El bueno de Shun Umezawa

sobrecubierta_con_uno_y_noventa_y_nueve_WEB

Con uno y noventa y nueve Vol. 1 (Shun Umezawa). ECC, 2018. Rústica, 256 págs. B/N, 9,95€

Desde que ECC se decidiera a publicar la obra de Shun Umezawa he sentido una atracción especial por el trabajo de este autor japonés. Si por un lado el cinismo que desprende es realmente descorazonador por otro la capacidad de mostrar ciertos tics de la sociedad japonesa contemporánea con total crudeza me fascina. A este no le hacen falta crear entornos fantásticos, ni tampoco narrativas transversales que atraviesen ese territorio como un gran guiño a la industria. Los personajes son por lo general perdedores, que no buscan redención alguna y que en relatos tan breves tampoco consiguen una evolución dramática tan grande como para conseguir un gran cambio. Más bien acaban en el punto de partida.

Ese es otro elemento distintivo de Umezawa, crea grandes circunloquios basados en los tópicos de la sociedad colectiva japonesa, todo para desmentirlos mostrándonos una sociedad prefabricada ultracapitalista y que la occidentalización salvaje le ha hecho perder los rasgos propios para adaptar otros ajenos. Y ahí entran los cínicos, seres egoístas que nos muestran esas falsedades que construyen esa nación en la actualidad. Nos hablan de la vacuidad de las acciones que llevan a cabo el resto de los personajes, y estos últimos a pesar de que no vayan a salirse de esa línea marcada por la sociedad en algún momento deciden dejarse llevar.

Con-uno-y-noventa-y-nueve-1-img3

El primer volumen de Con uno y noventa y nueve está compuesto por cinco relatos partidos en dos partes. El primero “Del alba del mar a mediodía” tiene lugar en un instituto prototípico, pero Umezawa se centra en aquellos personajes que no representan lo políticamente correcto, un grupo de acosadores, un profesor saliendo con una menor, una chica que se dedicaba a la prostitución y Ujiie un tipo del montón experto en fastidiar al grupo este tiene plena conciencia de que su actitud no lo llevará a ninguna parte, de hecho, cree que, en el futuro, posiblemente asesinará a alguien. En “Sobredosis” un mafioso con la altura de un niño de 10 años toma bajo su protección a una mujer joven que trabaja en una barra americana. Esto que en principio parece algo que le pueda servir de redención no es más que un capricho pasajero. “Rondo Pop” habla del culto a los cantantes de J- Pop con una serie de microrrelatos fragmentados en los que vemos como esa construcción de la música comercial es adoptada por muchos como una religión desde estudiantes o asesinos. Pero es “How to go”, en dos partes, el relato más Umezawa un tipo que escribe falsos relatos de investigación para una revista erótica está casado y esperando un hijo, sin demasiado ánimo. Y acosado por su suegra. Un día cualquiera ve como una encargada de supermercado le está echando una bronca a su empleado y decide golpear a la jefa, a partir de ahí emprenden una desenfrenada huida llena de sexo, violencia y atracos.

Al igual que las entregas anteriores publicadas por Ecc, Shun Umezawa no deja indiferente, si por un lado la crítica a la pseudolibertad es feroz por otro lado se respira cierto aire libertario. Aunque el respeto a las libertades individuales es tan criticado como el de sociedad-enjambre. Los que proclaman la libertad son también esclavos de su forma de vida impuesto por ellos mismos. Estos son una construcción elaborada de si mismos. En definitiva, otro notable ejemplo del nuevo realismo japonés en el manga contemporáneo, que en vez de mirar a los géneros clásicos decide hacerlo al interior de sus conciudadanos para poder crear relatos muy atractivos, sobre todo desde el ámbito sociológico.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Anuncios

Jack Kirby – Centenario (VVAA)

cubierta_jack_kirby_centenario_WEB.jpg

Jack Kirby – Centenario (VVAA). ECC, 2018. Cartoné, 192 págs. Color,19,50 €

Jack Kirby pasa por ser uno de los padres del cómic de superhéroes contemporáneo, seguramente el más importante de todos dentro de este género. Algunos de los lectores de este medio, sobre todo Marvelitas, gritarán “¡Excelsior!!” con los brazos extendidos al cielo pensado en el omnipresente Stan Lee. Sin faltarle el respeto al hombre que levanto Marvel a nivel mercadotécnico la influencia de Kirby es mucho más amplia y transversal. No solo es reconocido por los lectores del cómic superheroico, sino que también por lectores y creadores de todo tipo de cómic. Y es que su relato autoral pasa por cierta reformulación estética y de lenguaje que pasa por la pura experimentación. Algo raro en un tipo de publicación básicamente mainstream.

Este volumen recopila una serie de homenajes que tvuieron lugar a lo largo de 2017 por el centenario del nacimiento del genio en forma de especiales. Todos centrados en las creaciones del mejor Kirby: Los nuevos dioses, El cuarto Mundo, The Demon, Mr. Milagro, su visión de Sandman y de Manhunter. Homenaje que se centra en los tópicos del autor neoyorquino, narrativas épicas y dramáticas y una composición de página épica, atrevida y grandilocuente, lo necesario para que el lector se pierda entre los dibujos. Los autores que participan en estos especiales son al guion: Dan Jurgens, Dan DiDio, Howard Chaykin, Keith Giffen, Mark Evanier, Mark Buckingham, Paul Levitz, Reginald Hudlin, Sam Humphries, Shane Davis, Steve Orlando y Walter Simonson encargándose de los lápices: Denys Cowan, Howard Chaykin, Jon Bogdanove, Mark Buckingham, Michelle Delecki, Phil Hester, Rick Leonardi, Ryan Benjamin, Scott Kolins, Shane Davis, Steve Rude y Walter Simonson. Todo para hacer las delicias de los seguidores del Rey.

kirby-darkseid

Jack Kirby – Centenario es una buena oportunidad para recuperar algunos de los personajes más interesantes de la DC menos comercial y quizás la más interesante. Sirve a modo de introducción para aquellos que desconozcan gran parte del legado de Kirby todos los relatos mantienen la esencia de los personajes tanto a nivel estético como discursivo. Cierto es que los parámetros con los que Kirby creaba sus personajes y sus cómics están muy apartados de los contemporáneos, pero siempre puede ser un buen acicate para empezar a leer o releer, para los más veteranos a uno de los pocos autores que podemos denominar como imprescindibles.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Ciudades de magos

Dorohedoro vols. 1-5 (Q-Hayashida). ECC, 2018. Rústica, 160-178 págs. c/u. B/N y color, 9,95€

El manga de principios de siglo todavía mantiene ciertos aspectos narrativos pertenecientes a la década de los noventa que pasan por cierta formulación del universo y los escenarios pasando por cierto desparpajo en los personajes propuestos, tramas que hacen crecer ese mundo de ficción de manera sostenible, a pesar de que a veces pueda parecer improvisado pero que acababa convirtiéndose en un relato mundo más coherente que muchos tebeos nipones actuales. Los noventa grosso modo planteaban un discurso divido entre el megaéxito que fue Dragon Ball, los universos megatecnológicos de Masamune Shirow, ¡comedias tipo Oh! My Godess, hasta los mangas para adolescentes salidorros de Masakazu Katsura. Éxitos a nivel nacional que fueron los primeros en romper el mercado occidental.

Lo que viene en los primeros años del siglo XXI es una especie de mixtura, todos los géneros mantienen sus pautas narrativas, pero siguen resonando el desparpajo de la década anterior, pero consolidando universos que pueden dar para largo. Eso sin olvidar cierto sentido de lo cómico dejando de lado cierta trascendencia y sin tomarse en serio así mismas. Dorohedoro de Q-Hayashida entra perfectamente en esta categoría a través de los protagonistas principales, el más importante Hole, la ciudad donde se desarrolla la acción de este título. Se trata de una metrópolis a la que van los magos a realizar su periodo de pruebas sobre los ciudadanos que la pueblan. Uno de estos es Caimán, el protagonista principal, o mejor dicho aquel que nos introduce en las mecánicas sociales de Hole.

dorohedoro 6

 Caimán es un reptil con forma humanoide que se dedica a matar a los magos con los que se encuentra, pero previamente les atrapa la cabeza para preguntarles que les ha dicho el hombre que lleva dentro, dicho procedimiento tiene como fin saber que mago le indujo a dicha forma. El primer asesinato que cometerá dará lugar a la línea narrativa de un antagonista, mago y que nos introducirá a la pléyade de magos que forman el otro grupo de protagonistas-antagonistas. Estos están encabezados por En, especializado en hongos buscaran vengarse de Caimán y conocer su origen. A Caimán le acompaña Nikaido, una exmaga que poco a poco va descubriéndose como un gran personaje aparte de llenar la panza del reptil de Gyozas.

No son solo las narrativas que rodean a los personajes lo que hacen atractivo a este manga sino las situaciones que ayudan a redondearlos: una competición de matar zombies el día de los muertos, un partido de béisbol, las incursiones de Caimán a la ciudad de los magos. Eso y un apartado gráfico apabullante que en las páginas a color resulta sencillamente rompedor. Dorohedoro son de esos mangas que en un principio pasan desapercibidos, el tárget no está muy claro, para lectores de manga de primera hornada o para los más jóvenes? Una vez superado ese escollo se convierte en una lectura muy gratificante y divertida.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Nuevo realismo japonés

sobrecubierta_PROVISIONAL_holiday_junction

Holiday Junction (Keigo Shinzo) ECC, 2018. Rústica, 192 págs. B/N, 8,95 €

Taiyo Matsumoto, Inio Asano o Shun Umezawa son de esos autores que navegan por el océano del manga de diferente manera a la que lo hacen los autores comerciales o que tienen cierta popularidad en función del género que cultivan. Todo estos mangakas se caracterizan por mostrarnos una visión de la sociedad japonesa un tanto distanciada de las formulas de la narración social del manga comercial; desde el toque a veces fantástico a veces distorsionado, a nivel estético, de Matsumoto; el desencanto de la juventud nipona en el trabajo de Asano o la crítica social y política a los valores sociales preestablecidos por la sociedad japonesa desde un punto de vista cínica.

La publicación de Holiday Junction nos presenta a otro autor que aborda desde una visión personal otro punto de vista sobre la distorsión mediática que tenemos de la sociedad japonesa. En este caso Keigo Shinzo nos aporta una focalización cercana a la de Umezawa, relatos cortos que profundizan en algunos de los tabús de los japoneses las relaciones personales, más o menos íntimas, ya sean de carácter sentimental o de amistad. Shinzo se basa en las relaciones de distancias cortas: familiares, vecinos, con mascotas, de pareja o aquellas relaciones más o menos instantes que tan solo duran un momento. La exploración de la proximidad personal se convierte en el hilo narrativo, a veces con grandes finales y a veces sin ellos, contando, tan solo, un fragmento de la vida de estos.

bigcomicoriginal-godzilla-441

En “De vacaciones” dos amigos se encuentran después de mucho tiempo, uno desempleado y el otro con trabajo y con una perspectiva de vida prospera. Ambos establecen un dialogo donde lo que no se dice es más importante que aquello que se vocaliza. El aspecto, la salud dental, quien paga las comidas, o algo tan sencillo como quien tiene coche y conduce. En “El hermanito y su hermanita” se ponen en juego ciertos aspectos como la masculinidad y los roles de género a través de una hermana mangaka y un hermano amante del deporte pero que luego se dedica a jugar con muñecas. “Detesto a las mujeres guapas” es posiblemente el relato más conflictivo en el que un vecino veinteañero invita a una vecina que todavía cursa primaria a un concierto de grupo punk. La situación, lejos de algo puntual, se convierte en una cita en la que ninguno de los dos sabe que pinta ahí. “Godzilla Couple” el más anecdótico y divertido, una pareja tiene relaciones sexuales mientras que Godzilla ataca la ciudad, un canto al amor desesperado y pasional. “El señor Matsuda en el estanque” es una variante del tercer cuento, pero en este caso sin planificación un señor mayor aupado por un pronóstico positivo de su horóscopo decide meterle cuello a una mujer joven que también va a pescar allí, la diferencia generacional y las prioridades personales de cada uno hace que no se encuentren en ese momento.”¡Ánimo, Yoichi!” es una visión sobre esa obligación de la cultura nipona del esfuerzo continuo aplicada a cualquier actividad, incluso aquellas consideradas de ocio. Yoichi es un niño que practica triatlón más por el padre que por él, más por lo que se le supone (quiere entrar en el podio) que por su interés real. A medida que la prueba se va desarrollando el niño se va desinflando y la obligación va dejando paso a la necesidad. El último relato “Un año en la vida de Bun-Chan, un gato doméstico”, narra la vida solitaria de un gato tras morir el dueño, mientras que el alimentador automático sigue llamando al gato para que acuda a un comedero vacio.

Keigo Shinzo, nos plantea esa cercanía hacia la sociedad japonesa desde temas muy cercanos, universales, pero que se construyen como algo ajeno a nosotros. La propia cultura nipona como un elemento que causa extrañeza en nosotros pero que Shinzo sabe acercar a un público internacional. El relato corto que tiene la propia sociedad japonesa como tema central se está convirtiendo en una de las sorpresas del año a nivel nacional, todo alejado de los fantástico y de las formulas preestablecidas de la industria del manga. Holiday Junction es un manga perteneciente a ese nuevo realismo en el manga, en el que no hay cortapisas a la hora de hablar de cualquier tema, por tabú que sea.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

New Girl in Town

madre_panico1

Madre Pánico (Jody Houser, Shawn Crystal y Tommy Lee Edwards). ECC, 2018. Rústica, 176 págs. Color,  15,95€.

La introducción de un personaje nuevo en un universo tan consolidado como el del Caballero Oscuro de Gotham, suele ser algo complicado. Grosso modo podríamos establecer tres grandes líneas de introducción de personajes: la primera sería la de incluir un nuevo villano de turno que le complica la vida al vigilante en un arco argumental completo y que luego ira apareciendo regularmente; la segunda es darle protagonismo a un personaje que aparece en tercer plano de manera regular y se decide llevarlo a un primer plano; y la última puede ser un personaje que ha tenido una relación tangencial con un héroe o un villano, en forma de rescatado o víctima, y empieza a tomar forma cuando es recuperado.

Es poco habitual que entren personajes con una personalidad fuerte y estable que vienen de la nada o que anteriormente no tengan ningún tipo de vínculo con el universo en cuestión. El caso de Madre Pánico, publicada en el sello Young Animal de la editorial americana, es una apuesta fuerte por parte de DC para la introducción de un personaje complejo en universo conformado completamente. Tan solo falta ubicar a la nueva heroína dentro de un entorno reconocible, en este caso Gotham, y hacer aparecer unos personajes que vinculen los dos elementos anteriores, aquí son Batman y Batwoman, que tienen apariciones esporádicas.

mother 2

El resto corre a cargo de Jody Houser, la creación de un nuevo contexto dentro del Gotam de siempre, nuevos villanos y, lo que es más importante, adaptar a los personajes al siglo XXI. En cierta manera Madre Pánico es un personaje totalmente opuesto Batman. Bruce Wayne sigue siendo bastante estanco en su representación soltero de oro, aunque en su alter ego nocturno haya tenido unos cuantos giros hacia la oscuridad mucho más interesante. Los villanos que aparecen son más deudores de la tradición pulp que de los nuevos tiempos. Por su lado Violet Paige es una celebrity contemporánea, es una mujer joven, controvertida, perseguida por la prensa rosa, bisexual y no tiene miedo a enfrentarse a aquellos que la atacan en su vida social. Madre Pánico surge como una extensión del personaje, desaparece la bipolaridad Wayne/Batman la relación personaje/heroína es mucho más directa.

Lo bueno de Madre Pánico es que no es una más de esas explotaciones de universo que no tienen mucho sentido y que solo buscan saturar el mercado. El trabajo de Houser pasa por escuchar a la sociedad del momento y crear una superheroina a la medida de nuestra sociedad para un público mucho más joven. De camino replantea algunas cuestiones de género y de autocuestionamiento sobre la heroicidad en nuestros tiempos. Lo interesante va a ser ver la evolución del personaje y de los villanos a los que tiene que va a tener que combatir en el futuro. Gran parte de este volumen consiste no solo en presentarla a ella sino a ellos, y quizás ese sea el punto más flojo de este título, se centra demasiado en el relato de orígenes, explica demasiado e insinúa poco. Es decir, todo demasiado cerrado, aunque eso forma parte, también de la actualización del relato, los nuevos lectores buscan obras mucho más contenidas que expansivas. A pesar de todo, Madre Pánico es un soplo de aire fresco dentro del universo de Batman, una mirada que hasta cierto punto es necesaria para poder airear Gotham.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Make inu

divorcio 1.jpg

El club del divorcio (Kazuo Kamimura). ECC, 2017. Rustica, 504 págs. B/N, 25 €

La curva M, que consiste en empezar a trabajar entre los 20 y los 24 años, después casarse y dejar de trabajar para dedicarse a la familia y volver al trabajo de nuevo cuando los hijos son mayores, entre los 45 y los 49 años de edad. Sin embargo, a partir de la década de los 90 las mujeres retrasan la edad de casarse en pos de una carrera profesional de acorde con sus estudios, a éstas se les conoce como career woman, aunque también reciben, de manera figurada, el nombre de make inu (perras perdedoras) porque son mujeres que han encontrado la felicidad dedicándose a su trabajo, pero son rechazadas e incomprendidas por la sociedad japonesa.

Dentro de lo que podemos considerar sociedades occidentalizadas en Asia el caso japonés es uno muy especial en el que a pesar de haber avanzado en ciertas cuestiones sociales la mujer sigue cargando con ciertos estigmas. Creo que los dos autores que mejor han sabido representar la situación de la mujer en este país asiático son el realizador Mikio Naruse en el que plantea siempre protagonistas femeninas en entornos básicamente masculinos llegando a tratar, en una temprana posguerra, temas como el aborto en su film La voz de la Montaña (1954).

divorcio 2

El otro es que nos ocupa hoy en esta entrada, Kazuo Kamimura. Este tiene una capacidad de mostrar el enfrentamiento entre la voluntad de la mujer japonesa en la década de los setenta. Yuko es una mujer de 25 años divorciada que regenta un local de acompañantes femeninas, siendo la gran mayoría de estas también divorciadas. El local en cuestión no es un espacio construido a modo del gineceo griego, sino que es un lugar en el que las mujeres intentan sobrevivir emocionalmente al discurso social impuesto de la mujer, por el cual esta se debe de casar tener hijos y cumplir con la dichosa curva M de la sociedad nipona. Pero las mujeres que perviven en este local son algo más que unas supervivientes, han decidido saltarse dichas normas y empoderarse casi por el único camino que les quedaba, explotando su cuerpo. Esa es la única manera que les queda de salir del circuito cerrado del matrimonio planteado como la típica salida que pudiese tener una mujer en ese momento. Kamimura relata la historia de estas mujeres a través de Yuko como una mujer fuerte de cara al público pero con sus debilidades personales en el ámbito más interno: su ex marido, su hija, su madre o el camarero del local con el que tiene un romance atípico; definen a un personaje que a pesar de sus dudas es fuerte y duro que a su vez representa la perseverancia y la constancia japonesa.

El club del divorcio es una obra singular de un momento muy determinado de la historia de un país, la podríamos definir con una temporalidad definida y localista. Lamentablemente no es así el autor hace una obra atemporal y en ese regionalismo anotado en las formas y costumbres de los personajes reside la fuerza para crear unos personajes que se escapan de cualquier límite fronterizo. Yuko son todas aquellas mujeres que en cierta manera deciden salirse de los esquemas planteados para ellas y que escogen un camino, el que sea, en el que puedan ser libres, elegir y aprender de los errores propios. Posiblemente es uno de los mejores mangas publicados en décadas y de lectura obligatoria para cualquier amante del cómic.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Héléna (Jim y Lounis Chabane)

helena1

Héléna (Jim y Lounis Chabane). ECC, 2017. Cartoné, 160 págs. Color, 16,95 €

El amor como obsesión o el amor hiperromántico parece ser uno de los próximos mitos a redefinir por la sociedad contemporánea. Este, a pesar de la idealización a través de la ficción y la cultura popular, quizás tenga más de obsesión que de enamoramiento. Héléna parte de un planteamiento que cuestiona las vías a través de las cuales una persona se enamora o siente cierta vinculación por otra persona. Pero aquí el punto de partida no es de un sentimiento compartido sino de uno solitario hacia otra persona. El protagonista, Simón, es un hombre entorno a la treintena que ha vivido toda la vida con un sentimiento de enamoramiento obsesivo por Héléna, la cual no recuerda ni su nombre. La compulsión enamoradiza que el protagonista siente por esta mujer le lleva a dejar a la madre de su hijo plantada en el altar.

Pero ¿quién es Simón? un tipo que parece que no ha conseguido nada en la vida, vive desconectado de los padres, incapaz de tener amigos, parece que solo le queda uno, y sin apenas personalidad. En un alarde, casi de reconocimiento de esos aspectos propios decide proponerle a Héléna pagarle a 1.000 € por pasar tres horas por las tardes todos lo jueves, pero sin sexo de por medio. La idea de Simón es que va a convencerla para que ella se enamore de él. Evidentemente el plan falla, ella esta por echar el rato y por el dinero, sin más sentimientos de por medio no accede a enamorarse como el pretende que sea dicho intercambio. La idea transversal de este volumen es bastante clara, el amor es en cierta manera una obligación social y no solo eso, la pareja ha de cumplir una serie de requisitos como si se tratase de una lista de la compra.

 

helena 2

Los autores de Héléne parece que quieren construir una oda al amor platónico con vertientes psicopáticas. El lector tiene siempre claro que al final Simón no va a conseguir su objetivo, pero el relato como viaje ficcional esta elaborado como un tour de force para saber hasta donde es capaz de llegar este tipo por conseguir el cariño de una mujer. Bien podría decirse que con el dinero de por medio ella esta jugando con él, pero es el mismo el que se engaña. Jim y Lounis Chabane apuestan por retratar un panorama contemporáneo de las relaciones humanas en las que las personas parecen tener que apagar necesidades propias sin importar las ajenas. Simón es un personaje paradigmático a medio camino entre las antiguas másculinidades y las nuevas, pero que parece dejarse atrapar por las primeras.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo