Spain is Pain #282: Lo mejor de 2016.

El año nuevo se viene el año viejo se va, y por estas fechas, como siempre empiezan a aparecer las listas de lo más reseñable del año en diferentes ámbitos de la cultura. Como siempre en Spain is Pain nos ocupamos de aquellos tebeos que a nivel nacional podemos considerar como más interesantes por un aspecto u otro. Este año en cuestión podemos encontrar dos grandes bloques: uno en el que la experimentación está en primer plano y otro en el que las narrativas más clásicas explotan al máximo sus recursos. Como me ha sido imposible cerrar una lista de 10 obras he cerrado una de 15 imprescindibles, es decir, un buen año para la viñeta (y en lo personal también).

P.D.- Y recuerden, las listas son siempre subjetivas.

  1. Sirio (Fulgencio Pimentel) / Gialla (Ediciones Valientes) de Martín López Lam

Este es el díptico imprescindible de 2016, Martín López Lam explora la relación entre el autor y el lector, convirtiéndola en íntima y optando por un punto de vista subjetivo para convertir a la audiencia en protagonista. Imprescindibles.

  1. Vip (Penguin Random House) de Felipe Almendros

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Felipe almendros sigue con la exploración de su yo artístico y su yo ficcional en un volumen monumental, directo y retórico. Un trabajo en el que el énfasis de la lectura se sitúa en espacios que exploran la relación y la influencia de la obra de ficción tanto para el autor como para el lector. El CD que lo acompaña es maravilloso.

  1. Gran bola de helado (Apa-Apa) de Conxita Herrero

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Un trabajo diferente, aquí la autora vuelve a ser protagonista, pero en un entramado de formas y colores que aspira a trascender al mero relato narrativo. Gran bola de helado es ante todo una obra sinestésica que se debe leer, degustar y sobre todo respirar al ritmo que esta te marque.

  1. Hopper (Autopublicado en TumblR) de Felipe H. Navarro

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Felipe H. Navarro es un autor que evoluciona rápido y en Hopper parece cristalizan todos aquellos elementos que hacen grande a este creador. Este work in progress nos habla de una idea un concepto, el que da título a la obra, que muta en función del relato que se nos narra en ese momento. El formato vinculado a la plataforma nos regala una idea de viñeta-lienzo impagable. Amigos editores ¿para cuándo una edición en formato físico?

  1. Materia (Astiberri) de Antonio Hitos

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Antonio Hitos en su último trabajo hace una aproximación holística y conceptual a nuestro mundo poniendo de relieve y cuestionando algunos de los pilares básicos de la sociedad contemporánea a través del relativismo. Mucho menos críptico que en su obra interior pero más perverso en la forma de elaborar el discurso. Un trabajo imprescindible para comprender la evolución de un autor que aspira a la simplicidad estética.

  1. Hoodo Voodo (Fosfatina) de VVAA

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En una obra colectiva de este calibre es difícil hablar de un creador en concreto, y más en este caso. La gente de Fosfatina se saca de la manga una serie de autores que trabajan al margen de la estética mainstream del cómic. Título fundamental para entender los desarrollos del cómic de vanguardia.

  1. Los dientes de la eternidad (Norma Editorial) de Jorge García y Gustavo Rico

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Jorge García y Gustavo Rico se sacan de la manga una obra sobre la épica vikinga clásica en un contexto visual innovador y rompedor. La magia consiste en no hacer que esas dos ideas choquen, y lo consiguen. El resultado una de las representaciones más preclaras de del Valhalla.

  1. El ala rota (Norma Editorial) de Antonio Altarriba y Kim

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Un relato que cuenta cómo ningún otro la soledad y ostracismo en el que han vivido las mujeres en España durante más de medio siglo. La paracuela de El arte de volar constituye una obra más depurada que su predecesora, más crítica con el sistema de valores del catolicismo español, pero sobre todo por ser una obra que no se basa en la lastima sino en la reivindicación de un personaje femenino lastrado por las circunstancias.

  1. Gran Hotel Abismo (Astiberri) de Marcos Prior y David Rubín

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El mejor escritor de ficción política y el autor que mejor representa la rabia contra el sistema ponen en escena sin ningún tipo de doblez moral la paupérrima situación política y social a la que nos somete el capitalismo feroz. El pueblo frente a la clase dominante, la violencia de clase vs. la violencia del estado y la caída del estado-nación son algunas de las cuestiones que se ponen en juego en esta obra.

  1. Lamia (Astiberri) de Rayco Pulido

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El autor canario vuelve con un trabajo de precisión tanto en el aspecto estético como en lo narrativo. Una thriller con asesino de por medio que pone de manifiesto las visicitudes de aquellas mujeres que buscan independencia en un periodo en el que todo les era negado. Intrigante y visualmente brillante.

  1. Insecto (Norma Editorial) de María Llovet

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Nunca me cansaré de reivindicar a María Llovet, su trabajo en la narración es complejo y lleno de capas. En su último trabajo hace una pequeña tesis sobre el amor y sus circunstancias, sobre lo inadecuado cuando no tiene que aparecer y de lo importante que siempre esté ahí aunque no se pueda satisfacer C. Tal como lo plantea la autora las cosas son como deben ser aunque no sean adecuadas.

  1. Palos de ciego (Astiberri) de El Irra

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La opera prima del autor sevillano es un manifiesto sobre la vida en los barrios del sur y de cómo el devenir de las personas esta en las manos del destino y de algunos cuantos cabrones que les gusta jugar con nosotros. La vida es dura y el Irra nos lo muestra sin ningún tipo de concesiones.

  1. La muerte y Román Tesoro (DeHavilland) de Lorenzo Montatore

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Lorenzo Montatore desmonta por completo la idea de la forma vinculada al relato. Bajo una apariencia banal nos desgrana un relato complejo sobre la muerte repleto de referencias literarias y de la cultura popular de la calle. Un libro para leer rápido, pero que se queda en la mente del lector durante mucho tiempo.

  1. La reina orquídea (El Verano del Cohete) de Borja González

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Una pequeña joya que ha pasado desapercibida, Borja juega con el lector a través de un trampantojo  visual en el que el lector se convierte en un espectador que tiene que estar muy atento para no caer en el agujero de conejo para no quedar atrapado en el relato. Deseando leer lo próximo de Borja.

Pues hasta aquí todo, a ver que nos depara 2017. Chau.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

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Spain is Pain #273: la viñeta-lienzo

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Hopper (Felipe H. Navarro y Tomás Gaviro) Autoeditado en Tumblr, 2016. Digital online, 104 entregas (a fecha de hoy). Color.

Muchas veces nos olvidamos del relato como un tránsito a través de conceptos visuales e ideas que consideran un flujo narrativo diferente al impuesto a los relatos de género, que en cierta manera a pesar de ciertas aperturas obligan a ciertas estructuras a la hora de elaborar el relato dejándose llevar por la fórmula y dejando de lado la experimentación en torno al género. Aunque por suerte no siempre es así. La investigación de la forma por encima de otros rasgos, pero sin descuidar estos, aporta nuevas dimensiones a ciertos conceptos vinculados al noveno arte. En este caso la viñeta.

Felipe H. Navarro es un autor del que ya hemos hablado un par de veces en Spain is Pain. De su trabajo destacan, principalmente, dos rasgos: un sentido poético de la composición, alejado de la funcionalidad de la misma, y un gusto por lo minimal, reducir a lo mínimo aquellos trazos que vienen a definir la escena representada. Hopper es un paso más en esa estructura de descomposición en la que se hay el autor. Es un cómic, tebeo, o como le queramos llamar, pero mi percepción es que este último trabajo de este creador se acerca más al lienzo que a las estructuras del noveno arte más clásico. Y no me refiero a una splash page detrás de otra sino que la composición de este micro/macrorelato está pensada viñeta a viñeta – lienzo a lienzo como un todo como una composición única dentro de un contexto, pero que independientemente cada una de ellas alcanza su máximo valor expresivo. Aquí el lector a de pensar en dos sentidos en cada lienzo de manera independiente y en el conjunto de cada uno de los relatos cortos que componen la macrohistoria y luego el conjunto en su globalidad. En cierta manera ante cierta imposibilidad de ver todos estos lienzos en una sala de exposiciones TumblR parece la mejor de las opciones.

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Esta, llamémosle, independencia de la viñeta se debe en gran parte al concepto sobre el que gira el trabajo: Hopper. Este puede ser un pintor al que le gusta viajar, no el famoso Edward Hopper, sino otro; un forajido del far west que es herido mientras huye, Emily Hopper una mujer que tiene una relación basada en la violencia física, un perro lanzado al espacio en los años sesenta cuando los animales eran los pilotos de prueba en la carrera espacial o el nombre de una avenida. Esa son las reencarnaciones del concepto Hopper por el momento. Es una idea de transito que nos provoca un flujo sobre el pensamiento de la idea del protagonista de una obra concreta sobre la intangibilidad del mismo. El reconocer los rasgos de Hopper no es el motivo de este trabajo sino las formas que esa idea puede adoptar este.

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Felipe H. Navarro y Tomás Gaviro, como guionista de la última historia que todavía está en desarrollo, plantean una obra abierta que por el momento no tiene fin. Pero este work in progress apunta hacia una apertura estilística por parte del lector que podrá evocar sus conocimientos sobre este título poco condicionado y poco dirigido, ahí reitero mi idea de la viñeta-lienzo y de la idoneidad de la plataforma elegida (aunque algún día me gustaría verlo en papel). La revalorización de la línea presente siempre en el trabajo de Felipe H. Navarro aquí adquiere un valor inusitado, esta llena cada una de las entregas convirtiéndose en la máxima protagonista. En fin, un trabajo que se sale de las pautas convencionales del relato de un autor que algunos no nos cansamos de reivindicar pero que todavía no es lo suficientemente conocido, Hopper es una buenísima oportunidad para hacerlo.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #219: Brevedad y minimalismo.

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Sushi #3 (Felipe H. Navarro) Cachalote Comix, 2015. Grapa, 24 págs. B/N y color, 5€

Hay pocos autores, por no decir casi ninguno que tenga la capacidad de Felipe H. Navarro a la hora de plantear obras minimales y concisas tanto en la forma como en el fondo. Este es capaz de hacer en cuatro viñetas, o en un par de páginas crear un relato complejo con un trasfondo narrativo que nace del contexto cultural y social que todos poseemos. O que al menos de nos deja ese regusto de profundidad narrativa con el que este autor dota a sus historias.

El tercer número de Sushi a diferencia del primero, el segundo estuvo dedicado a la recreación de carteles de cine, es quizás menos poético, que era uno de los principales valores del primer número en el que la concisión jugaba en favor de una estructura más cercana a la sinestesia que a la narración pura. En esta última entrega es diferente, sí que se mantiene esa brevedad en la extensión, en la estética y en el uso de los colores.

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Si bien puede ser un autor considerado como “dulce” en la primera historia de Sushi tira por los suelos dichos prejuicios. Somalia una narrativa de una página, cuatro viñetas crudas, en la que vemos a una persona de sexo y edad indefinida que finaliza con un texto: “solo los más pobres se quedan en Somalia para morir o vivir”. Un trabajo en blanco y negro, crudo como pocos. A pesar del golpe de inicio no deja de lado ese aspecto poético en Dos hojas, Japón o Islas. Aunque ahonda más en lo narrativo en piezas abiertas como La típica familia, Yo fui un galgo famoso, La triste historia de un ligón enamoradizo y Ese olor, con la que se cierra esta recopilación, son textos muy breves y a pesar de ello crean expectativas, y abren la puerta a un universo abierto creado a partir de apenas una o dos páginas.

Luego están los fragmentos puramente narrativos como La vida de Violet y Cactus, la primera es una pequeña historieta sobre una chica que busca conocer mundo, pero que tras varios incidentes decide que donde mejor esta es en tierra firme con ella misma. Cactus está basado en un cuento aymara, en el que se nos cuenta el origen de las flores en los cactus, para ello utiliza el verde acompañado de la utilización de la viñeta como forma narrativa y de creación de espacios.

La tercera entrega de Sushi es una buena muestra de lo que Felipe es capaz de hacer en formatos breves, a mí por lo menos me gustaría verlo en otras latitudes, y quizás en trabajos más extensos. Pero lo dicho, estamos ante un valor seguro del cómic nacional, porque no todo deben ser obras grandilocuentes, ni todo tener que publicar para editoriales grandes.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is pain #179: “Eres entrañable freak”.

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PutoKrío (Jorge Riera y VVAA). Edicions De Ponent, 2014. Rústica con solapas. 23 x 26,6 cm. 192 páginas. B/N. 22 €

Hace unos cuantos años cuando todavía tenia tiempo, y ninguna responsabilidad, solía ir de salón en salón de cómic por toda España. En una ocasión, creo que era uno de los primeros Expocómic, estaba esperando en una cola para que me firmaran algo o simplemente deambulando cuando de pronto me encontré a Jorge Riera, creo que era cuando todavía dirigía Kabuki y si no por ahí andaba la cosa. Me acerque a él y le pregunte algunas cosas sobre la revista, que había pasado con la polémica televisiva de la revista, hablamos de mujeres y eso que se me ocurrió pedirle una firmita, le di mi libreta destinada para esas cosas y ni corto ni perezoso dibujo un monigote, un símbolo de Batman y un enorme pene con la siguiente dedicatoria: “eres entrañable freak”. La hoja en cuestión todavía la guardo, no se donde pero por ahí debe de andar.

Pues eso, a Jorge Riera lo sigo desde la época de Kabuki, la polémica revista sobre manga y anime cuyo giro hacia la subcultura oriental les granjeo el desprecio de gran parte del mundillo (sea lo que sea o quienes sean) del incipiente fenómeno manga en nuestro país, y ahí es en mi modesta opinión donde comienza las aventuras de PutoKrio, el alter ego de Jorge, con las crónicas de los viajes al salón del cómic de Barcelona, las fiestas de presentación, etc. Y es que si algo caracteriza a este hombre es por hablar siempre en primera persona con total sinceridad que no objetividad, porque ahí esta la gracia de PutoKrio.

Después de unos cuantos años y de seguir de manera intermitente su trabajo me reencuentro con este personaje/autor, uno no sabe donde empieza y acaba cada uno de estos dos roles, con un biopic que podríamos definir como coral egocentrista. Él guioniza todas las historias y estas son dibujadas por una selección de los mejores autores del país. Pero a la hora de definir el genero me cuesta, se que es una autobiografía pero también es un suicidio social en toda regla hablar de uno mismo de esa manera, con tanta sinceridad y sin guardarse nada. De manera en vez de llamarlo biopic lo definiremos como harakiri creo que es la manera más justa de definir esta obra, al menos desde el punto de vista del guionista.

Otra duda que me surge como lector es como leer este trabajo, básicamente tengo dos opciones: o me lo tomo en serio o como un mockumentary del autor sobre si mismo. La primera opción, y hablando estrictamente de autobiografías, es un ejercicio crítico escrito sin desparpajo y sin importarle realmente quien lo pueda leer o que puedan pensar cuando estén delante de este cómic no deja de ser un harakiri. Desde este punto de vista ante una crónica cruda del pasado de Jorge Riera en la que este aborda sin ningún tipo de remordimiento los aspectos más polémicos de su vida.

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 Pero ¿y si todo lo que nos cuenta es mentira? Aun siendo así que nos importa me parece la aproximación más interesante: Jorge Riera dibujando un pasado a su medida como un grand guignol: macabro y poético, en la que describe una caída a los infiernos de la que parece que no acaba de salir o en la que se mantiene ahí con relativa calma. En esa construcción referencial de su pasado juega en gran parte el conocimiento que el resto tenemos de él y en gran medida en reconocerse en ese espejo que son sus amigos y sus lectores/espectadores/seguidores.

 Para mi PutoKrio es un juego metatextual bastante bien explotado no solo por la utilización de su alter ego visto por diferentes autores, sino por el riesgo tomado por el autor en la recta final del relato en la que abandona la batuta de director y pide a algunos autores que al parecer solo conoce a través de las redes sociales, o al menos eso es lo que parece, que hablen de su relación con Jorge. En resumen, el volumen es en su totalidad una puesta en abismo, una apuesta por el vértigo que supone describirse así mismo. Jorge Riera es a la vez Jimmy Stewart y Kim Novak en Vértigo de Alfred Hitchcock; un ser que quiere moldearse así mismo como si él mismo fuera una tercera persona.

 Quizás todo esto suene superlativo, pero conociendo la trayectoria de Jorge puede parecer que en primera instancia nos vayamos a encontrar con otro tipo de texto más del montón; sin embargo, y a medida que van pasando las páginas uno se da cuenta que más que una narración ególatra estamos ante un pequeño experimento que se ha saldado con bastante buena nota y que abre la puerta a continuaciones en las que el guionista reescriba un pasado a su medida.

P.D.- Los autores que han colaborado en esta obra junto con Jorge Riera son: Sequeiros, Juaco Vizuete, Enric Rebollo, Javier Peinado, Natacha Bustos, Pablo Vigo, Cristóbal Fortúnez, Pablo Rios, Carla Berrocal, Miguel Ángel Martín, Francisco Redondo, Miguel Porto, Borja Gonz´alez Hoyos, Dario Adanti, Mortimer, Félix Ruiz, JAB, Alberto Gonz´alez, Eugenio Merino, Jordi Costa, Joaquin Aldeguer, Álex Mendibil, Mauro Entrialgo, Néstor F., Álvaro Ortiz, María Rubio, Felipe H. NAvarro y Sergio Bleda. Con prologo de Oscar Aibar y Hernan Migoya al epitafio (ambos entrando en el juego del biopic.)

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