La guerra Civil en Francia (Gustave Doré)

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La guerra Civil en Francia (Gustave Doré). El Nadir, 2017. Rústica, 112 págs. B/N, 16€

El nacimiento del cómic está íntimamente ligado al de la prensa satírica y al retrato caricaturesco, y más cuando estos empiezan a ocupar un espacio preminente dentro de la prensa. Este tipo de ilustración que ya empieza a tener unos elementos narrativos, ya sea por el pie de imagen asociado que ancla el significado de los dibujos al contexto social. El dibujo como crónica constituye un elemento narrativo de primer orden pero sesgado por el tiempo y el conocimiento que el lector tenga de la historia. Muchas veces entender los chistes y los giros de un periodo histórico concreto hacen que tomemos mucha distancia con lo narrado. A parte de los personajes, más o menos populares, el motivo de la caricatura o, incluso, las formas en la que la comedia es entendida puede lastrar una obra de cierto periodo.

En La guerra Civil en Francia de Gustave Doré no limita lo cómico a lo temporal sino que hace adoptar a los personajes unas poses reconocibles en el tiempo por la cual podemos adivinar cierta psicología en el trazo del dibujante. Podemos adivinar quién es quien, no a nivel nominativo ya que debajo de cada personaje no aparece ningún nombre, por la pose adoptada, la fisonomía de la cara, la relación entre el pie de página y la posición del cuerpo, las manos o los rasgos más personales que se dibuja en sus faces. Los retratos son de un periodo muy concreto; 1871, año en el que se produce una revolución social en París y más concretamente cuando es proclamada La Comuna.

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El relato a base de retratos gira a mitad de camino de las dos posiciones políticas, por un lado los políticos “legítimos” que intentarán aplastar cualquier tipo de levantamiento ciudadano y por otro aquellos que han decidido gobernarse a ellos mismos. El punto de vista de Doré es, o al menos lo parece, partidista: los políticos de Versalles son mostrados con sus defectos y sus inflexiones, pero siempre utilizando la palabra como medio para hacer llegar su mensaje sin embargo los comuneros son dibujados en su malformación física y hablando de una manera mucho más cerrada, sesgada por el contexto en el que viven.

Aun así Gustave Doré aporta un discurso distante hacia los contenidos lo cual le permite hacer un texto atemporal en el que podemos ver reflejados a muchos políticos contemporáneos. A pesar de ello el contexto sigue sesgando muchos significados. Pero este libro debe de leerse mucho más allá de lo que pudiera ser un conocimiento político pleno de aquel periodo, sino como una obra que en su forma más superficial apunta hacia la importancia de la política en las sociedades occidentales y que de manera más profunda señala las desigualdades sobre la que se cimientan estas. La guerra civil francesa es un libro sobre todo para curiosos que nos permite indagar en un periodo muy interesante de la historia de nuestros vecinos, pero que principalmente nos permite descubrir otras facetas del que luego seria uno de los ilustradores más importantes de nuestra historia.

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Érase una vez. Etcétera (Olaf Gulfbransson)

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Érase una vez. Etcétera (Olaf Gulfbransson). El Nadir, 2017. Cartoné, 224 págs. B/N, 19€

Creo el caricaturista, ilustrador y pintor noruego Olaf Gulfbransson (1873-1958) ha sido uno de mis descubrimientos personales del año pasado. Este fue uno de los maestros de la ilustración europea de principios de siglo y entreguerras publicando en revistas como Tyrihans, Pluk, Paletten, Fluesoppen, Sfinx y Trangviksposten hasta su llegada Simplicissimus la revista de referencia en las cuatro primeras décadas del siglo XX. Su labor no se limitó tan solo a la práctica, sino que también fue docente en la academia de arte de Múnich, siendo un personaje reconocido por su trabajo no solo a nivel popular sino también con diferentes exposiciones y galardones por la labor llevada a cabo.

Realmente de este autor, poco conocido por estos lares, nos ha llegado lo que posiblemente sea su labor más personal, y quizás la más interesante. El Nadir ha publicado en un solo volumen dos títulos autobiográficos del autor que se sitúan a medio camino entre la novela gráfica y el libro ilustrado. Ambos recogen cierta voluntad del autor de plasmar aquello que le rodea con una sencillez que resulta muy grata y alejada de retóricas de cualquier tipo. La impresión que da es que Gulfbransson busca ser un intermediario casual que trata de que todo llegue directamente al lector con la mínima interferencia. Pero esa intención inicial se va perdiendo por el camino o el autor se va traicionando poco a poco para llegar a convertirse en un narrador conocido, del que te vas fiando poco a poco de su opinión sobre las personas de las que habla hasta convertirla en propia.

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La primera parte del volumen la compone Érase una vez (publicada por primera vez en 1934) en la que Gulfbransson nos hace un recorrido desde su infancia hasta finales del siglo XIX. En esta vemos los primeros amores, el servicio militar, las primeras borracheras y otro tipo de historias que no tienen que distar mucho de aquellas que podría contarnos cualquier anónimo de aquel momento. Entre todo esto un retrato de la vida rural noruega de ese periodo histórico que realmente se aparta de esa idea de paraíso que tenemos de lo nórdico pero que a la vez conjuga cierta magia con la violencia de los lugares en los que predomina la naturaleza. Por otro lado, esta Etcétera (publicada por primera vez en 1954), mucho más divertida que la primera, el autor noruego nos habla de su llegada a Múnich hasta mediado de los años veinte cuando se casa con Dagny Bjørnson. Este segundo trabajo es, aparte de cómico, un trabajo en el que la primera persona está mucho más presente ya que nos narra de manera muy directa sus vivencias como bohemio con un toque aburguesado en la ciudad germana y sus viajes a lo largo de Europa mientras este se codea con personajes prominentes de la política la cultura, y la sociedad alemana del periodo de entreguerras.

Lo más interesante de todo es la perspectiva adoptada por el autor que pasa de la comicidad al cinismo con una frescura digna de los autores actuales. Esto nos permite leer con cierta perplejidad el desparpajo con el que Olaf Gulfbransson representa sociedades pretéritas diametralmente opuestas, lo rural y lo urbanita con la predisposición sacarnos una sonrisa. Es en esencia un slice of life panorámico focalizado en dos momentos de la vida del autor que por la particularidad del contexto se describe con pequeñas diferencias pero que en el fondo nos hace ver las similitudes entre ambas. Lo dicho al principio de la entrada: la publicación por parte de El Nadir de este libro es un regalo, la lectura del mismo os acompañara mucho, mucho tiempo.

@Mr_Miquelpg

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Propagande et contexte

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Historia de la Santa Rusia (Gustave Doré). El Nadir, 2016. Cartoné, 120 págs. B/N, 20 €.

Si hay algo que nos enseña la historia es que todo es cíclico, los giros políticos, las inseguridades sociales, las idas y venidas de los radicalismos independientemente del signo político del que provengan o los estereotipos nacionales que vemos como después de más de medio siglo de europeísmo no han sido superados. Bien es cierto que en esa estereotipa configurada forma parte del humor y en parte ha suavizado las relaciones entre países, pero no debemos de olvidar que también forma parte del lenguaje de la propaganda belicista, ya sea aquella que busca la confrontación con otras naciones o la que busca perseguir un grupo étnico dentro de una comunidad concreta.

Si bien los estados creen tener esa potestad para desprestigiar al “otro”,  algo que bien podemos apreciar en textos de la cultura popular desvinculados de las estructuras estatales. El cine en la Alemania nazi jugó un papel muy importante para moldear la voluntad de un pueblo y dirigirla contra un colectivo de alemanes muy concretos. En Estados Unidos tanto el cine, como gran medio de transmisión de la ideología estadounidense a nivel interno y externo, como el cómic, que nos atañe demás de cerca, construyeron una imagen de los alemanes, italianos y, sobre todo, de los japoneses más bien despreciable. Principalmente de estos últimos que por pertenecen a otra raza fueron descritos visualmente con rasgos ratoniles.

Historia de la Santa Rusia nos cuenta que todo esto viene de lejos, que el discurso de la demonización pasa también por el de la ridiculización. Pero lo primero que hay que tener en cuenta es el contexto. Doré desarrolla este trabajo durante la Guerra de Crimea (1853-1856) que enfrento al Imperio ruso contra la alianza del Reino Unido, el Segundo Imperio francés, el Imperio otomano y el Reino de Cerdeña. La cuestión era crear una imagen del Imperio ruso en una creciente opinión pública que podía saber cómo se estaba desarrollando la guerra a través de los periódicos. Doré, de ideología conservadora, trata de esbozar una imagen cruel, torpe e incivilizada de los rusos partiendo de un oscuro nacimiento como nación. Para ello no duda tanto en mostrar la inoperancia de sus gobernantes como la servidumbre de sus habitantes, que tal como los refleja el autor francés distan mucho de convertirse en ciudadanos de plenos derecho.

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Doré se vale de la cita, la paráfrasis y de mucho humor para establecer una conversación directa con el lector. Pero la obra en su momento no triunfó, fruto de las circunstancias o más bien del contexto. Por aquel momento la prensa informaba del día a día de las batallas que acontecían en dicho conflicto, y para acentuar el problema tuvo lugar la primera cobertura fotográfica de un conflicto bélico. Entre los diferentes fotógrafos que asistieron para cubrirlo gráficamente destaca Roger Fenton, en sus fotografías nos muestra una retaguardia, un frente y escenas postbatallas que se apartan mucho de la imagen prototípica que gira en torno a la epicidad  dibujadas ya sea en lienzo o en grabados. Esto nos pone en situación sobre la importancia del contexto y de cómo la imagen real gano fuerza frente aquella idealizada. Aquellos que pudieron ver por primera vez las imágenes tomadas en el frente pudieron comprobar que las nuevas armas definían el campo de batalla como un espacio cruel.

Podemos entender Historia de la Santa Rusia como un precursor de la propaganda de guerra contemporánea, pero creada por un artista que creaba matices y contextos a partir, tanto de la cultura clásica como de cuestiones más contemporáneas. El fracaso de este trabajo condujo a Gustave Doré por otros derroteros ya de sobras conocidos. El valor de esta edición no solo reside en la calidad de la misma y en haber editado esta obra clásica desconocida por el gran público, sino en la cuidada traducción con anotaciones y el magnífico epílogo a cargo de David Kunzle. Una obra que sin duda hará las delicias de aquellos que les gusta indagar sobre los inicios del cómic como arte, y de paso apreciar el trabajo de uno de los ilustradores y grabadores más importantes de la historia.

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Con paciencia y saliva todo entra

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Catecismos do Brasil (Carlos Zefiro). El Nadir, 2016. Rústica, 160 págs. Blanco y fucsia, 14 €

El sexo vende, eso no es nada bueno, pero que sucede cuando esta máxima sigue funcionando pero el sistema impide que circulen contenidos en los que el acto sexual sea el leit motiv de los mismos. Simplemente el subsistema se pone en acción, los microsistema se adaptan mucho más rápido a las sociedades cambiantes que los macrosistemas y los brasileños durante la dictadura no iba a ser menos. Los catecismos que se publicaban en el país sudamericano de manera clandestina, quizá, por la actitud represiva de los gobernantes estas publicaciones iban mucho más allá de la gran mayoría de relatos de este tipo.

En Catecismos do Brasil se recopilan cuatro relatos de Carlos Zéfiro, el más prolífico y posiblemente el mejor autor de este tipo de cuentos entre la década de los cincuenta y los setenta. Estas tienen como nexo, como no, el sexo desbocado, salvaje, pero no exento de amor y deseo. No se trata tanto de pornografía en la que el acto viene rodeado de una trama mínima, que también tiene parte de eso, sino que el matiz afectivo está siempre presente, aunque solo sirva como excusa para la representación del coito. Aunque quizás solo sea por la mostración de los hechos narrados estos van un poco más allá del sexo heterosexual convencional, en estas páginas podemos encontrar homosexualidad, sexo anal con mujeres incluso bestialismo. Lo segundo como un remedo de la mentalidad puritana y que busca remediar los ardores internos preservando la virginidad de la mujer hasta cierto punto.

Esa idea de transgresión se apoya en otro aspecto que se construye a modo de diferenciación de las Biblias de Tijuana, con las que los catecismos siempre han sido comparadas. En sus “homologas” estadounidenses los personajes protagonistas eran ni más ni menos que personajes públicos, principalmente actores, que nos desvelaban sus más íntimos deseos. En estos catecismos nos encontramos con perfiles universales a través de los cuales el público empatiza de manera más focalizada con lo que lee. Aunque el principal activo es la descripción física de la mujer, la actitud de estas constituye un valor en alza en estos aspectos. Si por un lado tienen un pequeño punto de recatadas en cuanto descubren su sexualidad se destapan por completo.

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En este volumen nos encontramos con cuatro historietas prototípicas que definen no solo el estilo de Zéfiro sino también el argumentario utilizado por este tipo de relatos. En la primera se reescribe la historia de Adan y Eva, también el motivo por el que fueron expulsados. El segundo relato “Frutos prohibidos” nos habla de una mujer sexualmente hiperactiva que no se contenta con tener un marido y un amante sino que también juega con su perro; en “Titia” se nos narra el proceso de conocimiento sexual de una chica a lo largo de un verano en el que llega a explorar su cuerpo y el de su acompañante. Pero es en las “Aventuras de Joao Cavalo” donde se pueden observar aquellos matices por los cuales estos textos pudieron tener tanto éxito; en este caso el protagonista es un tipo de la calle sin estudios que solo piensa en tener sexo, pero que tiene un miembro de unas dimensiones tales que todas las mujeres lo rechazan. En su cruzada por penetrar no dejará a salvo a ningún ser vivo que tenga algo parecido a un agujero.

En Catecismos do Brasil nos encontramos, en definitiva, una pequeña pieza de arqueología en los tiempos de la pornografía digital. En estos textos es tan interesante las estéticas utilizada como las minitramas causales que dan pie a las aventuras sexuales de los personajes. Tiene cierto encanto como estas historias permanecieron más de 20 años siendo una lectura, de una mano, recurrente entre los brasileños y que nunca dejaran de perder popularidad a pesar de la poca calidad del papel y de lo repetitivo de las tramas. Sin embargo, nos llega a nosotros como algo kistch representativo de la cultura popular de un país en un momento muy determinado de su historia. Muy recomendable para aquellos que quieran indagar sobre la historia del cómic, la sexualidad o para aquellos que quieran recordar sus tiempos mozos.

@Mr_Miquelpg

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Superhéroes, pero de otra manera.

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Copra. Compendio 1 (Michel Fiffe) El Nadir e Inefable Tebeos, 2015. Rústica, 80 págs. Color, 14,90€

Tengo que reconocer que desconocía por completo el trabajo de Fiffe, concretamente el que nos ocupa en el post de hoy: Copra. Este título pasa por ser la enésima relectura de los cómics de superhéroes como género que no como contenido mediático. Los tebeos actuales profundizan más en su calidad de contenido en el entramado transmedial en el que se ven inmersa gran parte de la cultura de masas contemporánea. Copra juega en otra división, concretamente en la de hacer reventar el género a través de la experimentación.

Copra establece un puente que aborda diferentes momentos de la historia de los tebeos de entretenimiento. Recuerda a Kirby en la creación de una cosmogonía, si el maestro trataba en numerosas ocasiones con dioses como protagonistas de sus obrar Fiffe aboga por la reescritura de la reescritura de los superhéroes como dioses desposeídos de su deidad, reconvirtiéndola en un mero juego de unos seres apocalípticos. Gente peligrosa y hostil que vive al margen de todo y que realmente no sabemos a qué se dedican a parte de ser un reflejo del héroe icónico de hoy día. No son los seres idolatrados de antaño y por mucho que quieran no lo serán viven a escondidas de todo el mundo.

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Pero estos personajes también se caracterizan por vivir al margen de la sociedad, si, trabajan por el gobierno, si, por un error suyo hay una masacre en una ciudad, pero todo eso queda en off. Son héroes agresivos y aguerridos que recuerdan al Batman de Frank Miller viviendo las contrariedades de la vida con estoicidad. Aparte viven en un mundo hostil, si en el héroe de Gotham la sociedad es evidente, en Copra no. Luego existe una reincorporación y reestructuración del concepto de lo heroico en el cómic que pasa por quitarle todo el barniz de lo humano a los personajes.

Fiffe apuesta por no contarnos nada, por el momento, de la vida personal de los protagonistas creando un mundo extraño en el que parece que los lazos afectivos, forzosos y forzados, se quedan en un segundo plano evitando crear relaciones interpersonales artificiosas que perjudiquen aspectos de carácter narrativo y de construcción de universo.

Un mundo caracterizado por la deconstrucción de lo humano en el diseño de los villanos Dy Dy, Vitas y Gary. El primero es un recipiente robótico que parece contener un cerebro humano, Vitas un cartoon humanoide en blanco y negro y Gary un secuaz de Dy Dy de formas cúbicas imposibles, a pesar de tener un nombre de lo más normal. Mundo en el cual se abren puertas interdimensionales que explotan la viñeta  hasta encontrarnos, casi, una tercera dimensión.

Copra es cómic puro, sin segundas lecturas y con un estilo visual como pocos dentro de su género. Apunta a un tipo de lector sin prejuicios que busca disfrutar de la lectura sin tener que conocer una enrevesada cronología de los personajes para poder disfrutarlo al 100%.

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