The Young Seth

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Un verano en las dunas (Seth). Fulgencio Pimentel, 2016. Cartoné, 88 págs. Bitono, 19,95€

Si hay una obra clave para entender el cómic de autor de finales del siglo XX es La vida es buena si no te rindes, en esta Seth nos permite hacer una aproximación sincera y personal a lo que significa tener una pasión: tener una constancia que nunca se apaga por algo, el trabajo de alguien o un alguien. Es unos de los trabajos capitales para entender el slice of life contemporáneo definiendo los límites y las posibilidades del mismo y en cierta medida acotando los márgenes de implicación del creador a la hora de mostrar su propia vida sin llegar al exhibicionismo.

Un verano en las dunas recoge dos obras cortas previas a la consagración de Seth con la obra citada; en estas ya se pueden apreciar algunos de los rasgos autorales como son una visión exterior de su propia vida pero sin perder los matices de lo personal, una descripción de sí mismo algo idealizada pero no de manera excesiva y la importancia de mostrar el contexto como algo que no es capaz de moldear pero que le condiciona de manera continua. Aun así el autor canadiense sabe mantener cierta distancia entre el yo-autor y el yo-personaje.

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El yo-personaje de estas dos historias es un Seth joven alejado de la imagen actual de hombre de los años cuarenta; nos encontramos con un tipo con el pelo largo un tanto despreocupado. En el primer relato Un verano en las dunas nos habla de su primer amor, cuando trabajaba en un restaurante familiar; aquí, como en el resto de obras posteriores el autor se detiene en la descripción de unos personajes arquetípicos deteniéndose en los detalles le van a proporcionar una posibilidad de narración plena. En este primer apartado la historia se centra en el primer amor, consumado pero imposible, del yo-personaje, con la dueña del propietario del local en el que él trabaja. El segundo relato es una anécdota, también de la juventud del autor, esta al igual que el anterior se centra en el yo-personaje dejando un tanto de lado la narración periférica del resto del contexto. El cuento trata de cuando el canadiense iba con el pelo largo y decolorado y un grupo de adolescentes empiezan a insultarlo considerándolo homosexual, este les provoca y le dan una paliza. Tras esto va peregrinando buscando ayuda hasta que encuentra a su novia.

En definitiva son dos relatos que nos muestran las pautas a partir de las cuales Seth se convertiría en uno de los autores más importantes de nuestro tiempo. En estos podemos encontrar los rasgos que posteriormente lo definirían, principalmente el gusto por una narración suave, de las que te coge de la mano y te conduce por aquello que pretende contar, haciéndolo casi como si estuviese a tu lado explicándotelo. También se puede apreciar ese trazo sencillo, transparente y elegante que lo caracteriza. Un verano en las dunas es imprescindible para entender la evolución de Seth, son relatos breves en los que ya se puede empezar a vislumbrar el futuro de este.  A eso hay que sumarle la maravillosa edición hecha por el equipo de Fulgencio Pimentel, como siempre.

@Mr_Miquelpg

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Spain is pain #319: Los imprescindibles de 2017.

Entre finales de diciembre y principios de enero llegan las listas de lo mejor del año de la misma forma que millones de turistas se tiran a las playas en el mes de agosto. Las listas como se sabe son subjetivas y vinculadas a gusto del que las hace. No tienen por qué ser ni un grandes éxitos ni compuestas por aquellos título que venden más. Esta en concreto está integrada por aquellos títulos que considero fundamentales dentro del panorama nacional. Este año me han salido 12 títulos que considero imprescindibles para entender el cómic español en 2017, pues eso.

1.- Fragmentos seleccionados (Apa-Apa Cómics) de Andrés Magán

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En Fragmentos seleccionados Andrés Magán da un gran paso a la hora de crear no-historias más complejas valiéndose de las herramientas que ha utilizado hasta el momento, creando un suspense no vinculado al género narrativo sino que apunta directamente a las expectativas de un lector que tiene ante sí una obra que se despliega como abierta. Magán es un autor único y brillante, de los pocos capaces de hacernos abrir más los ojos para meternos de lleno en lo que desarrolla en cada una de sus propuestas.

2.- Nuevas estructuras (Apa-Apa Cómics) de Begoña García-Alén

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Nuevas estructuras funciona en torno a lo poético, lo sugerido y lo minimal. Las focalizaciones interpelan al lector para que forme parte del relato, para ello no hay personajes definidos solo personajes en sombra, silueteados y sugeridos. Una acción convencional como es el construir una casa se convierte en un mcguffin perfecto para que nosotros como lectores empecemos a reconsiderar nuestra experiencia como tales. Obra fundamental e imprescindible para entender el nuevo cómic.

3.- El ruido secreto (Spiderland/Snake) de Roberto Massó / Zona Hadal (Fosfatina) de Roberto Massó.

No acabo de decirme por ninguno de los dos trabajos de Massó, un autor que resulta enigmático aun en las narrativas más sencillas como sucede en Zona Hadal o partir de un elemento único y desglosarlo hasta crear un relato complejo tal y como ocurre en El ruido secreto. En cualquier caso, dos obras muy diferentes entre sí que sirven para entender a uno de nuestros autores más inquietos.

4.- Cosmonauta (Astiberri) de Pep Brocal

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Cosmonauta de Pep Brocal es ciencia ficción, sí; pero es ante todo una reflexión del devenir humano, de ahí que no se pierda en una construcción estereotipada de universo narrativo. Es seria y crítica con la humanidad emitiendo un juicio sobre la misma, pero a su vez guarda en su interior un sentido del humor muy propio. El autor no solo explota al máximo las metáforas visuales sino que le da, como debe ser, un carácter protagonista al lenguaje visual, sencillo con personalidad propia pero sin perderse en alardes visuales a pesar de las maravillosas páginas dobles que podemos encontrar a lo largo del relato. Cada obra de Pep Brocal es una sorpresa que debemos de leer muy atentamente.

5.- Encuentros cercanos (La Cúpula) de Anabel Colazo

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La obra de Anabel Colazo me fascina desde hace unos cuantos años. Ya en El cristal imposible nos mostraba una historia de dobles matices en lo que nada es lo que parece. En su último trabajo bajo el disfraz de lo paranormal nos ofrece un relato sobre la percepción de la realidad y el enfrentamiento entre las diferentes realidades. Una delicia.

6.- La deuda (La Cúpula) de Martín Romero.

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Para mi una de las grandes sorpresas del año, un trabajo sobre la no necesidad de ser un triunfador en la vida, la vida en solitario y posiblemente en fracasar sobre todo lo que uno se propone siempre y cuando uno lo intente. El protagonista del relato es una de tantas personas que no le salen las cosas y que en cierta manera demuestra lo falso que es intentar llevar una vida basada solo en la apariencia social.

7.- Tíbiris (Trilita Ediciones) de Arnau Sanz

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Las obras de Arnau Sanz son siempre muy personales, tanto que o bien habla de si mismo o de sus familiares más allegados. En este caso narra a través de la memoria de sus abuelos, dos personas que entre comida y comida nos explican la dura vida de la posguerra y del tío de la abuela. Como siempre Sanz sabe dónde darle a uno sin ser un sentimentaloide ni ser morboso, un equilibrio en el que este autor se mueve como nadie.

8.- Catálogo para Bunkers (Astiberri) de Jordi Pastor y Marcos Prior

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Una de esos trabajos que parece que pasan desapercibidos pero que mejor hablan sobre como debemos cuestionar la información a día de hoy. La posverdad es el subtexto a través del cual se construye un relato en el que cuando se sabe a ciencia cierta que los enunciados en los cuales creemos no son ciertos es ya demasiado tarde.

9.- Conociendo al Jari (Fulgencio Pimentel) de José Ja Ja Ja

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Esta vez el autor de Culto Charles deja de lado el cripticismo de su obra previa para adentrarse en los caminos de una narrativa mínima y misteriosa. El relato que compone la presente obra para de la autodescripción de un personaje que no deja de ser una construcción de sí mismo a partir de la visión que intenta ofrecer al mundo, a partir de ahí todo es polisemia pura en una obra que permite al lector realizar todo tipo de interpretaciones sobre Jari, un personaje enigmático como pocos.

10.- Febrero para galgos (Entrecomics Cómics) de Peter Jojaio

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La adolescencia como un momento de ruptura con todo en el que puede pasar de todo. Jojaio nos trae una pequeña fábula sobre la violencia y el aislamiento en esas edades; en una obra en el que la estética de lo bello se confunde con las escenas más cruentas que busca ir más allá de la mera violencia por la violencia y la moraleja que suele acompañar a estos relatos.

11.- La balada de Jolene Blackcountry (Autsaider Cómics) de Víctor Puchalski

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El último trabajo de Puchalski es sencillamente alucinógeno, es como cuando en esas películas de conquista de territorios inhóspitos el explorador occidental se encuentra con un indígena solitario y este le induce al trance con una droga potentísima. En este trabajo nos encontramos dos planos de lectura: el real, que se lee a simple vista, y el astral, impreso con tintas fluorescentes. Todo para conseguir una experiencia de lectura única y realmente psicotrópica.

 

Spain is Pain #315: Recordar momentos, construir recuerdos.

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Conociendo a Jari (José Ja Ja Ja). Fulgencio Pimentel, 2017. Cartoné, 176 págs. B/N, 21,95€

Hay personas por que por mucho que hables con ellas, que compartas momentos o que se convierta en parte de tu día a día no las conoces nunca. Siempre me ha dado la impresión que eso sucede porque ni siquiera ellos mismos se conocen por lo que son incapaces de proyectar una imagen concreta de sí mismos. En cierto momento del último trabajo de José Ja Ja Ja, realmente bastante avanzado la obra, da con la clave de es con para entender estos comportamientos, y de paso esclarecer la construcción del personaje protagonista: “Recordar momentos, construir recuerdos”. El cual se desconoce así mismo debe reelaborar sus recuerdos a través de momentos presentes, aunque en realidad no tengan ninguna relación con la evocación pretérita.

Tras leer las 176 páginas de Conociendo a Jari tengo la sensación clara y meridiana de no conocer al personaje, ni siquiera estoy seguro de que todo lo que nos cuenta le suceda en realidad o le haya pasada a lo largo de su vida. El relato se inicia con un pequeño prologo que se convierte en un hecho central de su vida: ir a ver a jugar a Larry Bird y a su equipo, los Celtics de Boston, un evento capital que sirve para cartografiar el resto de su vida. Aun así, no tiene un recuerdo nítido del mismo, entonces ¿es cierto o es falso? El relato sigue a continuación con una excursión matutina para ir a cazar, como un acto reflejo, que tiene lugar en mitad de la penumbra de la noche y con una niebla que no le permite que no le permite distinguir los objetos con los que se cruza, ni en su totalidad ni en conjunto. Una niebla que es una ensoñación que funciona a modo de demiurgo narrativo para desarrollar el resto del relato.

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A partir de ese momento el personaje vaga por un descampado, un limbo en el que todo el mundo va a verter sus desperdicios entre los que se encuentran muebles, colchones, etc. y desde el cual empieza a rememorar el pasado al mismo tiempo que lo construye, pero todo parece ser más un deseo personal que algo fehaciente. Da la sensación que es un animalillo del bosque, viviendo más por instinto que por voluntad propia. Así Jari carece de cara, la emoción del recuerdo le aporta le dota de unas facciones ¿reales o imaginadas por el mismo? En la vida de este protagonista todo se plantea bajo esos mismos parámetros, dejando una puerta abierta a una lectura polisémica sobre el personaje en cuestión, el escenario en el que se desarrolla la acción y los recuerdos narrados.

José Ja Ja Ja vuelve con una obra mucho menos críptica que Culto Charles pero posiblemente más misteriosa. En este caso la narrativa tiene algo más de peso y la estructura de página bebe de una diagramación que no es ajena al cómic convencional. Estas páginas le permiten al autor desglosar la acción a base de microcortes cercanos al jumping-cut del montaje cinematográfico, con elipsis mínimas que acentúan el detalle del trazo grueso utilizado. Conociendo a Jari es una obra de vanguardia y atractiva, que permite al lector perderse en sus páginas buscando un sentido y un significado en la misma dirección que lo hace el protagonista y que por momento tiene elementos que recuerdan a los recursos utilizados por Begoña García-Alén y Andrés Magán. En definitiva, una obra interesante y misteriosa que plantea muchas preguntas y pocas respuestas, tampoco tiene que darlas, sobre la formación del recuerdo en la memoria.

@Mr_Miquelpg

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Con el jijí jajá

Una vida en familia tan agradable (Antoine Marchalot). Fulgencio Pimentel, 2016. Rústica. 112 págs. ByN. 19 €

El humor es un tema delicado, no ya por el triste y aburrido, y estéril, e idiota, debate sobre los límites del humor. Lo resumo, no existen, si algo no te hace gracia no es gracioso para ti, evita chistes de ese tipo o humoristas que los usen. En fin, para mí el límite del humor es la indiferencia, que un chiste no me provoque la más mínima reacción. Eso es lo delicado del humor, que existen tantos tipos de humor como receptores, cada cual escoge que le hace gracia y busca ese tipo de humor. A mí me pasa como a todo el mundo, me encanta el humor bestia, el que carece de frenos y parece que el chiste llega antes a la lengua que a la mente cognitiva; también me gusta mucho el humor incómodo, especialmente cuando se relaciona con entornos ajenos al humor o surge como un intento de estirpar cualquier tipo de gracia; y el humor escatológico, me vuelve loco, mejor cuando es lo más simple y gráfico posible.

Lo que no me gusta tanto es el humor azul, un amigo monologuista me dijo que se llamaba así al humor basado en la vida cotidiana y que no ofende, lo típico de “es gracioso porque es verdad”. Cierto, pero sería más gracioso con un comentario que se malinterpretara como un intento de ligue, con una referencia a Hitler bailando, o simplemente con una caca. Así lo veo yo, con lo que consumo muchísimos tipos de creadores de humor, buscando siempre algo que me mueva muy dentro. Así que no podría estar más contento que tras la lectura de Una vida en familia tan agradable de Antoine Marchalot, una obra que para mí recoge el mejor humor posible, uno que se presenta como una creación rápida, casi espontánea, pero que esconde en su interior construcciones y reflexiones que sólo pueden surgir de la mente de un genio, una mente entrenada y bregada en el campo de batalla de lo surreal, lo hiperbólico, lo estúpido y la lucha constante por la emancipación de lo literal.

Lo primero que llama la atención de Una vida en familia tan agradable es el dibujo de Antoine Marchalot. El autor apuesta por un dibujo simple hasta el extremo, compuesto casi en su inmensa totalidad por líneas negras alejadas de cualquier academicismo, así como de cualquier antiacademicismo. Antoine Marchalot parece dibujar con el único requisito de que lo que dibuja se parezca mínimamente al referente real, que un león se reconozca y se distinga de un perro es más que suficiente. Todo esto no a través de un proceso de depuración técnica con el objeto de reducir lo representado a su mínima expresión, más bien con el sano interés de que si para su chiste necesita un león, basta con que el lector perciba, más o menos, que lo que está viendo es un león. Con eso es más que suficiente y la broma puede funcionar. Así que sólo podemos definir el trabajo gráfico del autor como feísta y descuidado para cualquiera que busque una experiencia estética a través del dibujo.

Pero por fortuna, este acabado gráfico no se convierte en ningún momento en algo que haya que perdonar a Antoine Marchalot para disfrutar de su humor, pues bastan pocas páginas para entrar en el universo gráfico propio del autor, lo que confiere una unidad y coherencia superior a Una vida en familia tan agradable que consigue que la infinidad de chistes de una página terminen conexionados como un todo, como elementos que fluyen y se mezclan dentro del mismo universo, ayudando a que los chistes más surrealistas convivan sin ningún problema con chistes de humor negro o con simples juegos de palabras. Todos los personajes de Una vida en familia tan agradable terminan siendo los habitantes de un mundo absurdo y pasado de frenada que se puede entender como una destilación de nuestra propia realidad, un cosmos donde las pequeñas concesiones que hacemos a las buenas maneras y las costumbres terminan gobernando para mostrarnos lo absurdo de la vida humana en sociedad.

Porque si aún no lo he dicho, es mejor aclararlo, como los buenos humoristas, Antoine Marchalot consigue que reflexionemos sobre nuestra propia existencia a través de lo absurdo, pero más allá de la reflexión, consigue que nos riamos como si tuviéramos tres años y viéramos un gato con sombrero y paraguas. De este modo tenemos chistes sobre la vida personal de un tornado, accidentes de tráfico, tonterías sin aparente gracia y chascarrillos; elementos que fluyen como pocas veces hemos visto para terminar riéndonos sin parar, teniendo que dejar el libro un rato sobre la mesa, porque Antoine Marchalot ha hecho un chiste sobre una muerte desagradable o porque uno de sus personajes simplemente ha dicho “classy”.

@bartofg
@lectorbicefalo

Una sinuosa línea recta

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Nubes de talco (Amanda Baeza). Fulgencio Pimentel, 2016. Rústica, 128 págs. Color y B/N, 19,95 €

Considerando la narrativa como un artilugio del cual nos valemos para articular nuestra experiencia vital y como modo de transmisión del relato no es más que una herramienta preconfigurada que facilita la comunicación y la experiencia humana. De ese punto podemos pasar a la carencia de esta como un elemento más vinculado a las formas de expresión artísticas de vanguardia y que buscan que sea el espectador el que establezca dicha narrativa con la obra en cuestión. Luego estarían aquellas formas que están a medio camino pero que por salirse por los cauces más convencionales se sitúan dentro de lo experimental, en ese caso estaríamos hablando de una narrativa antinatural, quizás por no acotarse a las estructuras convencionales y por valerse de recursos ajenos o contrarios a esta.

Amanda Baeza en Nubes de Talco, volumen que recoge el trabajo de la artista chilena residente en Portugal de 2013 a 2016, nos muestra que esta narrativa que hemos denominado como antinatural es posible la mejor manera de hacer una biogeografía emocional de uno mismo. Baeza nos muestra que posiblemente el camino más corto para representarse a uno mismo sea una línea recta, recta pero con muchas curvas y recovecos, dando matiz y textura a cada uno de los momentos que define la existencia de la autora en un relato, eso sí, que aborda la biografía alejándose de los prototipos del género. La protagonista podemos suponer que es la autora y que está lejos de explorarse en una relación antagonista con el mundo que la rodea sino que apunta a una exploración de este a partir de su fuero interno.

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En este recorrido se esboza una visión personal del mundo que cuestiona por completo el orden de las cosas, la fe, las creencias ciegas, la lógica de la comunicación y relación entre personas y cosas. Se trata de una descomposición que a nivel visual nos lleva a una autora que opta por explorar el universo de lo personal a través de diferentes estilos diferenciados que van desde cierto figurativismo a coquetear con la  abstracción, jugando a desprenderse del color en las páginas en blanco y negro, revolverse con los grises y desbordar la retina del lector con colores que hacen rebosar la viñeta.

Nubes de talco es una apuesta tanto por parte de la autora, Amanda Baeza, como por la editorial, Fulgencio Pimentel, para un lector ávido no solo de novedades editoriales sino de aquellos autores que buscan nuevas fronteras en el desarrollo de sus relatos. De los caminos escogidos el elegido por Baeza es uno de los más complejos se abona acierto tipo de narrativa pero sin acabar de fundirse con esta pero con una querencia por darle una importancia fundamental a la forma sin que esta le reste nada a lo primero. La autora rompe una lanza por una representación de la figura humana más cercana a las vanguardias, basada en todo tipo de descomposiciones, pero sin perder la referencias espaciales, también reimaginadas y reestructuradas una y otra en vez en función del estilo elegido en cada relato. Este volumen es una de las sorpresas del año pasado en este nos encontramos con una autora en constante evolución que sorprende a cada página por la frescura y madurez del trazo.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #282: Lo mejor de 2016.

El año nuevo se viene el año viejo se va, y por estas fechas, como siempre empiezan a aparecer las listas de lo más reseñable del año en diferentes ámbitos de la cultura. Como siempre en Spain is Pain nos ocupamos de aquellos tebeos que a nivel nacional podemos considerar como más interesantes por un aspecto u otro. Este año en cuestión podemos encontrar dos grandes bloques: uno en el que la experimentación está en primer plano y otro en el que las narrativas más clásicas explotan al máximo sus recursos. Como me ha sido imposible cerrar una lista de 10 obras he cerrado una de 15 imprescindibles, es decir, un buen año para la viñeta (y en lo personal también).

P.D.- Y recuerden, las listas son siempre subjetivas.

  1. Sirio (Fulgencio Pimentel) / Gialla (Ediciones Valientes) de Martín López Lam

Este es el díptico imprescindible de 2016, Martín López Lam explora la relación entre el autor y el lector, convirtiéndola en íntima y optando por un punto de vista subjetivo para convertir a la audiencia en protagonista. Imprescindibles.

  1. Vip (Penguin Random House) de Felipe Almendros

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Felipe almendros sigue con la exploración de su yo artístico y su yo ficcional en un volumen monumental, directo y retórico. Un trabajo en el que el énfasis de la lectura se sitúa en espacios que exploran la relación y la influencia de la obra de ficción tanto para el autor como para el lector. El CD que lo acompaña es maravilloso.

  1. Gran bola de helado (Apa-Apa) de Conxita Herrero

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Un trabajo diferente, aquí la autora vuelve a ser protagonista, pero en un entramado de formas y colores que aspira a trascender al mero relato narrativo. Gran bola de helado es ante todo una obra sinestésica que se debe leer, degustar y sobre todo respirar al ritmo que esta te marque.

  1. Hopper (Autopublicado en TumblR) de Felipe H. Navarro

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Felipe H. Navarro es un autor que evoluciona rápido y en Hopper parece cristalizan todos aquellos elementos que hacen grande a este creador. Este work in progress nos habla de una idea un concepto, el que da título a la obra, que muta en función del relato que se nos narra en ese momento. El formato vinculado a la plataforma nos regala una idea de viñeta-lienzo impagable. Amigos editores ¿para cuándo una edición en formato físico?

  1. Materia (Astiberri) de Antonio Hitos

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Antonio Hitos en su último trabajo hace una aproximación holística y conceptual a nuestro mundo poniendo de relieve y cuestionando algunos de los pilares básicos de la sociedad contemporánea a través del relativismo. Mucho menos críptico que en su obra interior pero más perverso en la forma de elaborar el discurso. Un trabajo imprescindible para comprender la evolución de un autor que aspira a la simplicidad estética.

  1. Hoodo Voodo (Fosfatina) de VVAA

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En una obra colectiva de este calibre es difícil hablar de un creador en concreto, y más en este caso. La gente de Fosfatina se saca de la manga una serie de autores que trabajan al margen de la estética mainstream del cómic. Título fundamental para entender los desarrollos del cómic de vanguardia.

  1. Los dientes de la eternidad (Norma Editorial) de Jorge García y Gustavo Rico

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Jorge García y Gustavo Rico se sacan de la manga una obra sobre la épica vikinga clásica en un contexto visual innovador y rompedor. La magia consiste en no hacer que esas dos ideas choquen, y lo consiguen. El resultado una de las representaciones más preclaras de del Valhalla.

  1. El ala rota (Norma Editorial) de Antonio Altarriba y Kim

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Un relato que cuenta cómo ningún otro la soledad y ostracismo en el que han vivido las mujeres en España durante más de medio siglo. La paracuela de El arte de volar constituye una obra más depurada que su predecesora, más crítica con el sistema de valores del catolicismo español, pero sobre todo por ser una obra que no se basa en la lastima sino en la reivindicación de un personaje femenino lastrado por las circunstancias.

  1. Gran Hotel Abismo (Astiberri) de Marcos Prior y David Rubín

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El mejor escritor de ficción política y el autor que mejor representa la rabia contra el sistema ponen en escena sin ningún tipo de doblez moral la paupérrima situación política y social a la que nos somete el capitalismo feroz. El pueblo frente a la clase dominante, la violencia de clase vs. la violencia del estado y la caída del estado-nación son algunas de las cuestiones que se ponen en juego en esta obra.

  1. Lamia (Astiberri) de Rayco Pulido

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El autor canario vuelve con un trabajo de precisión tanto en el aspecto estético como en lo narrativo. Una thriller con asesino de por medio que pone de manifiesto las visicitudes de aquellas mujeres que buscan independencia en un periodo en el que todo les era negado. Intrigante y visualmente brillante.

  1. Insecto (Norma Editorial) de María Llovet

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Nunca me cansaré de reivindicar a María Llovet, su trabajo en la narración es complejo y lleno de capas. En su último trabajo hace una pequeña tesis sobre el amor y sus circunstancias, sobre lo inadecuado cuando no tiene que aparecer y de lo importante que siempre esté ahí aunque no se pueda satisfacer C. Tal como lo plantea la autora las cosas son como deben ser aunque no sean adecuadas.

  1. Palos de ciego (Astiberri) de El Irra

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La opera prima del autor sevillano es un manifiesto sobre la vida en los barrios del sur y de cómo el devenir de las personas esta en las manos del destino y de algunos cuantos cabrones que les gusta jugar con nosotros. La vida es dura y el Irra nos lo muestra sin ningún tipo de concesiones.

  1. La muerte y Román Tesoro (DeHavilland) de Lorenzo Montatore

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Lorenzo Montatore desmonta por completo la idea de la forma vinculada al relato. Bajo una apariencia banal nos desgrana un relato complejo sobre la muerte repleto de referencias literarias y de la cultura popular de la calle. Un libro para leer rápido, pero que se queda en la mente del lector durante mucho tiempo.

  1. La reina orquídea (El Verano del Cohete) de Borja González

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Una pequeña joya que ha pasado desapercibida, Borja juega con el lector a través de un trampantojo  visual en el que el lector se convierte en un espectador que tiene que estar muy atento para no caer en el agujero de conejo para no quedar atrapado en el relato. Deseando leer lo próximo de Borja.

Pues hasta aquí todo, a ver que nos depara 2017. Chau.

@Mr_Miquelpg

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El amargo atolladero de la lucidez

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Melancolía (Simon Hanselmann) Fulgencio Pimentel, 2016. Rústica, 160 págs. Color, 24€

Simon Hanselmann está empezando a caminar por unos senderos un tanto peligrosos para sus lectores. Las desventuras de Megg, Mogg y Búho empiezan, o más bien inician una acentuación, hacia la mostración de la depresión como un estado de ánimo permanente. En este universo nadie es feliz, simplemente siguen hacia adelante, viven su día a día omitiendo cualquier sentimiento que les ayude a reflexionar sobre su paupérrima situación emocional. Ninguno de los tres parece que quiere vivir en esa ciudad, ni en ese apartamento y, en el caso de Búho, odia su trabajo.

El escenario que plantea Hanselmann es de amor/odio entre los personajes, el de tener que soportarse a pesar de todo. En la última entrega tanto Búho como Werewolf Jones adquieren gran protagonismo casi dejando  a Megg y Mogg como personajes que articulan el resto del relato. El hombre lobo se ve asediado por la paternidad y tiene que  cuidar de dos hijos que al igual que el son incontrolables. Aunque es quizás la incapacidad de este a incorporar un poco de autocontrol en su vida la que hace de la vida de todos estos personajes sea un caos. Aunque el personaje más paradigmático sigue siendo Búho, la incapacidad de buscarse una vida propia le hace vivir con unas personas que lo maltratan física y psicológicamente; un punching ball de las retoricas del resto de habitantes de la casa. Búho representa la imposibilidad de marcar unas pautas sociales dentro del “hogar”, pero que él es incapaz de seguir.

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La clave de la imposibilidad emocional de los personajes la podemos encontrar en el último relato del volumen “Amsterdam” en el que la bruja y el gato deciden viajar a la ciudad holandesa para visitar los coffee shop para hartarse a fumar. Por su lado Búho se queda solo en casa y decide experimentar, en un vano intento de reconstrucción de su mundo, con un ápice de “normalidad” hasta que Werewolf Jones aparece y rebela la auténtica razón por la que no puede ser padre: es un ser totalmente dependiente que es incapaz de gestionar su propia vida como para convertirse en el pilar en el que se apoyen sus hijos. Por su lado Megg y Mogg, entre porro y porro, tienen una revelación: dejar los antidepresivos en favor de encontrar cierta lucidez en sus vidas. Pero a la vuelta sigue todo igual, Megg necesita espacio, Mogg no puede vivir sin ella, Búho asume en cierta medida su incapacidad emocional para emanciparse de dicha situación y, si, Werewolf Jones se convierte por su extrema dependencia en el elemento unificador de este grupo.

Posiblemente uno de los factores que hace emocionalmente digerible esta obra es que en su mayoría son personajes fantásticos y animales antropomorfizados. En la mayoría de ocasiones las historias breves dejan en el lector una demoledora amargura sobre la imposibilidad de la felicidad. La lucidez es un lujo que ninguno de los personajes se puede permitir. Hanselmann se está ganando como pocos  el título de cronista de una generación, sin lastres morales y sin segundas lecturas, más allá de las que cada uno de los lectores quiera extraer. En Melancolía se recuperan las dinámicas narrativas del primer volumen manteniéndose igual de fresco que en sus inicios para constituir uno de los títulos fundamentales de esta década.

@Mr_Miquelpg

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¡Hail Hanselmann!

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Hail Satan! (Simon Hanselmann). Fulgencio Pimentel, 2016. Cartoné,  66 págs. Color. 16 €

En este blog ya hemos hablado antes un par de veces de los cómics Simon Hanselmann y de lo íntima relación que tenemos los dos miembros de El lector bicéfalo con su obra; eso sí menos con las drogas recreativas que nos dan mucho miedo. Bahía de San Búho, acaba con gran amargura, a los personajes de Hanselmann no les queda más remedio que vivir con sus compañeros, compartir su desazón vital y hacer que no les importa nada la de los otros. Se trata de una obra cómica pero en esencia la transversalidad del drama me hace dudar de la primera categorización genérica.

La pregunta que recorría la lectura de Bahía de San Búho era ¿de dónde ha salido toda esa amargura? En ese volumen lo único que hacían era hacerse daño unos a otros y particularmente despreciar a Búho, un personaje simplón que busca la normalidad a través de cumplir ciertas expectativas socialmente.  La respuesta a la pregunta es Hail Satan y una portada reveladora que nos indica la perdida de contacto con la realidad de los personajes. En esta Megg, Mogg, Búho y Werewolf Jones se disuelven mientras corren lo más despavoridos posible bajo la influencia de las drogas, en un espacio boscoso que busca ser la representación de la realidad. No se sabe de qué huyen pero lo tienen que hacer juntos.

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La otra parte de la respuesta está en el mismo cómic una historia larga en la que Búho invita  a sus compañeros de piso, incluyendo a Werewolf, a celebrar su cumpleaños en un restaurante francés de postín. Evidentemente la cosa no acaba bien, y con Mogg y Werewolf en la cárcel. Aunque viendo la esencia del relato eso es algo anecdótico. Por primera vez nos encontramos con un texto largo aislado que no está rodeado de historias cortas que nos permite medir la intensidad de las relaciones entre personajes, y que, ciertamente, a pesar de las continuas bromas y chistes se desliza cada vez más hacia el drama. Más o menos a mitad del libro cuando toda la pandilla están encaramados en un árbol tiene lugar el siguiente monologo colectivo entre Werewolf y Megg:

          Werewolf: ¿No os sentís como si os fuerais a morir todos los días?. En plan: “me rindo”

          Megg Mas o Menos a diario, sí. Son como… olas de insatisfacción. Pura futilidad…

Creo que este diálogo define a la perfección la deriva que Hanselmann le está dando a su relato, que sin ningún ápice de duda se está convirtiendo en una obra generacional y que a mí me permite conectar con el texto de maneras inimaginables. Hail Satan es una excusa para dibujar a unos personajes mucho más complejos de lo que hemos podido vislumbrar hasta ahora: Mogg es un gato inseguro totalmente dependiente de Megg, esta no acaba de apreciar la centralidad de su persona en el grupo y el peso de sus desprecios en Búho, este a su vez es incapaz de asumir su marginalidad a pesar de querer ser un tipo normal y Werewolf Jones es posiblemente el loco del grupo al que a todos aceptan cómo tal. A pesar de todo es una obra que sigue siendo graciosa y divertida a rabiar que apunta a una evolución de personajes increíble manteniendo su espíritu primigenio. ¡Hail Hanselmann!

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Spain is Pain #255: La importancia de hibridar

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Sensación de Vivir (Mirena Ossorno). Fulgencio Pimentel, 2016. Rústica con sobrecubierta, 72 págs. B/N, 19€

Una de las transformaciones más interesantes de los géneros narrativos contemporáneos es cierto tratamiento hacia la transversalidad y la hibridación. De los mismos si bien el segundo rasgo es casi inherente al ‘nacimiento’ de los géneros, es difícil mantener cierta pureza sin caer en la parodia por lo que en muchas ocasiones los relatos que se ciñen exclusivamente a los topos narrativos se convierten en forgeries (parodias serias). Sin embargo, la transversalidad permite utilizar dichas características para dejarlas con perfiles narrativos, preferentemente bajos lo cual permite un nivel de hibridación muy particular pero sobre todo experimentar

Mirena Ossorno se sirve de mucha transversalidad e hibridación para crear un relato que se acerca más a la crónica social que a cualquiera de los géneros de los que se sirve para contar la historia. Para ello también se vale para describir un espacio temporal indeterminado situado, podría ser 2016 u otro año, posiblemente en los últimos 30 años de nuestro occidente europeo. Eso le da ciertas libertades creativas que va desde cierta abstracción en las los aspectos concretos, diseños de fondo como los aparecidos en el primer número de Gong, como los aspectos decorativos de los espacios, lo figurativo en la representación de la forma humana y una definición de la profundidad que le da un punto de extrañeza al conjunto estético de la obras.

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Nos encontramos con tres personajes angulares: Julia, Bárbara y Amanda. Tres negaciones de la feminidad tradicional, aquella entendida como la que la construcción de la mujer se debe elaborar a partir del hombre. Ninguna de las protagonistas es una costilla de Adán. Julia tiene una relación con un hombre, Jorge, y se debate sin grandes quebraderos de cabeza entre estar con él o no, puedo suponer que como una forma de negación/afirmación de la necesidad de las relaciones. Barbara niega su instinto maternal cuando tras ver que no le viene la regla y comportándose como si no sucediera nada especial y dejar pasar el tiempo antes de abortar. El caso de Amanda es todavía más particular asesina a hombres al azar sin mayor motivación que el género.

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La intersección del slasher, el drama, lo ‘romántico’ y, porque no, la comedia nos proporciona un híbrido hipnótico con un ritmo de lectura muy marcado. Esto en parte se debe al hieratismo en la construcción de la escena contra unos personajes que no dudan en mostrar sus emociones, y en las que el instinto es muy sutil pasa muy desapercibido. Brilla la descripción de un mundo representado a través de unos personajes que nos recuerdan a la banalidad existencialista contemporánea. Julia, Bárbara y Amanda no aluden a aspectos vitales de las vida sus preocupaciones principales no son de supervivencia. Sensación de vivir es un cómic necesario como pocos por la capacidad de mostrarnos a través de un simulacro de vida que ni tan solo las protagonistas se plantean como vivirlas.

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Spain is pain # 252: Reader Meet Author

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Sirio (Martín López Lam). Fulgencio Pimentel, 2016. Rústica, 128 págs. Bitono. 20 €

Muchas veces uno se plantea, como lector, qué papel juega en el contrato implícito establece con el autor al abrir un libro. Por lo general el trato establecido es de carácter pasivo, de ser meros observadores pasivos a sumergirnos de manera más o menos activa y consciente en la obra pasando por la consabida suspensión de la incredulidad que nos permite adentrarnos en universos más o menos fantásticos con elementos ajenos a nuestra realidad. En ese cuestionamiento entran cuestiones como el cierre de la ficción, ¿debemos compartir el mismo background cultural que el autor para poder realizar cierta clausura sobre la obra abierta?, ¿Cómo lectores somos necesarios para cerrar una obra o solo con determinados trabajos? ¿Qué características deben tener estas obras?

Está claro que los lectores de un medio exigimos cada vez más al mismo y a los autores que construyen este como un ente, al menos eso me gustaría pensar, que lejos de los placeres culpables que nos ofrece el noveno arte buscamos algo más en nuestras lecturas. Al igual que el resto de las artes la evolución se construye a través de la innovación y jugar con el lector/espectador. El cómic como industria, un cierto adocenamiento de la gran mayoría del público y querer grandes masas lectoras para este medio hace que en los márgenes surjan opciones, creadores y formas de relación con el lector que van mucho más allá del conocimiento extremo de un texto. A modo de los Salones de los Rechazados del siglo XIX o La fuente de Duchamp se edifican en el cómic nacional, y evidentemente en el internacional, unos en los márgenes de las industrias algunas de las tendencias más interesantes de nuestro cómic.

Tras unos años muy interesantes y un par de hiato en el que el número de obras que optaban por cierto riesgo estético, narrativo y de forma se habían reducido, este año parece que volvemos a estar de bonanza. Sirio de Martín López Lam intenta responder algunas de las cuestiones vitales sobre la relación entre lector y autor, planteadas en el primer párrafo, viniendo a confirmar que ciertas visiones del cómic se resisten a ser obras complejas para solo unos pocos.

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En primer lugar está la relación con el público, el lector contemporáneo, posiblemente postmoderno, que quizás ponga el acento en la referencialidad a otras obras se dedica a hilar un discurso transversal lineal a través de diferentes textos. Lo que Lam plantea es completamente diferente una convergencia de textos psicológica que solemos hacer, y que aquí va de referencias a otros cómics a las obras de Turner, pero sin olvidarse de aquellos elementos del cotidiano actual como los Google Maps o aplicaciones de mapas similares que nos acompañan en nuestro día a día. El autor lo plantea no como referentes puros sino como una forma de intervención de los “otros” textos dentro de su obra descontextualizándolos pero sin perder ese sentido primigenio que nos ayudará a reconectarlo con  el significado que este quiere redescubrirnos sobre su nueva interpretación.

La otra línea de comunicación directa con el lector es una historia difuminada de una pareja en crisis durante unas vacaciones en lo que parece una zona turística en temporada baja. Todo está representado con extrañeza desde las actitudes de los vecinos, los críos, los perros, etc. La mirada de lo extraño es lo más notable de este relato narrado en primera persona, no tanto del personaje narrado a través de esa técnica, sino como el lector atrapado como un narrador en primera persona. La apuesta de Lam no es solo estética y conceptual; “Es entonces que el paisaje termina por someter a la tecnología, justo cuando nuestra paciencia se acaba / Justo para hacernos sentir ridículos en la inmensidad del plano” con el fin del mapa de cualquier aplicación se acaba el territorio conocido y es entonces que nosotros como lectores-personajes debemos reimaginarnos el nuevo/viejo territorio.

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Martín López Lam se aparta con Sirio del realismo sucio de Parte de todo esto pero reincide en alguno de los temas tratados en esa obra: la dejadez del ser humano, vivir sin ambiciones o dejar pasar la vida…; aunque en su último trabajo prefiere acentuar dichos aspectos desde los estético con composiciones de colores pesadas que contribuyen a crear un ambiente de lugar en el que no pasa el tiempo. Al igual que el hotel que regenta el personaje interpretado por Ava Gardner en La noche de la iguana (1964) de John Huston. Nos convierte en un personaje activo en un espacio pasivo en el que suceden las cosas y en la que somos meros observadores no por voluntad propia sino por voluntad del autor.

Como lector en general y persona que escribe sobre cómic, muchas veces me cuestiono sobre la que se construyen las ficciones, las formas en las que se deben desarrollar los relatos, de la manera de ser parte de este más allá de las meras ensoñaciones. Pocas veces se espera con un artefacto narrativo de estas características que lo pone en primer plano de la acción, y no me refiero a la mera utilización del plano subjetivo sino a una construcción algo más compleja. Sirio es principalmente espacio y tiempo construido al antojo del autor con el fin de establecer un puente único entre este y el lector. Una obra que pone de relieve la importancia de autores como Lam en la evolución de nuestro cómic hacia formas más sublimes.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo