El día triste, asqueroso, nada divertido y realmente malo de Superman (Dave Croatto y Tom Richmond)

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El día triste, asqueroso, nada divertido y realmente malo de Superman (Dave Croatto y Tom Richmond). ECC, 2018. Cartoné, 32 págs. Color, 9,95€.

Una de las especialidades de los autores de MAD es coger a los iconos de la cultura popular, convertirlos en seres humanos corrientes y molientes, darles unas vidas rutinarias y dejarlos que parecen el vecino gritón del 6ºD. Desde los estrenos más populares, a las series de televisión de éxito y, como no, a los superhéroes clásicos del cómic. Superman como superhéroe primigenio no podía ser menos, ya en el número 4 de la publicación satírica Harvey Kurtzman y Wally Wood creaban Superduperman en el que ya se ven alguna de las pautas de la revista a la hora de abordar estas parodias. En primer lugar, cambio de nombre, de Clark Kent a Clark Bent, le sigue cambiarla a un trabajo peor y para acabar convertirlo en su faceta de héroe en un estúpido sin par.

En El día triste, asqueroso, nada divertido y realmente malo de Superman Clark Kent sigue siendo el de siempre, sin ninguna variación, tiene el trabajo de toda la vida y sigue siendo el superhéroe de siempre. El ser un icono de la cultura y salvador varias veces de la tierra no le garantiza absolutamente nada. Va a tener un día horrible, destroza la casa sin darse cuenta, se pone el disfraz del revés, los niños no le hacen caso, se lleva las peores noticias de la redacción y sus amigos de la Liga de la justicia le ningunean. En definitiva, el día de Supes no ha sido nada super. Este título en formato apaisado en principio pensado para un público infantil, esta explicado como un cuento, no desagradará a ningún lector fan del hijo de Krypton, de hecho le provocará alguna sonrisa al ver a su superhéroe predilecto con problemas tan del día a día aplicado a su figura.

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¿Quién es el asesino? ¿Por qué lo hace? y ¿Cuál es la conexión con la víctima?

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Killing Morph vol. 1 (Masaya Hokazono y Nokuto Koike). ECC, 2018. Rústica, 200 págs. B/N, 8,95€

Killing Morph parte de convertir en un personaje que vive bajo la presión de un trauma psicológico tras haber presenciado el asesinato de varias personas por parte de un tipo enmascarado que portaba dos cuchillos. La globalización nos permite empatizar mucho más allá de los espacios interpersonales más cercanos y tener empatía por la desgracia ajena de manera que el trauma colectivo se convierte en más colectivo que nunca a base de emojis y likes. Pero no es empatía verdadera, esta te impele a moverte hacia la persona que está sufriendo para consolarla de la mejor manera que sepamos. Clicar sobre un icono no es, ni será nunca, una forma de empatía. Aun así, el trauma colectivo es posible, la sensación de miedo a que nos suceda aquello que le ha pasado a alguien siempre está ahí.

En estas cuestiones de la colectividad, aunque deberíamos de hablar de masas, los autores de manga son verdaderos expertos en crear narrativas en los que la comunidad es recreada a través de una serie de personajes muy reducidos, incluso llegando a centrar toda la personalidad nipona en un personaje. Eso teniendo en cuenta que Japón siempre es citado como el país con menos criminalidad y delincuencia callejera del mundo, la yakuza entraría en otra taxonomía del crimen. Quizás esos dos aspectos hacen de aquellos relatos japoneses que se centran en lo criminal sean tan atractivos. Aquí ese personaje colectivo es Madoka que se encuentra en mitad de la calle cuando un tipo empieza a masacrar a todo el que se encuentra por el camino, y, aunque, en primera instancia el asesino la deja de lado finalmente se dirige a asesinarla antes de que detengan al asesino.

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Madoka representa esa centralidad de la fragilidad del ser humano occidentalizado, que solo está preparado para resolver asuntos realmente intrascendentes del día a día y que no sabe resolver aquellos que realmente son necesarios para salir de una situación complicada. Madoka ha sobrevivido por causas que todavía no han sido desveladas y su trauma empieza a salir a la luz cuando empieza a aparecer la figura del asesino detenido por lugares en los que no debería, incluso lo ve ejecutar a personas en oficinas alejadas de la comisaría. En este caso el trauma de Madoka sale a la luz convirtiéndolo en colectivo, un asesino desconocido, sin aparente relación con los personajes pero que sigue apareciendo por sorpresa para seguir con su matanza allí donde la había dejado y con las personas que estaban presentes. Podemos considerar Killing Morph un relato de investigación criminal puro y duro, con los roles clásicos, víctima, policía, asesino anónimo, y con tres grandes incógnitas que resolver ¿Quién es el asesino? ¿Por qué lo hace? y ¿Cuál es la conexión con Madoka?, una historia sencilla pero muy entretenida.

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Dorohedoro vol. 5 (QHayashida)

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Dorohedoro vol. 5 (QHayashida). Ecc, 2018. Rústica, 178 págs. B/N, 9,95 €

En la entrada anterior dedicada a los cuatro primeros tomos de Dorohedoro vimos que algunas de las pautas de creación de mundo que QHayashida hacía para esta creación es de libro. En primer lugar, no hay una presentación de personajes masiva, van apareciendo poco a poco, conociendo sus motivaciones; luego vamos conociendo el entorno más cercano, lugares y personajes; y para acabar el funcionamiento de ese mundo llamado Hole, condicionantes sociales, reglas de juego con las que los personajes deben interactuar, y tratándose de una narración sujeta a cuestiones fantásticas, en este caso de magos, como afecta esto a esta sociedad ficcional.

La línea argumental principal es la de Caimán que debe investigar que mago fue el que le convirtió en un reptiloide. Esa trama sigue ahí pero el autor opta en este volumen por describirnos otros aspectos de este universo. Caimán sigue ahí, pero en este caso se convierte en una especie de host para un lector que debe de descubrir las reglas del juego de los magos. Por otro lado, está la trama de En, el mago más reputado de la ciudad, que en este volumen empieza a tomar forma su línea argumental: encontrar un mago que sea capaz de controlar el tiempo. Ambas tramas se cruzan en un festival en el que los magos deben de encontrar una pareja, como acompañante de aventuras, en una relación simbiótica en la que ambos vean potenciados sus poderes. Vemos que el mundo de los magos es cruel y duro, que se mata y se muere por conseguir la pareja adecuada.

Mientras todo eso sucede, a diferencia de muchos mangas comerciales, el tiempo narrativo no es acelerado deja pasar el tiempo en la medida de lo necesario. El estilo gráfico sigue siendo potente y el diseño de personajes, la aparición de nuevos, sigue siendo muy atractivo. Dorohedoro es uno de esos mangas que funciona en el boca a boca, tiene personajes hiperatractivos pero el conjunto es más que satisfactorio, desde los protagonistas a los secundarios que funcionan como un reloj, al diseño de escenarios. Es uno de los mangas a los que hay que darle una buena oportunidad.

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He-Man y los Masters del Universo: colección de minicómics Vol. 02 (VVAA)

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He-Man y los Masters del Universo: colección de minicómics Vol. 02 (VVAA). ECC, 2018. Cartoné, 272 págs. Color, 27€

La década de los ochenta fue la edad de oro de los productos franquiciados destinados para un público infantil. La idea consistía en crear un producto transversal que se pudiera consumir a través de diferentes plataformas, estos solían tener como elemento central una figura de acción producida por alguna de las grandes empresas del sector (Mattel, Hasbro, etc.) y utilizaban principalmente lo cómics y las series de animación para televisión como plataformas no solo de expansión sino también de promoción del producto en cuestión. Los encargados de realizar la primera labor fue, casi siempre, Marvel, y el de la segunda, Filmation.

El caso de He-Man y los Masters del Universo no fue distinto al de G.I. Joe, Transformers o My Little Pony; todas de la competencia en la industria juguetera. Sin embargo, los productos, juguetes y complementos MOTU, gozaron de una herramienta que se convirtió en una especie de paradigma. Aparte de los productos de promoción externos al juguete que trataban de darle una narratividad a un objeto inanimado, en Mattel decidieron incluir dentro de los blisters de las figuras un minicómic en el cual se ilustraba las aventuras de los personajes, convirtiendo la misma compra en otro objeto de propmoción. Ya que aparte de la descripción del personaje que suele aparecer en este packaging, y que suele aportar un primer nivel de narratividad, este formato de tebeo incluía aventuras no solo del personaje con el que aparecía el cómic sino de otros, siempre eran aventuras colectivas en las que aparecían varios caracteres de la colección por lo que se convertía en un incentivo para la compra de más figuras.

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He-Man y los Masters del Universo: colección de minicómics, es una recopilación de estas historietas, un producto decididamente para nostálgicos, coleccionistas e investigadores de la cultura popular. Recordemos que He-Man fue uno de los personajes más famosos entre los niños de la época, en España llego a existir un club oficial de amigos, por la cantidad de personajes que se desarrollaban, los escenarios y vehículos que tenían, muy por encima de otras franquicias. Lo dicho, buen cómic para aquellos que disfrutaron haciendo pelear con sus manos al príncipe Adam y que disfrutan de la nostalgia del pasado.

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La guerra de Paul Nash


cubierta_black_dogBlack Dog. Los sueños de Paul Nash (Dave McKean). ECC, 2018. Cartoné, 120 págs. Color, 17,95 €

Los relatos sobre conflictos bélicos suelen pasar por una serie de filtros previos en los que se decide que función va a cumplir la obra en cuestión. Dichos filtros pueden ser básicamente cuatro. El primero es el antibélico para aquellas historias que deciden explicitar lo cruel y lo inútil que es una guerra para todos y de cómo solo obtienen beneficios unos cuantos. El segundo seria el relato de acción y aventura en el que el conflicto en cuestión es un escenario que dota al guionista un reguero de lugares y conocidos. Le sigue aquellos que buscan ilustrar sobre un conflicto en cuestión y tienen como función principal documentar el conflicto en cuestión con una ficcionalización mínima. Y para acabar aquellos que buscan ensalzar una figura histórica, alguna identidad nacional o resaltar ciertos valores militares.

Por otro lado, las obras de ficción que se centran en una figura histórica, en el caso que nos ocupa un pintor, caminan a medio camino entre la biografía pura y dura y la intersección de esta con algunos guiños al trabajo de este. Otras obras sitúan a estos en un contexto meramente ficcional. Con estos preliminares podemos suponer que el trabajo realizado por Dave McKean para 14-18 NOW, programa artístico para la memoria de la I Guerra Mundial, sobre el pintor Paul Nash. Nash conocido por sus influencias surrealistas y de Giorgio de Chirico fue uno de los miles de británicos que fue a combatir en ese conflicto. Eso ya nos plantea una perspectiva totalmente diferente a las anteriormente planteadas, empezando por el autor; Dave McKean es un autor de cómic básicamente pictórico en su vertiente más experimental, y aun así debe mantener ciertos rasgos en los que dentro de ese juego que establece se mantenga una narratividad visual que no siempre este anclada a lo textual. Por otro lado, está el conflicto bélico y el personaje retratado, o mejor dicho su forma de percibir el mundo.

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En ese tránsito creativo, el hecho, la influencia de la obra del personaje retratado y este último tienen que conjugarse para crear una obra personal del autor inglés sin que esta pierda sus rasgos principales. McKean mantiene el relato surrealista que le caracteriza manteniendo las estructuras visuales de Nash, incluso los colores, la descripción del personaje o más bien su psique. La representación del conflicto pasa más por mostrar la digresión interior de Nash que las desgracias de la guerra de manera cruda. McKean se parapeta en su forma de entender el arte del cómic y de la visión de Nash sobre la misma. Para ello la narración no recurre de manera cronológica sino a diferentes estados de ánimo del pintor inglés. Estos son en muchas ocasiones ensoñaciones y pesadillas en las que un perro negro, el que da título al libro, representa los miedos de Nash o malas premoniciones.

Black Dog. Los sueños de Paul Nash es una obra que busca reclamar la atención sobre la importancia de la forma en el cómic y de la interacción que este entra con otras artes, desmintiéndolo como un medio aislado. McKean traza una delgada línea entre su estilo y el de Nash que bordea ante todo lo onírico siendo la guerra una pesadilla de la que tanto a él como a sus compañeros de trincheras no acaban de escabullirse. Pero ante todo es un libro para sumergirse, para contemplar una páginas plenas que funcionan en ocasiones como cuadros, conteniendo una historia plena pero que conjuga con el resto de páginas.

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El bueno de Shun Umezawa

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Con uno y noventa y nueve Vol. 1 (Shun Umezawa). ECC, 2018. Rústica, 256 págs. B/N, 9,95€

Desde que ECC se decidiera a publicar la obra de Shun Umezawa he sentido una atracción especial por el trabajo de este autor japonés. Si por un lado el cinismo que desprende es realmente descorazonador por otro la capacidad de mostrar ciertos tics de la sociedad japonesa contemporánea con total crudeza me fascina. A este no le hacen falta crear entornos fantásticos, ni tampoco narrativas transversales que atraviesen ese territorio como un gran guiño a la industria. Los personajes son por lo general perdedores, que no buscan redención alguna y que en relatos tan breves tampoco consiguen una evolución dramática tan grande como para conseguir un gran cambio. Más bien acaban en el punto de partida.

Ese es otro elemento distintivo de Umezawa, crea grandes circunloquios basados en los tópicos de la sociedad colectiva japonesa, todo para desmentirlos mostrándonos una sociedad prefabricada ultracapitalista y que la occidentalización salvaje le ha hecho perder los rasgos propios para adaptar otros ajenos. Y ahí entran los cínicos, seres egoístas que nos muestran esas falsedades que construyen esa nación en la actualidad. Nos hablan de la vacuidad de las acciones que llevan a cabo el resto de los personajes, y estos últimos a pesar de que no vayan a salirse de esa línea marcada por la sociedad en algún momento deciden dejarse llevar.

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El primer volumen de Con uno y noventa y nueve está compuesto por cinco relatos partidos en dos partes. El primero “Del alba del mar a mediodía” tiene lugar en un instituto prototípico, pero Umezawa se centra en aquellos personajes que no representan lo políticamente correcto, un grupo de acosadores, un profesor saliendo con una menor, una chica que se dedicaba a la prostitución y Ujiie un tipo del montón experto en fastidiar al grupo este tiene plena conciencia de que su actitud no lo llevará a ninguna parte, de hecho, cree que, en el futuro, posiblemente asesinará a alguien. En “Sobredosis” un mafioso con la altura de un niño de 10 años toma bajo su protección a una mujer joven que trabaja en una barra americana. Esto que en principio parece algo que le pueda servir de redención no es más que un capricho pasajero. “Rondo Pop” habla del culto a los cantantes de J- Pop con una serie de microrrelatos fragmentados en los que vemos como esa construcción de la música comercial es adoptada por muchos como una religión desde estudiantes o asesinos. Pero es “How to go”, en dos partes, el relato más Umezawa un tipo que escribe falsos relatos de investigación para una revista erótica está casado y esperando un hijo, sin demasiado ánimo. Y acosado por su suegra. Un día cualquiera ve como una encargada de supermercado le está echando una bronca a su empleado y decide golpear a la jefa, a partir de ahí emprenden una desenfrenada huida llena de sexo, violencia y atracos.

Al igual que las entregas anteriores publicadas por Ecc, Shun Umezawa no deja indiferente, si por un lado la crítica a la pseudolibertad es feroz por otro lado se respira cierto aire libertario. Aunque el respeto a las libertades individuales es tan criticado como el de sociedad-enjambre. Los que proclaman la libertad son también esclavos de su forma de vida impuesto por ellos mismos. Estos son una construcción elaborada de si mismos. En definitiva, otro notable ejemplo del nuevo realismo japonés en el manga contemporáneo, que en vez de mirar a los géneros clásicos decide hacerlo al interior de sus conciudadanos para poder crear relatos muy atractivos, sobre todo desde el ámbito sociológico.

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Jack Kirby – Centenario (VVAA)

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Jack Kirby – Centenario (VVAA). ECC, 2018. Cartoné, 192 págs. Color,19,50 €

Jack Kirby pasa por ser uno de los padres del cómic de superhéroes contemporáneo, seguramente el más importante de todos dentro de este género. Algunos de los lectores de este medio, sobre todo Marvelitas, gritarán “¡Excelsior!!” con los brazos extendidos al cielo pensado en el omnipresente Stan Lee. Sin faltarle el respeto al hombre que levanto Marvel a nivel mercadotécnico la influencia de Kirby es mucho más amplia y transversal. No solo es reconocido por los lectores del cómic superheroico, sino que también por lectores y creadores de todo tipo de cómic. Y es que su relato autoral pasa por cierta reformulación estética y de lenguaje que pasa por la pura experimentación. Algo raro en un tipo de publicación básicamente mainstream.

Este volumen recopila una serie de homenajes que tvuieron lugar a lo largo de 2017 por el centenario del nacimiento del genio en forma de especiales. Todos centrados en las creaciones del mejor Kirby: Los nuevos dioses, El cuarto Mundo, The Demon, Mr. Milagro, su visión de Sandman y de Manhunter. Homenaje que se centra en los tópicos del autor neoyorquino, narrativas épicas y dramáticas y una composición de página épica, atrevida y grandilocuente, lo necesario para que el lector se pierda entre los dibujos. Los autores que participan en estos especiales son al guion: Dan Jurgens, Dan DiDio, Howard Chaykin, Keith Giffen, Mark Evanier, Mark Buckingham, Paul Levitz, Reginald Hudlin, Sam Humphries, Shane Davis, Steve Orlando y Walter Simonson encargándose de los lápices: Denys Cowan, Howard Chaykin, Jon Bogdanove, Mark Buckingham, Michelle Delecki, Phil Hester, Rick Leonardi, Ryan Benjamin, Scott Kolins, Shane Davis, Steve Rude y Walter Simonson. Todo para hacer las delicias de los seguidores del Rey.

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Jack Kirby – Centenario es una buena oportunidad para recuperar algunos de los personajes más interesantes de la DC menos comercial y quizás la más interesante. Sirve a modo de introducción para aquellos que desconozcan gran parte del legado de Kirby todos los relatos mantienen la esencia de los personajes tanto a nivel estético como discursivo. Cierto es que los parámetros con los que Kirby creaba sus personajes y sus cómics están muy apartados de los contemporáneos, pero siempre puede ser un buen acicate para empezar a leer o releer, para los más veteranos a uno de los pocos autores que podemos denominar como imprescindibles.

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