Spain is Pain #282: Lo mejor de 2016.

El año nuevo se viene el año viejo se va, y por estas fechas, como siempre empiezan a aparecer las listas de lo más reseñable del año en diferentes ámbitos de la cultura. Como siempre en Spain is Pain nos ocupamos de aquellos tebeos que a nivel nacional podemos considerar como más interesantes por un aspecto u otro. Este año en cuestión podemos encontrar dos grandes bloques: uno en el que la experimentación está en primer plano y otro en el que las narrativas más clásicas explotan al máximo sus recursos. Como me ha sido imposible cerrar una lista de 10 obras he cerrado una de 15 imprescindibles, es decir, un buen año para la viñeta (y en lo personal también).

P.D.- Y recuerden, las listas son siempre subjetivas.

  1. Sirio (Fulgencio Pimentel) / Gialla (Ediciones Valientes) de Martín López Lam

Este es el díptico imprescindible de 2016, Martín López Lam explora la relación entre el autor y el lector, convirtiéndola en íntima y optando por un punto de vista subjetivo para convertir a la audiencia en protagonista. Imprescindibles.

  1. Vip (Penguin Random House) de Felipe Almendros

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Felipe almendros sigue con la exploración de su yo artístico y su yo ficcional en un volumen monumental, directo y retórico. Un trabajo en el que el énfasis de la lectura se sitúa en espacios que exploran la relación y la influencia de la obra de ficción tanto para el autor como para el lector. El CD que lo acompaña es maravilloso.

  1. Gran bola de helado (Apa-Apa) de Conxita Herrero

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Un trabajo diferente, aquí la autora vuelve a ser protagonista, pero en un entramado de formas y colores que aspira a trascender al mero relato narrativo. Gran bola de helado es ante todo una obra sinestésica que se debe leer, degustar y sobre todo respirar al ritmo que esta te marque.

  1. Hopper (Autopublicado en TumblR) de Felipe H. Navarro

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Felipe H. Navarro es un autor que evoluciona rápido y en Hopper parece cristalizan todos aquellos elementos que hacen grande a este creador. Este work in progress nos habla de una idea un concepto, el que da título a la obra, que muta en función del relato que se nos narra en ese momento. El formato vinculado a la plataforma nos regala una idea de viñeta-lienzo impagable. Amigos editores ¿para cuándo una edición en formato físico?

  1. Materia (Astiberri) de Antonio Hitos

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Antonio Hitos en su último trabajo hace una aproximación holística y conceptual a nuestro mundo poniendo de relieve y cuestionando algunos de los pilares básicos de la sociedad contemporánea a través del relativismo. Mucho menos críptico que en su obra interior pero más perverso en la forma de elaborar el discurso. Un trabajo imprescindible para comprender la evolución de un autor que aspira a la simplicidad estética.

  1. Hoodo Voodo (Fosfatina) de VVAA

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En una obra colectiva de este calibre es difícil hablar de un creador en concreto, y más en este caso. La gente de Fosfatina se saca de la manga una serie de autores que trabajan al margen de la estética mainstream del cómic. Título fundamental para entender los desarrollos del cómic de vanguardia.

  1. Los dientes de la eternidad (Norma Editorial) de Jorge García y Gustavo Rico

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Jorge García y Gustavo Rico se sacan de la manga una obra sobre la épica vikinga clásica en un contexto visual innovador y rompedor. La magia consiste en no hacer que esas dos ideas choquen, y lo consiguen. El resultado una de las representaciones más preclaras de del Valhalla.

  1. El ala rota (Norma Editorial) de Antonio Altarriba y Kim

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Un relato que cuenta cómo ningún otro la soledad y ostracismo en el que han vivido las mujeres en España durante más de medio siglo. La paracuela de El arte de volar constituye una obra más depurada que su predecesora, más crítica con el sistema de valores del catolicismo español, pero sobre todo por ser una obra que no se basa en la lastima sino en la reivindicación de un personaje femenino lastrado por las circunstancias.

  1. Gran Hotel Abismo (Astiberri) de Marcos Prior y David Rubín

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El mejor escritor de ficción política y el autor que mejor representa la rabia contra el sistema ponen en escena sin ningún tipo de doblez moral la paupérrima situación política y social a la que nos somete el capitalismo feroz. El pueblo frente a la clase dominante, la violencia de clase vs. la violencia del estado y la caída del estado-nación son algunas de las cuestiones que se ponen en juego en esta obra.

  1. Lamia (Astiberri) de Rayco Pulido

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El autor canario vuelve con un trabajo de precisión tanto en el aspecto estético como en lo narrativo. Una thriller con asesino de por medio que pone de manifiesto las visicitudes de aquellas mujeres que buscan independencia en un periodo en el que todo les era negado. Intrigante y visualmente brillante.

  1. Insecto (Norma Editorial) de María Llovet

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Nunca me cansaré de reivindicar a María Llovet, su trabajo en la narración es complejo y lleno de capas. En su último trabajo hace una pequeña tesis sobre el amor y sus circunstancias, sobre lo inadecuado cuando no tiene que aparecer y de lo importante que siempre esté ahí aunque no se pueda satisfacer C. Tal como lo plantea la autora las cosas son como deben ser aunque no sean adecuadas.

  1. Palos de ciego (Astiberri) de El Irra

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La opera prima del autor sevillano es un manifiesto sobre la vida en los barrios del sur y de cómo el devenir de las personas esta en las manos del destino y de algunos cuantos cabrones que les gusta jugar con nosotros. La vida es dura y el Irra nos lo muestra sin ningún tipo de concesiones.

  1. La muerte y Román Tesoro (DeHavilland) de Lorenzo Montatore

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Lorenzo Montatore desmonta por completo la idea de la forma vinculada al relato. Bajo una apariencia banal nos desgrana un relato complejo sobre la muerte repleto de referencias literarias y de la cultura popular de la calle. Un libro para leer rápido, pero que se queda en la mente del lector durante mucho tiempo.

  1. La reina orquídea (El Verano del Cohete) de Borja González

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Una pequeña joya que ha pasado desapercibida, Borja juega con el lector a través de un trampantojo  visual en el que el lector se convierte en un espectador que tiene que estar muy atento para no caer en el agujero de conejo para no quedar atrapado en el relato. Deseando leer lo próximo de Borja.

Pues hasta aquí todo, a ver que nos depara 2017. Chau.

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Spain is Pain #257: El territorio subjetivo.

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Gialla (Martín López Lam) Ediciones Valientes, 2016. Grapa, 56 págs. Triple pantone, 6€

Retomemos algunas de las ideas centrales de que aparecían en Sirio de López Lam para empezar a hablar de Gialla (ambas obras aparecieron casi al mismo tiempo). Nos encontramos en la obra publicada por Fulgencio Pimentel la disolución de un narrador en primera persona que apunta a una narración del relato desde el punto de vista del lector, una apuesta difícil que le otorga a la construcción del tiempo y el espacio un protagonismo por encima del propio relato en el que se planteaba una duda ¿Quiénes somos nosotros como lectores?, a la vez de retomar el debate entre mapa/territorio filtrado a través de la visión subjetiva compartida entre los lectores, el autor y el personaje principal.

Ese debate braudillardiano se retoma, o mejor dicho, se inicia en Gialla cuando se empieza a establecer una discusión sobre la subjetividad del relato sobre espacios geográficos e históricos incorporando un nuevo matiz: la subjetividad. El recuerdo del territorio construye un nuevo mapa, vinculado con lo cognitivo y este con lo emocional, el mapa, o el Google Maps tal como aparecía en Sirio tan solo puede reproducir fotos, pero no la estancia ni el momento vivido. Algo que podríamos denominar como el síndrome de Robinson Crusoe, al menos desde el punto de vista de Tournier, este, en su reescritura titulada Viernes y los limbos del Pacifico (1967) plantea el cambio sustancial del espacio a través de la subjetividad. El autor francés apunta a los intentos de reorganización por parte del náufrago occidental de las formas de la isla, hasta el punto que sufre un cambio personal que le impide abandonar la isla, cosa que si hace viernes.

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En Gialla el autor apunta hacia la subjetividad autoral para definir el espacio, el Trastevere uno de los barrios céntricos de Roma. Parte de la realidad para recrear un hecho ficcionado, Francesco Citti tirándose al rio, para recrear un pseudoevento, la caída de una estatua al rio para hacer un recorrido que da pie a la reflexión y la focalización de diferentes personajes de carácter secundario. Dicha focalización parte de algunas pinturas en las que los perros como personajes secundarios como los personajes que anónimos que pueblan dicho barrio. Acentuando el trayecto a modo de encartes interiores, una intervención a modo de subtexto que amplía el relato principal  y aporta nuevas líneas “argumentales”. López Lam recurre a cierto punto de narración cero, no hay nudo ni desenlace, tan solo el recorrido subjetivo por el territorio, dibujado y reimaginado en pequeños fragmentos documentales poniendo el acento en el vagabundo que baila, los gatos hambrientos de caricias, los neones o el gorrilla con pinta de yakuza. Un fresco que pone en hiato cuestiones como el continuo causal del relato y sosega la acción en favor de la contemplación.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #244: Espacio y contexto/Entorno.

Hoy vamos a echar un vistazo a una par de títulos de esos títulos que pasan desapercibidos. Ambos están publicados por Ediciones Valientes, casa que siempre ofrece títulos interesantes y excitantes que apuestan por la innovación y remover las estructuras del medio. Concretamente se va a hablar de Optimización del proceso de Andrés Magán, autor al que no hay que perderle la vista, y El problema Francisco de Francisco Sousa Lobo.

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Optimización del proceso (Andrés Magán) Ediciones Valientes, 2015. Grapa, 32 págs. Blanco y verde, 4€

Anteriormente cuando aquí se ha hablado sobre el trabajo de Andrés Magán lo he tachado de perturbador. En su primer cómic existe un punto de narración próximo al cero, pequeños relatos unidos por un personaje misterioso. A través de dicha estructura delinea un mundo extraño que se desarrolla a través de cierta bipolaridad: cuenta sin explicar. En Optimización del proceso esa idea persiste a partir de dos parámetros espacio y contexto. El primero tiene lugar en tres escenarios: una oficina, un exterior y un simulacro de biblioteca o almacén de documentos. En cuanto al contexto es el de alguien dando forma a un tipo de proyecto desconocido a través de unos cálculos ininteligibles para tres individuos de apariencia no humana. Dos ideas que se complementan en otro aspecto dual  el hieratismo de los personajes secundarios y el esfuerzo y sufrimiento al que se va sometido por el trabajo que acomete.

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Magán tiene la capacidad de crear historias que se resumen en un par de líneas pero que poseen gran dificultad para ser analizadas por la desaparición de lo narrativo y en este caso refuerzan cierta idea de vinculación a estéticas como la nueva objetividad, mostrando tan cual reduciendo el énfasis a lo mínimo. Andrés Magán es ahora mismo uno de los autores que hay que seguir más de cerca, su trabajo no son solo obras complejas sino que apuntan a ser unos breves manifiestos sobre la forma de entender el medio.

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El problema Francisco (Francisco Sousa Lobo) Ediciones Valientes, 2015. Grapa, 20 págs. Color, 4€

Si en el caso del trabajo de Magán el lector se encuentra ante una incertidumbre total, El problema Francisco de Francisco Sousa Lobo plantea otro dilema: el autor como texto primario de la narración. Pero el planteamiento se aleja del biopic y lo desplaza hacia el problema de la creación en el entorno del arte o aunque mejor si lo acotamos un poco hacia el de la creación. El problema Francisco, personaje, persona y situación, tiene una pulsión por dibujar, escribir por desarrollar su pensamiento en cualquier medio y formato. Pero es el entorno ya sean las amistades, familiares o  que impulsan a El problema Francisco a los ámbitos más privados de la creación: a dibujar cómics para autoconsumo para después destruirlo.

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Francisco Sousa plantea una tesis sobre la, casi, imposibilidad de crear sin injerencias de terceros, y la obligatoriedad de emitir juicios sobre lo artístico incluso de aquello que es creado por el placer de hacerlo sin intención de ser público. Planteando una puesta en abismo con la estructura de las páginas que el protagonista lee cuando es joven y la estructura de colores con la que el lector lee la obra.

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Spain is Pain #207: El Kovra es un animal salvaje

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Kovra 6 (VV AA). Ediciones Valientes, 2015. Rústica.224 págs. B/N. 15 €

Muchas veces nos olvidamos que los fanzines deben ser como animales indomables en los que caben contenidos que o bien no tendrían lugar en otro tipo de publicaciones o que no están pensados para públicos demasiado amplios. A día de hoy nos encontramos con dos tipos de fanzines según el formato: aquellos hechos de a base de fotocopias y grapas, y los que están editados con mimo, y a veces con más gusto con el que lo hacen algunas editoriales profesionales. En la mayoría de ocasiones en la forma está el fondo y los fanzines de grapa juegan con esa estética formal y esta se transfiere al interior de sus páginas.

En el caso del Kovra se establece un juego entre forma y fondo. La forma es exquisita, una edición impecable que contiene un monstruo en su interior, los contenidos de esta publicación se sitúan entre aquello que supuestamente encontraríamos en los fanzines de grapa y los contenidos del fanzine más innovador. Desde  hace años esta publicación ha presentado la apertura del cómic como medio cubriendo un hueco esencial para que los nuevos valores se den a conocer, o de aquellos autores que hacen del cómic medio y fin, el cómic por el cómic, como forma de expresión y quizás sin la aspiración a poder vivir de este.

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El Kovra se presenta a bocajarro sin una editorial lo cual es perfecto para entrar sin saber que encontrarnos y recibir un bofetón en nuestras retinas. Los contenidos se dividen básicamente en dos bloques: de carácter narrativo y los anarrativos o experimentales; aunque la mayoría se mueven a medio camino de ambas tendencias. De la casi treintena de autores que participan en este número me han parecido los más destacables: Andrés Magán con una historia mínima absurda, pero rica en la línea de las aparecidas en Grisa Zono, Carlos Gonzalez Boy con unas micronarrativas basadas en la forma y la estética, el exceso en el trabajo de Diego Gerlach , Berliach con una historia sobre el rencor y la resignación, la suciedad en la historia de Abraham Díaz, lo esteta en Carles G.O’D, Martin López Lam una historia sobre la amistad y las consideraciones en torno a esta, Laura Höldein con una historia cruda, Amanda Baeza ahondado en lo experimental, Agnieszka Piksa que utiliza la fotografía como intervención en vez de ilustración y Ulli Lust con la que quizás sea la historia más narrativa de todas.

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Posiblemente  lo más interesante aparte de los gustos personales, una de las ventajas de esta publicación es que cada lector puede hacer su lista de favoritos, es la capacidad de compilar diferentes tendencias y mostrar el panorama del cómic a nivel underground de hoy día. El Kovra es una representación de la viñeta como un medio sin fronteras, desprejuiciado que deja de lado las categorías y las clasificaciones, presentando una visión del mundo única e intratable. Sin Kovra no se entiende el panorama actual del cómic a nivel internacional, un imprescindible.

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Spain is Pain #188: Dos rupturas, dos.

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Caballos muertos permanecen a un lado de la carretera (Pedro Franz). Ediciones Valientes, 2014. Rústica. 13 x 18 cm. 16 págs. B/N. 3 €

Traducciones (Inés Estrada). Ediciones Valientes, 2014. Rústica con sobrecubierta. 14,8 x 21 cm. 48 págs. B/N. 6 €.

Hoy vamos a echarle un ojo a dos títulos Caballos muertos permanecen a un lado de la carretera de Pedro Franz y Traducciones de Inés Estrada.

Caballos muertos permanecen a un lado de la carretera de Pedro Franz es una historia sobre los recuerdos  que vienen impuestos por las situaciones actuales, en este caso por una ruptura matrimonial. Esa situación desencadena una serie de recuerdos que va de los gatos que ha habido en la vida del protagonista a Elegía Roja de Seichi Hayashi. Pero no es esta la única apropiación de textos que se incluye en este breve trabajo, también encontramos referencias a Le Mépris de J.L. Godard o a la canción de Luis Enríquez Bacalov Historia de una gata.

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Entre esas intersecciones que se deben a los recuerdos personales se cuela la historia del protagonista que debe, o se ve obligado, a explicar parte de su pasado a través de aquellos textos que forman parte de su crecimiento emocional. Creando una especie de juego de espejos en los que la realidad solo puede ser contada por la relación interpersonal entre la obra que se está contando, aquella a partir de la cual se explica y los motivos que impelen a explicar dicha historia. Un trabajo narrado con sencillez, a pesar de todo lo que pone en juego, y de gran profundidad dramática que viene marcada por la apuesta estética de Pedro Franz.

Por otro la Traducciones de Inés Estrada para explicarnos una historia en tiempo presente con unos cuantos ramalazos oníricos. La protagonista es Lucia una mujer que se dedica a traducir registros médicos, lo que al parecer es lo único que le mantiene a flote a todos los niveles, ya que vive en una especie de entropía física, en un piso más bien sucio y lleno de basura.

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Traducciones se pone en valor ciertos aspectos de la vida contemporánea, todo es como una especie de puesta en realidad de  la vida contemporánea. Lucía, vive su vida postergada en un espacio vital abyecto, pero cuando visitamos de su mano el resto de su mundo parece que todo es igual. Su forma de vida no responde a una forma de respuesta contra la sociedad; es la sociedad, al menos el nicho en el que ella vive que crea esos hábitats caóticos como una forma de definirse a sí mismos. La apuesta de Inés Estrada es abiertamente feísta que desemboca en una orgía onírica.

Ambos títulos reflejan el buen estado de forma de la historieta en Mexico y Brasil, y la apuesta de Ediciones Valientes por unos títulos abiertamente rupturistas y no vinculadas a las corrientes discursivas contemporáneas.

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