Spain is pain #340: el noir de finales de los noventa

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Camaleón (Carlos García “Perro”). La Cúpula, 2018. Rústica, 100 págs. B/N, 13,50 €

El Víbora de finales de los noventa y principios del siglo XXI sigue pasando un tanto desapercibida, sobre todo con respecto a los gloriosos orígenes de la película. Sin embargo, la labor de los editores, que seguían trayendo nuevos autores internacionales y descubriendo ya afianzando a los nuevos valores nacionales. Pero el declive de la revista de cómics, que tan gloriosas fueron durante los ochenta, ya estaba ahí y la influencia de las mismas iba perdiendo fuelle frente al manga como un fenómeno que empezaba a consolidarse y el cómic de superhéroes que empezaba a revitalizar el interés de los lectores.

Por eso sigue siendo necesario hablar de ese periodo y reivindicar las obras publicadas en esos años. Una de estas es Camaleón de Carlos García “Perro” que comparte algunos rasgos con ese underground inicial con el que se funda la revista. En primer lugar, la proximidad de los escenarios del relato; Barcelona sigue siendo una fuente de inspiración para ambientar relatos de género, lo mismo puede ser una ciudad inundada por la luz que plagada de una oscuridad emocional. Y en segundo lugar, sigue investigando en la geografía humana de la sociedad de los bajos fondos; drogas, muertes, sexo, prostitución y degradación moral presiden los bajos fondos, la diferencia con los primeros autores del víbora es el tono. Si en aquellos momentos nos encontramos con todo eso envuelto de un entorno lúdico vinculado a las recientes libertades adquiridas, en Camaleón todo tiene un regusto mucho más oscuro y una desazón interior que hace que el personaje admita la corrupción del sistema y de sus propias acciones sin una pizca de remordimientos.

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Aunque comparta muchos aspectos con ese cómic de antaño la obra de Carlos García “Perro” es por encima de todo una obra de género negro que maneja a la perfección los rasgos de esta manera de contar. Femme fatales esporádicas que capitalizan algunos de las páginas, muertes por resolver que finalmente tienen una resolución más fácil de lo que parece, un grupo de secundarios que rodean al personaje principal dotados de una gran profundad a partir de unos parámetros muy sencillos y un personaje principal que nos sirve a modo de guía en un safari turístico para introducirnos en lo más oscuro de una Ciudad Condal tocada de muerte y alejada de la euforia de los Juegos Olimpicos sufriendo a su manera la crisis de final de milenio.

En ese sentido nos encontramos con una obra brutal como síntoma de la dejadez de los seres humanos tanto por sí mismo como por aquellos que les rodean, la ley de la selva como una forma de supervivencia en un medio urbano. En Camaleón también nos encontramos con algunas resonancias a Alack Sinner de José Muñoz y Carlos Sampayo o Sin City de Frank Miller, tanto en esa mostración sin ningún tipo de parapetos de la violencia, como por la forma de hablar de lo social, así como el mostrar cierto gusto por experimentar con el dibujo. El autor burgalés rechaza la plasmación de la realidad a nivel fotográfico, consigue trasmitir esa suciedad moral con un trazo grueso y desigual en unos personajes que tienen más de lo que arrepentirse, que no lo hacen, que mostrar con orgullo. Camaleón es un título de necesaria revisión, no debemos considerarla como otra obra más de la producción nacional de El Víbora sino como una obra con entidad propia a la que el tiempo no le ha pasado factura, sigue siendo igual de fresca que hace dos décadas y de necesaria revisión.

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“Y los muertos aquí lo pasamos muy bien”

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La danza de los muertos (Pierre Ferrero). La Cúpula, 2018. Rústica, 148 págs. Color, 16,90€

Cada vez más nos encontramos como cómics contemporáneos beben de obras gráficas antiguas, ya sean concretas o inspirándose en épocas o estilos artísticos, beber de obras concretas o incluso realizar cierta ficcionalización. En ese sentido el cómic ha sabido absorber no solo ciertos discursos narrativos desde el cinematográfico al literario, diferentes estéticas, sino que se encuentra desde un ángulo incomparable para acoger cualquier tipo de discurso y hacerlo propio. La idea de Pierre Ferrero es coger los famosos grabados de Hans Holbein de su obra La danza de la muerte. Las danzas de la muerte eran un tipo de relatos recurrentes en las que normalmente se mostraban como la muerte, en forma de esqueleto, invitaba a personas de diferentes estamentos, edades, y condición social a bailar alrededor de las tumbas. Como un recordatorio de lo efímero de la vida y que de la muerte no está a salvo nadie.

Pierre Ferrero quizás lo enfoque desde otro punto de vista, aquí la muerte es todavía más brutal. Un nigromante es el encargado de gestionarla, este quiere ser un emperador del mundo y para conseguirlo debe de hacer crecer su ejército de muertos. Para ello envía a sus secuaces a los cementerios, a.k.a. ciudades con personas vivas, que estos se encargarán de asesinar, luego el nigromante les devolverá la vida convirtiéndose en fieles seguidores. La historia se desarrolla en un momento clave, en el que parece que el rey de los vivos va asestar un golpe estratégico al nigromante, pero este se adelanta y consigue hacerse con todas las tierras.

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Ese sería el cuento central, pero, por un lado, aparte de esta gran narrativa, están Miguelito y Boubaquere, dos muertos que se dedican a rapiñar en los campos de batalla para conseguir algo de dinero para beber, colocarse y pasar una noche con alguna mujer. Participan en las contiendas, aunque en beneficio propio, alejándose de la idea de los muertos que siguen al nigromante ciegamente. Estos dos solo buscan estar tranquilos para fumar marihuana y echar unas risas. Por otro lado, está Pistugrí una superviviente que consiguió huir del ataque de los muertos a su ciudad, esta, en apariencia personaje secundario donde los haya, consigue el dominio de las artes mágicas y reestablecer el orden, aunque en realidad lo que hace es matar a todo aquel que le lleve la contraria.

Pierre Ferrero, elabora un cuento sencillo con resonancias de una obra del siglo XVI, examinando los grabados de Holbein con el trabajo del autor francés encontramos, no similitudes directas, pero si una forma de contar que se parece. Cierta forma de recochineo con el que la muerte trata a los vivos en los grabados reaparece en el trabajo actual. El nigromante y el rey de los vivos parecen ser grandes personajes históricos, pero no dejan de ser seres ridículos cegados por la ambición, ni siquiera los muertos consiguen deshacerse del ego, el orgullo, los vicios, etc. Visualmente es una obra divertida y efectiva, un dibujo con un cierto toque naíf que utiliza colores muy llamativos, que se insertan en los globos a modo de tipografía con vida. Todo recuerda a cómics de finales de los setenta y principios de los ochenta. Es una obra muy divertida y atrevida, y bastante gamberra, pero no nos olvidemos que, a veces, la muerte hay que tomársela a cachondeo.

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Crumb el deslenguado

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Sexo Majara (Robert Crumb). La Cúpula, 2018. Rústica, 84 págs. Color y B/N, 12,50 €

Robert Crumb es ese tipo de autores que necesita ser recuperado a cada momento, la innovación que supuso en su momento, desde finales de la década de los sesenta y todos los setenta hacen de él un creador único. Quizás no tanto por la parte estética sino por lo deslenguado de su discurso personal, por esa parte Crumb es un exhibicionista. No duda en mostrar sus filias y obsesiones sexuales de la forma más natural posible, dicho de otra manera, lo, muchas veces, enfermo se muestra como una forma de libertad creativa.

Sexo majara recoge los tres números de Snatch Comics más materiales aparecidos en otras publicaciones como Jiz Comics, Felch Cumics y The Snath Sampler. Y como no todas y cada una de las páginas de esta recopilación es un canto al sexo, siempre lúdico, divertido, desprejuiciado en el que todo el mundo acepta su rol en este juego que son las relaciones sexuales. Es importante dar a notar que Crumb entiende el sexo, o la forma de entenderlo, como algo natural en el ser humano que no debe de ser negado. Y la sexualidad que en aquellos momentos era entendida como algo meramente del patrimonio de los hombres en estos momentos empieza a descubrirse al gran público, y reconocerse socialmente la riqueza de la sexualidad femenina. Aunque en estas páginas lo que nos encontramos es la idea del sexo según Crumb.

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Todo sea dicho, que en los tiempos que corren un genio como el de Filadelfia posiblemente seria viral pero le costaría pasar la línea de un reconocimiento por parte de los medios. Aunque hoy estamos curados de espantos Crumb sigue siendo rompedor por el desparpajo que muestra su discurso personal sobre el sexo. En este volumen encontramos de todo tipo, pero principalmente dos tipos de hombres el apocado que se aprovecha de sus atributos y el salido que no deja de lado ninguna oportunidad para salirse con la suya; por su parte las mujeres son complacientes pero no en un sentido sumiso, sino como un rol dentro de esta sexualidad, eso si físicamente robustas fuertes y dominantes cuando deben de serlo. Como en cualquier otro caso, siempre que sale algo nuevo de Crumb al mercado merece ser revisado, los clásicos es lo que tienen.

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El nuevo género de la fantasía

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La Sociedad de los Dragones de Té (Katie O’Neill). La Cúpula, 2018. Cartoné, 80 págs. Color, 16,90€

En la última entrada hable de la importancia de saber trabajar los límites y fronteras en las publicaciones destinadas a un público infantil y juvenil para que estas no sean tales. El caso de GenPet es el de una obra que opera dentro de los márgenes canónicos del género de aventuras. Sin embargo, hoy tenemos otra que transita dentro de la fantasía a través de la apertura. Es decir, en vez de encontrarnos un mundo basado en el prisma de la constante lucha entre el hombre y la naturaleza, ya sea en forma de monstruos, batallas épicas o el conflicto eterno de poderes de en reinos fantásticos; la idea es explorar ese tipo de narrativas no desde el conflicto sino desde la fraternidad y el amor.

La Sociedad de los Dragones de Té de Katie O’Neill experimenta en sentido contrario este tipo de universos. Siguen apareciendo personajes de otras especies aparte de la humana, profesiones vinculadas al funcionamiento de estos mundos imaginarios, e incluso usos y costumbres relacionadas con el género y que reconocemos. Pero en la obra de Katie O’Neill se denotan ciertos aspectos que rompen con las normas asociadas a la fantasía, al menos a nivel comercial y que si encontramos de manera más habitual en fan fics, en cuestiones de identidad de género. Empezando por la descripción física de los personajes, los padres de Greta, la protagonista, son intuidos de manera menos marcada por el sexo que en otras obras de este tipo: la madre es alta y fuerte, sin perder los rasgos femeninos, pero el padre es más bien andrógino. La naturalidad con la que desarrolla esta ausencia del género marcada a través del sexo trasciende al resto del relato. Otro tópico que se rompe es el de lo mitológico en el dragón, aquí son pequeños como bonsáis, animales que se han de cuidar durante toda una vida para que den las mejores hojas de té. Unas hojas que procuran una bebida que recoge la memoria de la persona que ha criado al dragón.

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En resumen, La Sociedad de los Dragones de Té es un relato bello como pocos que mira al género narrativo con un nivel de apertura como pocas obras han hecho hasta el momento. De poco importa el pasado y las grandes batallas, aquí juega un papel más importante el amor, no solo hacia otras personas sino por las tradiciones. No solo por el hecho de sentir un afecto hacia estas sino por dotarlas del valor del cariño. Desde la herrería de los padres de Greta al cuidado de los dragones, pasando por las relaciones personales. El amor a las tradiciones como un elemento transformador de la sociedad y de estas mismas. A pocos cómics se le puede aplicar el adjetivo de bonito, en todos los sentidos, La Sociedad de los Dragones de Té de Katie O’Neill es uno de ellos, sin ningún tipo de dudas, y un regalo perfecto para los más jóvenes de la casa, y por supuesto para los padres.

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Kunst macht frei?

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Stroppy (Marc Bell). La Cúpula, 2018. Cartoné, 72 págs. Color, 16,90 €

¿Cómo se hace una crítica de un cómic del que la editorial reconoce la dificultad de realizar una sinopsis? Seguramente ese sea el mayor atractivo de Stroppy de Marc Bell. Empezando por la estructura, cada una de las páginas tiene un encabezado propio, algo que en principio podría apuntar a cierta fragmentación del relato y que tiene como función anunciar lo que va a suceder en las viñetas que siguen en dicha página. Eso le confiere cierta extrañeza a la lectura del volumen, y creedme no es lo más raro que os vais a encontrar si os adentráis en estas páginas, que sirve a modo de anclaje para no perderse en el aluvión de información que puebla cada una de las viñetas.

La línea argumental es sencilla, Stroppy trabaja en una cadena de montaje en los que les pone un cerebro a unos seres amarillos. De repente aparece Sean y le propone que participe en un concurso organizado por los Schnauzers, seres que parecen dominar este mundo. El protagonista se distrae y es despedido. Se obsesiona con el concurso porque supone un premio en metálico. Bueno eso es la trama central sencilla pero que da pie a una serie de discursos visuales y temáticos un tanto curiosos. El aspecto gráfico es el más llamativo, Bell opta por la viñeta abarrotada tanto de texto, a veces realmente intrincados, y visuales. La estética es un tanto naif, formas redondas con personajes y objetos que a veces nos recuerda al tipo de dibujo que podemos encontrar en muchos cuentos infantiles pero que tiene matices del cómic underground más clásico. En ese sentido lo surrealista se da la mano con cierta voluntad rupturista que busca, en cierta manera, es todo como muy onírico, pero enseguida encontramos matices que nos remiten al mundo contemporáneo.

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Es ahí donde posiblemente encontramos referentes que anclan el texto a nuestra realidad. El mundo propuesto por el autor canadiense nos remite a las formas de poder del capitalismo, Stroppy no es solo despedido, sino desahuciado, expulsado de su casa y de su ropa, su incapacidad para mantener el sistema productivo que se le exige llo hace incapaz ante los ojos de su jefe Monsieur Mostacho. Este es un ser déspota que vive rodeado de sirvientes que atienden todos sus deseos, incluso los más banales o aquellos que puede hacer, pero también vive subyugado por Lord Rupert, y todos en general a los schanuzer. Es decir, ninguno es dueño de su destino ni de las decisiones que toma. Pero el relato tiene otra vertiente, la música, y por extensión el arte. Mounsieur Mostacho quiere participar y ganar aduciendo su estatus social como máximo valor de su ingenio como compositor. Stroppy quiere hacerlo por el dinero, pero no tiene el talento, le roba una composición a Clancy el poeta, un amigo suyo, que repudia ese tipo de concursos, pero acaba ganando. El premio es ser recluido para una industria musical que lo exprimirá hasta los topes. Las últimas páginas giran en torno a la música como industria y no como arte sino como un constructo social que debe estar en constante cambio para generar nuevos beneficios a través de nuevas industrias.

La idea de Bell es desarrollar un relato por capas en lo que lo estético recubre como si fuera una fondant una historia de nuestro tiempo que se circunscribe de pleno en la transmodernidad. La globalización asume cualquier discurso por radical, transgresor o alternativo que. Al final no queda claro si los Schnauzer están compuestos de los seres que construye Stroppy, planteándonos una gran cuestión ¿somos nosotros que nos autoimponemos como sistema? A parte de todo eso el trabajo de Marc Bell es complejo y bello por la capacidad de abstraer en un discurso de lo surreal uno sobre la realidad de nuestros días y una crítica feroz al mundo del arte.

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 Spain is Pain #332: Paranoidland (Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García)

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Paranoidland (Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García) Underbrain y La Cúpula, 2018. Rústica, 240 págs. B/N, 19,90€

Quizás hablar de los fanzines como un medio en el cual se forma una cantera para los que serán futuros autores, y también editores, es algo trasnochado. Si, también valen para eso para foguearse, para medirse con cierta regularidad, tener un contacto más directo con un público más amplio. Pero el fanzine debe de entenderse como un medio en sí mismo, que se circunscribe dentro de un periodo temporal, una estética, cierta perspectiva ideológica o conceptual, no debe existir ese compromiso de convertirse en pro ni de salir del medio.

Es decir, el fanzine como un tipo de publicación que se mueve entre dos aguas no solo como medio sino algunas publicaciones que se encuentran en esa intersección. Paranoidland representa a la perfección esa bipolaridad del fanzine. Publicación ganadora del premio al mejor fanzine en Ficomic 2017 nos recuerda a esa idea de la publicación amateur, aunque ya no tanto, que nos lleva a las revistas que nacieron en la década de los 70 que fueron desapareciendo a lo largo de los 80. Alejados de la idea del ‘zine por postureo y proponiendo relatos por entregas con una periodicidad preestablecida.

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Los autores que llevan a cabo este trabajo en Paranoidland son Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García, algunos más conocidos que otros como es el caso de Guirao y Nacho García en otros autores muy competentes, muy por encima de la media que nos solemos encontrar en estas publicaciones. Cuatro son los títulos que copan las páginas de esta publicación aparte de las colaboraciones de otros tantos autores que participan con relatos de una o dos páginas. Fran Fernández nos trae Komando: Nucleo Accumbens un relato SF que nos recuerda a las mejores películas de serie B de los ochenta, cierta actitud política, un experimento imposible (cuerpos dentro de cuerpos) y una venganza imposible que hará que los protagonistas encuentren sus límites a la hora de llevarla a cabo. Por su lado, Sitcom infinita de Joaquin Guirao y Nacho García, es uno de los títulos más frescos publicados en los últimos años. Juega con la referencialidad de las series de animación protagonizadas por familias más o menos disfuncionales, pero en este caso ambos autores juegan a llevar hasta el final las elecciones más jodidas tomadas por los protagonistas. En Snufftube, de Bouman, la protagonista es Erika, una niña rata, que pasa las horas viendo vídeos por Internet sin ningún tipo de filtro hasta que le pasan un vínculo donde se puede ver una película snuff de una chica desaparecida. Erika se pondrá a buscarla, con sus dotes de lurker lo que le llevará a un final poco apetecible. Para acabar, Pánico, por ByMartinez, un cuento de vidas cruzadas en la que un par de colegas buscan una bolsa de deporte de la que chorrea sangre, se intentarán meter en una secta, sus chicas se verán involucradas, etc. un clásico narrativo divertido y entretenido.

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Desde La Cúpula desde hace un par de años, y desde Underbrain, desde este, han entendido cierta necesidad de preservar y dar a conocer al gran público los fanzines premiados en Ficomic como una forma de dar a conocer a lo mejorcito del panorama underground. El caso de Paranoidland es un ejemplo paradigmático de un tipo de formato añorado, en el que cabían diferentes relatos, tenían una periodicidad y que las grandes editoriales por ahora no se atreven a reeditar (a excepción de La Resistencia). Pues eso, no tarden en incarle el diente, fanzine nacional del bueno, oiga!!!

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Explorar la extrañeza

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La única voz (Tiziano Angri). Ediciones La Cúpula, 2018. Rústica, 132 págs. B/N, 12,50 €

El cómic como medio parece un intermediario inigualable para explorar la extrañeza en la naturaleza humana. El poder detenerse tanto en las palabras escogidas por el autor así como ver con detalle la viñeta lo que esta contiene, el detalle, los gestos de los personajes y su fisonomía, los escenarios, los trazos elegidos y cualquier recurso de la narrativa gráfica se convierten en vitales para poder transmitir esa idea de los extraño y por extensión del otro. Este último se configura como una visión de lo ajeno de aquello que no somos nosotros y que muchas veces puede ser entendido como una amenaza. Lo que no comprendemos, lo distante se convierte en protagónico y por ello es, a su vez, en normal.

Eso es lo que sucede en la obra de Tiziano Angri, lo raro es lo común, o al menos es lo que está en el primer plano de la narración, y lo normal, aunque mejor sería decir lo convencional. Lo raro son los dos protagonistas Irene y Yuri, que representan ese distanciamiento entre mente y cuerpo de dos maneras diferentes. La primera nacida hombre desea ser mujer y se prostituye para conseguir el dinero para la operación de cambio de sexo. El segundo tiene una disfunción auditiva que le permite percibir sonidos y conversaciones mucho más allá de los límites humanos. Esto le otorga una conexión con el mundo que le impele a buscar una conexión a través de animales muertos.

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Las vidas de ambos están destinadas a encontrarse, pero no en el plano romántico, debemos de recordar que, en el mundo de lo extraño, lo verdaderamente bizarro, no debe moverse por las mismas fuerzas narrativas que lo convencional. Ella sigue haciendo su vida y el con su investigación. Pero en ningún momento existirá una atracción, ni física ni intelectual, no es requerida los raros adoptan la soledad como una opción política más que vital. El juego planteado con el relato se redondea con el aspecto visual, Angri retrata esa extrañeza a través de los rasgos faciales de los personajes, pero no solo de los protagonistas sino de los humanos convencionales. Ella enjuta, mostrando esa bipolaridad cuerpo/mente, el obsesionado, cabezón y con una gran frente.

La voz única es una locura en la que hay que entrar, dejarse llevar y dejarse sumergirse en dos universos unipersonales con una falsa expectativa y es ver la unión de ambos personajes. Esta no solo no se cumple, sino que al final cada uno de ellos sigue con su vida, ambos con su búsqueda dentro de la extrañeza, que en realidad oculta un anhelo de normalidad a través de entenderse a sí mismos, sus cuerpos y sus mentes. La realidad de ambos pasa por dos vértices, una la exterioridad por la que Irene busca vincular su dos partes separadas y la interioridad con la que Yuri intenta encontrar su espíritu guía. Angri logra un cómic interesante en el que es necesario empezar a leerlo sin dejarse llevar por los estereotipos que rodean a este tipo de personajes, solo ver a través de ellos.

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