dedicada exclusivamente al cómic español. Este año como en anteriores he sido incapaz de hacer una lista de los 10 mejores, por eliminación me he quedado con 12 títulos que considero imprescindibles para entender el año tebeístico español. Y recordad, las listas son subjetivas y nunca a gusto de todos.

1.- La casa de Paco Roca (Astiberri)

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Para mí la mejor obra de Paco Roca, y el mejor título de este año, hasta el momento. En esta el que el pulso autoral se une al personal para crear una obra emocionante sobre personas, familias, y las emociones que se construyen alrededor de una casa.

2.- ¡Oh diabólica ficción! de Max (La Cúpula)

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Cada obra de Max sigue siendo una sorpresa a pesar de la longeva, y afortunada, de su obra. Su último trabajo gira en torno a la idea de creación encarnando en una urraca el origen de la cultura humana. Estética breve al servicio del intelecto que tiene como protagonista a la cultura.

3.- Necrópolis de Marcos Prior (Astiberri)

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Al igual que sus trabajos anteriores Marcos Prior opta por el análisis político y social. En este caso una ciudad en proceso de cambio, en el que brillantemente el autor hace protagonista al lector que presencia la carrera electoral de los candidatos a la alcaldía y los testimonios de ciudadanos anónimos. Necrópolis cae como una losa sobre nuestras consciencias. Leanlo.

4.- Llavaneres de Arnau Sanz (Edicions de Ponent)

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Arnau Sanz nos regala en esta ocasión un relato sobre el recuerdo, la familia y la importancia de los espacios; pero sobre todo del tiempo. Llavaneres es una obra sobre el pasado aquel que fue real, y aquel que muchas veces, sin saberlo, imaginamos y que lo incluimos en nuestra línea temporal.

5.- Soufflé de Cristian Robles (La Cúpula)

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Soufflé retoma la idea de representación de una sociedad alienada de sus instintos naturales que se mueve por una artificialidad de en los hábitos y costumbres, de la incapacidad de ser una comunidad más allá de la superficie, pero repitiendo la fórmula de su obra anterior, sin moraleja ni falsos relatos sociales. Fascinante en lo estético.

6.- ¡Garcia! de Santiago García y Luis Bustos (Astiberri)

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Un puñetazo en la cara. Eso es lo que es el último trabajo de García y Bustos, una obra destinada a remover tripas entremezclando el thriller político y el relato de acción, pero que sin duda está cargado de muy mala leche en cuanto a la representación de nuestro país se refiere. Un reflejo de España aquí y ahora.

7.- Hit emocional de Juanjo Sáez (Sexto piso)

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Nadie como Juanjo Sáez habla de su vida y nos hace sentir como parte de ella. En este título utiliza una herramienta infalible: la música. A través de esta hila una estructura narrativa vinculada a las experiencias personales, que a medida que pasan las páginas nos van pareciendo más y más nuestras.

8.- El paraíso perdido de Pablo Auladell (Sexto piso)

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El paraíso perdido de John Milton es una obra compleja de ahí que el valor de esta adaptación/reescritura de Pablo Auladell sea tan interesante. Se trata de un libro bello que establece vínculos con algunos momentos de la historia del arte y en el que podemos ver la evolución del artista.

9.- Quartznaut de Álex Red (DeHavilland)

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Un padre y una hija entra en una tienda muy especial en la que un perro entra en trance cuando escucha rock progresivo. Álex Red esboza la excusa perfecta para diseñar micromundos fantásticos en una obra divertida que hay que leer con los ojos, y la mente, muy abierta. Estética arrebatadora.

10.- Heartbeat de María Llovet (Norma Editorial)

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La especialidad de la autora catalana es crear obras llenas de texturas y capas narrativas con múltiples referencias a la mitología y al arte en general. Esta vez el punto de partida son unos falsos adolescentes que juegan con la vida y la muerte, quitándola o dejándosela quitar. Una obra magnifica de una de mis autoras favoritas.

11.- Murcia de Magius (Entrecomics cómics)

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Magius reinterpreta el universo provincial murciano, los tejemanejes políticos, las liturgias religiosas, etc. En la que la perversión del concepto de rito nos permite explorar que hay detrás de costumbres que con el tiempo se han convertido en rutina.

12.- Las aventuras de Joselito de José Pablo García (Reino de Cordelia)

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José Pablo García hace un homenaje pop en el sentido más amplio de la palabra con Joselito, uno de los iconos de la cultura popular española más reconocidos en todo el mundo. Pero no se queda en la superficie del homenaje sino los estilos gráficos son otro homenaje al cómic como arte en sí mismo. Una obra fantástica.

 @Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #201: Lo mejor de 2014.

Se acaba el año, empieza uno nuevo y para no perder la costumbre, ya por tercer año consecutivo, publico la lista de lo mejor del año a nivel estatal. Se trata de una lista subjetiva,  quizás más de sensaciones y de valores. Creo que he escogido los títulos listados a continuación por los valores narrativos, estéticos y discursivos en los que los autores se han apoyado para elaborar su relato; y en las sensaciones que me han provocado cada título. Esta lista como cualquier otra es puramente subjetiva. Como por lo general no me gustan las listas de 10 este año he escogido 12, porque 12 son las campanadas y las uvas que nos separan un año de otro. Pues eso, ahí va la lista:

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  1. Culto Charles de José Ja Ja Ja (Fulgencio Pimentel)

La primera posición es para el trabajo de José Ja Ja Ja. Su obra nos habla de un descubrimiento que empieza por la edición en intonso (quiero pensar que no soy el único tonto que escribí a Berni para decirle que mi volumen estaba defectuoso 😉 ) que nos remite a aquellos textos inéditos que han estado ocultos durante mucho tiempo y aparecen ante nosotros vírgenes, por abrir, en un lenguaje visual críptico que nos obliga a repasar las páginas una y otra vez. Una obra difícil pero gratificante que va en contra las visiones ultracanónicas y preconcebidas del cómic. 2014 no hubiese sido lo mismo sin Culto Charles.

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  1. Las meninas de Santiago García y Javier Olivares (Astiberri)

Frente al primer título que compone esta lista podríamos  considerar la obra de Santiago García y Javier Olivares como clásica. Pero no nos engañemos, Las meninas es uno de esos títulos que seguiremos releyendo una y otra vez por la cantidad de capas discursivas que los autores han aplicado y  que no hace más que revalorizar, más si cabe, la figura de Velázquez y poner un granito de arena más en el valor del cómic como medio para explicar la historia de un país. Firme candidato para el Premio Nacional del Cómic.

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  1. Ikea Dream Makers de Cristian Robles (DeHavilland)

Una de las sorpresas de la temporada, Ikea Dream Makers es el cómic que nadie esperaba encontrarse este año y el autor se ha plantado ahí con una gran solvencia narrativa y estética. Pero sobre todo por la capacidad de elaborar un discurso que nos habla del lado más cruel del capitalismo sin recurrir a lo más patético del relato social. Imprescindible.

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  1. Trabajo de clase/Nuevos Románticos de Ana Galvañ y Marc Torices (Apa-Apa Cómics)

Dos relatos centrados en la extrañeza de la adolescencia, y lo difícil que es crecer en una sociedad completamente alienada. Ana Galvañ y Marc Torices nos proponen un viaje alucinógeno al centro de la adolescencia, al terror que producen esos años de llenos de dudas y miedo. Así son las dos historias que componen el Miedo Issue, dos joyitas que no han de pasar desapercibidas.

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  1. VERSUS de Luis Bustos ( Entrecomics Comics)

El último combate de Tom King no es un combate normal, contra un adversario; no es un simple intercambio de golpes; sino que  es contra el tiempo y su vida. Esta cuenta atrás es narrada brillantemente por Luis Bustos, en un relato del que todos sabemos el final, pero nadie conoce el transcurso. Versus es una apología de la estética aplicada al deporte, una obra intensa que explica la fuerza de este deporte a través de unos lápices que no tiemblan a la hora de utilizar cualquier recurso y mostrar el sufrimiento del protagonista. Soberbia, dura e intensa, una obra para devorar que va directamente a la retina.

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  1. DLTLPS de Gabriel Corbera (Space Face Books)

La vida como un bucle, hacer del momento clave algo infinito del que no se sale. EL punto fuerte de DLTLPS es la creación de unos personajes muy icónicos que no evolucionan en un escenario que no para de plantearle una serie de obstáculos, que en realidad les debería hacer crecer como personajes. El relato es un reto constante al lector por plantear una aventura infinita de la que solo vemos un fragmento, de la que solo podemos percibir la esencia de lo ahí narrado.

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  1. F$P #1 de Irra y Dabi (Autoedición)

Estos dos tipos son los autores sevillanos, que si todo va como tiene que ir, van a dar mucho que hablar. El pasado noviembre se autoeditaron dos obras F $ P y A. Las dos me encantaron, pero si me tengo que quedar con una escojo la primera. Se trata de un texto adrenalítico que se desarrolla en una Sevilla sumergida en el Iberpunk con fuerzas demoniacas de por medio. El conjunto me recuerda a la primera vez que leí Akira de Katsuhiro Otomo, no digo más. Siganles la pista por las redes sociales.

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  1. Kiosco de Juan Berrio (Dibbuks)

Otro canto a la vida en la ciudad del autor vallisoletano. Este trabajo planteado con sencillez nos planta la historia de una persona, un ser humano desde que se levanta hasta que se acuesta. Su puesto de trabajo es una atalaya desde la que puede vislumbrar todo lo que sucede en la ciudad. Lejos de ser una obra voyeur, como fue su anterior Cuaderno de frases encontradas, se trata de una obra que fabricada, creada desde cero pero que guarda ese aspecto de crónica social que tiene los últimos trabajos del autor. Juan Berrio es uno de los imprescindibles del cómic español.

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  1. PutoKrío de Jorge Riera y VVAA (Edicions de Ponent)

Los que conocen a Jorge Riera dicen que es un tipo peculiar: genial, borrachuzo, pesado, encantador, bipolar, etc. No sé si es cierto pero en PutoKrío nos lo deja muy clara en su muy verdadera, aunque quizás no tanto, biografía. Esta obra es un gran juego metabiográfico en el que el personaje de ficción se apodera de la falsa vida real del guionista. Todo empieza como una broma pero el juego de Riera se encuentra a medio camino entre el found footage y el mockumentary se salda con resultados más que satisfactorios.

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  1. Inercia de Antonio Hitos (Salamandra Graphic)

Posiblemente el trabajo más anunciado y esperado del año. Antonio Hitos debuta con una obra sobre lo humano y lo divino, con una crítica brutal a esto último. Para matar ese ápice de la trascendencia de la vida y lo humano utiliza el puñal de la ciencia. Todo en un entorno urbanita, deshumanizado con unos edificios y contextos que prescinden de las personas. Un título impecable en el aspecto gráfico que sorprenderá a muchos por su solvencia narrativa. Un cómic que necesita releerse unas cuantas veces para captar las metáforas y el uso narrativo del color.

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  1. El Polo Sur de Alexis Nolla (Apa-Apa Cómics)

En este trabajo Alexis Nolla dota al fracaso con una estética casi naif a unos seres voluntariosos que saben que no van a conseguir lo que se han propuesto, y a pesar de ello siguen para adelante. El autor nos plantea una obra sobre el viaje, el trayecto supone lo más importante de la narración, el fin no existe, sino una continua secuencia de idas y venidas que retratan el carácter de unos personajes cuyo mayor logro ha sido pervivir a pesar de no lograr sus metas.

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  1. Fútbol. La novela gráfica de Santiago García y Pablo Ríos (Astiberri)

Vamos a ser sinceros, pensaba que Futbol iba a ser el comic que menos me iba a gustar este año. Me encanta el estilo de Pablo pero no lo acababa de ver. Pero tonto de mí, Futbol es un texto que ha sido capaz de alejarse de todos los tópicos del deporte rey (topicazo por excelencia) sin perder la esencia de lo que hace que este deporte sea socialmente tan aceptado. Gusta a los más forofos y enganchará a aquellos que descubran la faceta humana del deporte. Porque de eso va esta obra de la dimensión que adquieren cuando se pone por medio una pelota. Eso y que el trabajo de Pablo, y el de Santiago, es la p*ll* (perdonen)

 

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

 

Spain is pain #187: Aber wir Modernen.

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Las meninas (Santiago García y Javier Olivares) Astiberri, 2014. Cartoné 18,46 x 26 cm. Color 192 páginas.18 euros.

La obra de Velázquez es por definición inevitable, cuando uno estudia la historia del arte siempre hay artistas que van y vienen, otros que dependiendo de los teóricos y críticos que estén en boga en ese momento adquieren mayor o menor valor. Sin embargo, Velázquez es inevitable, ni sale ni entra, siempre está ahí y siempre estará ahí. Existe una línea muy clara entre el arte pictórico actual que nos lleva a través de Picasso, hacia Goya y de ahí a Velázquez. Velázquez como ese gran moderno que engloba todo lo que vino después.

El sevillano a pesar de ser el pintor de cámara de la casa real también fue el aposentador real,  uno de los muchos cargos que ocupo dentro de la casa del rey, labor que le ocupaba cada vez más tiempo. Encarnando no solo la idea del artista como profesión adquirida a través de la maestría sino a través de la vocación. Aunque Velázquez cobraba por su trabajo artístico sí que existía en esa dicotomía una rotunda afirmación: el artista lo es a pesar de no vivir de sus ingresos como tal, aunque sería lo deseable. Situación en la que están muchos artistas hoy día y si miramos al ámbito del cómic esta situación se acentúa todavía más.

De Velázquez conocemos su obra pero ¿qué sucede con él? La persona, el genio, aquel que a día de hoy es el más importante de los pintores españoles. Ese es el misterio que tratan de resolver Santiago García y Javier Olivares en Las meninas, saber quién era ese pintor que a día de hoy ha alcanzado el estatus de mito. Adoptando la forma de una puesta en abismo, o dicho de otra manera, a modo de cajas chinas; se nos narra una historia que contiene a otra pero que todas tienen como centro neurálgico a Las meninas, la que es sin ningún tipo de dudas su trabajo más reconocido tanto a nivel popular como por los entendidos en arte. Y es que la obra de García y Olivares copia en cierto sentido la estructura de un cuadro que encierra otros muchos, cuyo nivel de composición va más allá de la mera representación de los personajes que aparecen en escena.

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Siguiendo esas pautas la obra editada por Astiberri despliega una serie de recursos que no son capaces de dejar indiferente a nadie: en primer lugar el mencionado anteriormente, la centralidad temática de la obra del pintor y luego del pintor. A partir de ahí reverberan una serie de ecos que se reflejan en artistas posteriores como: Foucault, Dalí, Goya o Picasso. Que revelan no solo la importancia de la obra en cuestión sino la necesidad de poner en valor y de manifiesto los referentes muchísimo más allá de la mera copia u homenaje.

Pero los ecos no se disparan hacia el presente sino también hacia el pasado mostrando la grandeza del maestro, aprendiendo y recurriendo de artistas anteriores a él. A continuación le sigue otro tipo de dispersión narrativa, está en torno al pintor, su vida y las personas y personajes que le rodearon en todo momento. El mensaje está claro no se puede entender a una figura a la altura de Velázquez sin conocer su contexto, el genio nace del momento del que vive, no aislado ni elucubrando a espaldas del mundo. Todo, sin embargo, marcado con el inconfundible estilo de Javier Olivares, aunque es mucho mejor decir con los estilos de Javier Olivares, porque el artista madrileño es capaz de dotar a cada uno de los espacios temporales y temáticos de una personalidad propia con un cambio de estilo que se adapta perfectamente al registro elegido por Santiago García.

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Las meninas de Velázquez es una de las obras más importantes de la humanidad, la de Santiago García y Javier Olivares, va a ser como mínimo una de las más importantes del año porque aparte de lo desplegado narrativa y estéticamente confiere valor al cómic como transmisor de cultura, (no como cultura que ya lo es) y aunque sea un poco pretencioso, porque a veces hay que serlo, ponerse como uno de esos ecos que reverberan de la obra original, del texto primario, debiéndole todo y a la vez nada. Para mí el mejor trabajo de Santiago García como guionista y el más personal de Javier Olivares, las gotas de sudor que salen de Velázquez en las primeras páginas del libro no son otras que las del dibujante de esta obra.

@MrMiquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #180: ¡¡¡Gooool en Las Gaunas!!!!

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Fútbol. La novela gráfica (Santiago García y Pablo Ríos). Astiberri, 2014. Rústica con solapas. 17 x 24 cm. 160 págs. Color. 16 €

Cuando uno decide hablar del deporte rey es inevitable adoptar una perspectiva puramente personal, tanto si te gusta como si lo odias. El fútbol es uno de los pocos deportes que permite hacer lecturas de la vida o de la situación política de un país; pero sobre todo es un tema polémico: por un lado están aquellos que están a favor del fútbol y los que están en contra. Los primeros siempre tendrán un elemento de discusión: en favor de un equipo u otro, los árbitros, que si ha sido falta o penalti, etc… eso llegando hasta límites tan vergonzosos como la actual tendencia de periodismo rosa aplicado al deporte que esta tan en boga actualmente. Por otro lado están en contra porque dicen que el fútbol es para incultos e iletrados, suelen ser aquellos que durante la emisión de un partido nos recuerdan que mientras tú estás viendo el enfrentamiento entre dos equipos ellos se han leído toda la obra de Dostoyevski, visitado dos museos y que el gobierno ha subido los impuestos (sic, algo de lo que ni se acuerdan el resto de días del año pero si ese día cuestión y en esas dos horas en concreto)

Pues eso es el fútbol, a grandes rasgos visto desde fuera, a mí me gusta el fútbol, ver algún partido en concreto (ya he dicho que todo esto del fútbol es pura opinión personal) sobre todo si es del Atleti, pero en muchas veces todo lo que rodea al fútbol me cansa. Pero sobre todo lo más interesante de todo esto son las historias que contiene este deporte, que es realmente lo que lo hace grande; y el tema no va por lo de la superación humana (para eso están otros deportes) sino por la humanidad, tanto en lo positivo como en lo negativo, que define a este deporte. Y en ese punto entra Fútbol. La novela gráfica de Santiago García y Pablo Ríos, dos futboleros de pro que desmienten y dejan de lado la idea de que el balompié es un deporte de iletrados.

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Si tengo que ser sincero en un principio no me convencía mucho la idea me esperaba algo más mundano aprovechando el tirón del mundial. Por suerte ha sido todo lo contrario algo más en la línea de la revista Libero. En Fútbol García y Ríos nos hablan del otro fútbol en lo que menos importa son los partidos en sí, sino las historias que engloban este deporte unas de carácter ficticio y otras reales desmintiendo por completo el mapa de la realidad con el que se suele describir el fútbol: cifras, datos, tiempos de juego, porcentajes, etc. De manera que estos dos autores describen otro espacio el de lo irreal, yo diría más teniendo en cuenta el topo con el que están creando, el irreal necesario.

Irreal necesario, porque el fútbol lleva muchos años siendo configurado como un espacio de lo vulgar. Periodísticamente hablando no se nos ofrece nada más que mera información en muchísimos casos sesgada, de manera que existe cierta necesidad de desplazar la narración de este deporte hacia otros espacios en los  que el fútbol sea el centro del relato, pero también se imbrique con otros géneros para constituir un vehículo con el que poder explicar otro tipo de historias.

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Por otro lado Fútbol se desmarca de ese canon narrativo que engloba a aquellos trabajos que hablan de este deporte que son aquellos relatos de autoafirmación gloriosa y de superación que suelen estar destinados a explicar la historia de algunos clubs, que no dejan de ser unos fact files al uso, o muchos de los títulos más comerciales publicados en Japón. En este caso nos encontramos con el viaje personal de Santiago hablando de su tránsito personal a través de su afición por este deporte si no también filtrada a través del mundo del cómic, la teoría de juegos, lo paranormal, etc. Llegando a una sencilla conclusión, el mundo se explica a través del fútbol y el fútbol explica al mundo.

Resumiendo Fútbol. La novela gráfica es una obra que intenta acercar la filosofía de este deporte, cada vez más olvidada, no solo aquellos que les gusta este deporte, sino que también es un alegato en favor de verlo de otra manera de algo que va más allá de veintidós tíos corriendo detrás de una pelota. Un gran trabajo y, posiblemente, uno de los títulos del año.

@MrMiquelpg

@lectorbicefalo

La misma historia pero más bonita

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Beowulf (Santiago García y David Rubín). Astiberri, 2013. Cartoné. 22 x 31 cm. 200 págs. Color. 25 €

Yo tenía un profesor de guión, un gran profesional y profesor, que odiaba con toda su alma las adaptaciones, aunque sería más correcto hablar de las traslaciones. Así para él, hay pocas cosas peores que coger el texto original de Macbeth y transformarlo en la historia de unos gangster de Chicago en los años 40 del pasado siglo. En cierto sentido se podría hablar de un respeto hacia la obra original, hacia el trabajo de su autor primigenio. Personalmente yo no podría estar más alejado de dicha opción, ya que si la cultura se caracteriza por algo es por su mutabilidad, por su apabullante y fecunda diversidad, tanto temporal como espacial.

Evidentemente el problema es el de siempre, las malas adaptaciones, los juegos metatextuales que traicionan al texto primario cuando no directamente se limitan a la anécdota. El campo de juego postmoderno es más peligroso de lo que pudiera parecer, pues corres el riesgo de quedar como un idiota si no planteas bien tu estrategia, con el agravio de la comparación con la obra original, así que vayas lo que vayas a hacer piensa siempre en la obra de origen. Quizás esto es lo que sucede con el cómic Beowulf de Santiago García y David Rubín, una partida bien planteada, una resolución intachable, pero que más bien funciona como una sustitución de la lectura de la obra original en lugar de atreverse a jugar con lo que el poema épico pudo suponer en su momento y las lecturas que se pueden hacer hoy en día.

Beowulf es para la tradición nórdica, especialmente la anglosajona, lo que para los grecolatinos puede suponer la Odisea de Homero. El poema épico, escrito en inglés antiguo por un autor desconocido en algún momento entre los siglos VIII y XII, cuenta las aventuras de Beowulf, héroe sueco del siglo V, principalmente su lucha contra el monstruo Grendel. Quizás se trate de la obra más adaptada del canon anglosajón, un clásico contado mil veces. Algo lógico, ya que la pervivencia de Beowulf es comprensible para cualquier lector, la obra es por un lado una gesta hiperviolenta del gusto medieval, pero no deja de tener un nivel atemporal compartido por todos los héroes, donde se nos habla del sacrificio, el valor y la importancia del legado.

El trabajo como guionista de Santiago García es correcto hasta el límite, sabiendo como depurar el poema original para adaptar su experiencia de lectura al nuevo medio, creando una obra que se devora más que se lee, haciendo de la fluidez su mayor virtud. En ningún momento da la sensación de encontrarnos ante un resumen de una obra mayor, el ritmo está perfectamente calculado, con lo que el lector puede experimentar Beowulf el cómic como un producto total, alejado de esa experiencia cada vez más común, especialmente en el cine, donde las adaptaciones son resúmenes con los mejores momentos de la obra original.

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Sin embargo, si habría que exigirle a Santiago García más valor, y sobre todo mayor implicación personal en el guión, algo que quizás daría una obra menos firme pero mucho más interesante. Un perfecto ejemplo de lo que da de sí la leyenda de Beowulf es la novela Los devoradores de cadáveres de Michael Crichton, donde el poema originario se mezcla con la figura histórica del viajero árabe Ibn Fadlan y los vestigios del hombre de Neandertal. Aunque evidentemente, esta decisión queda totalmente a disposición del guionista, quien es libre de buscar una voz propia o de tratar de trasladar la obra de medio con el mayor respeto posible al autor original. En todo caso siempre es agradable no encontrarnos con otra adaptación del poema épico con rifles láser.

Del trabajo visual de David Rubín en Beowulf poco se puede decir que no se haya dicho ya, y sería redundante llenar la crítica con elogio tras elogio al dibujante. Simplemente remarcar que el trabajo de Rubín manifiesta que una vez más que los límites son conceptos que aún parece desconocer, dejando claro su dominio de cualquier aspecto que tenga que ver con el medio, desde el dibujo anatómico hasta la plasmación de acción. El trabajo de David Rubín obliga a leer Beowulf más de una vez, simplemente para disfrutar de una auténtica obra de arte.

Sin duda, Beowulf es uno de los mejores cómics que se editaron durante el pasado año 2013, una lectura que no dejará indiferente al a gran mayoría de los aficionados. Por si esto fuera poco, no podemos dejar de remarcar la importancia industrial de la obra, pues Santiago García y David Rubín han demostrado que existe ese término medio entre el costumbrismo gris y el entretenimiento vacío. Evidentemente, en un país donde ni la cinematografía consigue despegar es aventurado hablar de una industria de la narrativa gráfica, pero iniciativas como Beowulf demuestran que hay autores dispuestos a poner de su parte.

@bartofg

@lectorbicefalo