Spain is Pain #282: Lo mejor de 2016.

El año nuevo se viene el año viejo se va, y por estas fechas, como siempre empiezan a aparecer las listas de lo más reseñable del año en diferentes ámbitos de la cultura. Como siempre en Spain is Pain nos ocupamos de aquellos tebeos que a nivel nacional podemos considerar como más interesantes por un aspecto u otro. Este año en cuestión podemos encontrar dos grandes bloques: uno en el que la experimentación está en primer plano y otro en el que las narrativas más clásicas explotan al máximo sus recursos. Como me ha sido imposible cerrar una lista de 10 obras he cerrado una de 15 imprescindibles, es decir, un buen año para la viñeta (y en lo personal también).

P.D.- Y recuerden, las listas son siempre subjetivas.

  1. Sirio (Fulgencio Pimentel) / Gialla (Ediciones Valientes) de Martín López Lam

Este es el díptico imprescindible de 2016, Martín López Lam explora la relación entre el autor y el lector, convirtiéndola en íntima y optando por un punto de vista subjetivo para convertir a la audiencia en protagonista. Imprescindibles.

  1. Vip (Penguin Random House) de Felipe Almendros

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Felipe almendros sigue con la exploración de su yo artístico y su yo ficcional en un volumen monumental, directo y retórico. Un trabajo en el que el énfasis de la lectura se sitúa en espacios que exploran la relación y la influencia de la obra de ficción tanto para el autor como para el lector. El CD que lo acompaña es maravilloso.

  1. Gran bola de helado (Apa-Apa) de Conxita Herrero

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Un trabajo diferente, aquí la autora vuelve a ser protagonista, pero en un entramado de formas y colores que aspira a trascender al mero relato narrativo. Gran bola de helado es ante todo una obra sinestésica que se debe leer, degustar y sobre todo respirar al ritmo que esta te marque.

  1. Hopper (Autopublicado en TumblR) de Felipe H. Navarro

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Felipe H. Navarro es un autor que evoluciona rápido y en Hopper parece cristalizan todos aquellos elementos que hacen grande a este creador. Este work in progress nos habla de una idea un concepto, el que da título a la obra, que muta en función del relato que se nos narra en ese momento. El formato vinculado a la plataforma nos regala una idea de viñeta-lienzo impagable. Amigos editores ¿para cuándo una edición en formato físico?

  1. Materia (Astiberri) de Antonio Hitos

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Antonio Hitos en su último trabajo hace una aproximación holística y conceptual a nuestro mundo poniendo de relieve y cuestionando algunos de los pilares básicos de la sociedad contemporánea a través del relativismo. Mucho menos críptico que en su obra interior pero más perverso en la forma de elaborar el discurso. Un trabajo imprescindible para comprender la evolución de un autor que aspira a la simplicidad estética.

  1. Hoodo Voodo (Fosfatina) de VVAA

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En una obra colectiva de este calibre es difícil hablar de un creador en concreto, y más en este caso. La gente de Fosfatina se saca de la manga una serie de autores que trabajan al margen de la estética mainstream del cómic. Título fundamental para entender los desarrollos del cómic de vanguardia.

  1. Los dientes de la eternidad (Norma Editorial) de Jorge García y Gustavo Rico

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Jorge García y Gustavo Rico se sacan de la manga una obra sobre la épica vikinga clásica en un contexto visual innovador y rompedor. La magia consiste en no hacer que esas dos ideas choquen, y lo consiguen. El resultado una de las representaciones más preclaras de del Valhalla.

  1. El ala rota (Norma Editorial) de Antonio Altarriba y Kim

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Un relato que cuenta cómo ningún otro la soledad y ostracismo en el que han vivido las mujeres en España durante más de medio siglo. La paracuela de El arte de volar constituye una obra más depurada que su predecesora, más crítica con el sistema de valores del catolicismo español, pero sobre todo por ser una obra que no se basa en la lastima sino en la reivindicación de un personaje femenino lastrado por las circunstancias.

  1. Gran Hotel Abismo (Astiberri) de Marcos Prior y David Rubín

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El mejor escritor de ficción política y el autor que mejor representa la rabia contra el sistema ponen en escena sin ningún tipo de doblez moral la paupérrima situación política y social a la que nos somete el capitalismo feroz. El pueblo frente a la clase dominante, la violencia de clase vs. la violencia del estado y la caída del estado-nación son algunas de las cuestiones que se ponen en juego en esta obra.

  1. Lamia (Astiberri) de Rayco Pulido

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El autor canario vuelve con un trabajo de precisión tanto en el aspecto estético como en lo narrativo. Una thriller con asesino de por medio que pone de manifiesto las visicitudes de aquellas mujeres que buscan independencia en un periodo en el que todo les era negado. Intrigante y visualmente brillante.

  1. Insecto (Norma Editorial) de María Llovet

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Nunca me cansaré de reivindicar a María Llovet, su trabajo en la narración es complejo y lleno de capas. En su último trabajo hace una pequeña tesis sobre el amor y sus circunstancias, sobre lo inadecuado cuando no tiene que aparecer y de lo importante que siempre esté ahí aunque no se pueda satisfacer C. Tal como lo plantea la autora las cosas son como deben ser aunque no sean adecuadas.

  1. Palos de ciego (Astiberri) de El Irra

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La opera prima del autor sevillano es un manifiesto sobre la vida en los barrios del sur y de cómo el devenir de las personas esta en las manos del destino y de algunos cuantos cabrones que les gusta jugar con nosotros. La vida es dura y el Irra nos lo muestra sin ningún tipo de concesiones.

  1. La muerte y Román Tesoro (DeHavilland) de Lorenzo Montatore

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Lorenzo Montatore desmonta por completo la idea de la forma vinculada al relato. Bajo una apariencia banal nos desgrana un relato complejo sobre la muerte repleto de referencias literarias y de la cultura popular de la calle. Un libro para leer rápido, pero que se queda en la mente del lector durante mucho tiempo.

  1. La reina orquídea (El Verano del Cohete) de Borja González

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Una pequeña joya que ha pasado desapercibida, Borja juega con el lector a través de un trampantojo  visual en el que el lector se convierte en un espectador que tiene que estar muy atento para no caer en el agujero de conejo para no quedar atrapado en el relato. Deseando leer lo próximo de Borja.

Pues hasta aquí todo, a ver que nos depara 2017. Chau.

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Spain is pain #266: Bunny in da hauz.

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Mameshiba (Cristian Robles) DeHavilland, 2016. Rústica, 56 págs. Color, 12,60 €

Parece algo inherente a la cultura urbana del hip-hop la idea de competitividad, desde las peleas de gallos, grafiteros compitiendo por territorio incluso en el tema del baile la cuestión del enfrentamiento aparece en todo momento. Eso da pie a historias de reconciliación, superación y amistades que se reconcilian, algo que a la larga se ha ido escapando de los espacios narrativos de los guetos estadounidenses para llegar a otros contextos urbanos. Esa es posiblemente la  fuerza del rap, la capacidad de trascender del escenario en el que nació para convertirse en un género musical transnacional con una capacidad de adaptación apabullante.

El rap o más bien el trap es el trasfondo narrativo en el que Cristian Robles articula su nueva obra. La protagonista de esta es Bunny, un chica de extrarradio que decide hacerse una carrera en la música pero siguiendo los paradigmas actuales de crecimiento a través de redes. La protagonista aspira a ser un tipo de estrella contemporáneo en el que internet y los videos virales se convierten en el campo de acción y expansión de las creaciones de los nuevos artistas. Robles nos habla del ahora a través de la contemporaneidad: las drogas están presentes en todo momento, móviles de última generación, pérdida de intimidad a través de canales como YouTube, etc.

Pero sobre todo esta otro cambio de arquetipo sobre la constitución de los role models contemporáneos, en este caso Mameshiba una legumbre que resulta ser la mayor estrella en redes. Bunny espera ser como ella, convertirse en un referente dentro de la cultura hip hop del momento. Para ello entra en una competición que le llevará a enfrentarse con su ídolo. Pero el camino de la protagonista no será ni mucho menos recto. Traiciones personales, envidias, y resulta que la persona/legumbre que tanto adora no es quien aparenta ser.

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Cristian Robles continúa desarrollando en Mameshiba un universo personal sobre una visión del mundo actual que en Ikea Dream Makers y Soufflé ya daba pistas de la amplitud en la concepción estética y referencial de su obra. En su último trabajo, posiblemente más en la línea de su opera prima apuesta y a medio camino de la segunda, entre cierta visión surrealista del mundo y cierta apuesta por una ficción a modo de crónica sobre la dejadez. Mameshiba se levanta como un relato en el que aun siendo fiel a sus valores estéticos le da un giro a este diferenciándose de sus dos trabajos anteriores. Dicha visión personalista del mundo no cierra la posibilidad de una lectura plena por parte del lector, todo lo contrario, se trata de una historia llena de referencias musicales, de carácter estético en el que se plasma la querencia del autor por la cultura popular japonesa, incluyendo una trasformación a lo Sailor Moon.

Ese punto de ficción dentro de la ficción nos revela cierto punto de fuga en el que se evita una lectura social directa sino figurada. No se trata de hacer una representación pura de nuestra sociedad pero si de hablar a través de los usos, costumbres y los dejes de los personajes; pero sin convertirlos en estereotipos puros y duros; algo que ya había demostrado previamente en sus obras anteriores. Robles, que va a obra por año, parece desplegar una serie de recursos gráficos y narrativo que parecen inagotables y siempre sorprendentes con los que elabora unos cómics que siempre dejan un regusto dulce pero amargo, como las buenas historias de la vida.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #254: Román Schopenhauer

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La muerte y Román Tesoro (Lorenzo Montatore) DeHavilland, 2016. Rústica, 64 págs. Color, 12,60€

Vayamos por partes, La muerte y Román Tesoro es un cómic breve pero intenso, muy intenso, una obra que parece fácil de hacer pero que en realidad es complejo. Ahí está lo difícil, hacer que parezca fácil, mejor dicho que parezca muy sencillo, esconder de cierta accesibilidad visual un texto complejo que pone de relieve algunos de los topos sociales en torno a la vida y la muerte. Para ello recorre por un lado a los iconos y por otro a la iconoclasia, para montar otro nivel de dificultad sobre esta obra.

Román Tesoro está en una especie de limbo, entre la vida o la muerte, se construye a través de referencias culturales de la vida del personaje, abriendo el relato con Paco Umbral y construyendo vínculos entre viñetas y páginas con las tuberías del Mario Bros. pasando por canciones populares como: “Tiene la molinera / en su molino / la perdición del hombre: / tabaco y vino”. Román construye en un espacio vacuo una realidad a través de la memoria que tiene de la vida. Nada es lo que parece porque no tiene que serlo.

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Si por un lado están los usos culturales por otros están los topos sociales burocracia y expectativas sociales. Las segundas son aquellas que parecen atormentar más al personaje que no tiene posibilidad de cambiar su pasado. La iconoclasia viene dada por la representación de la muerte, que puntualmente viene representada por la arquetípica dama de la capa oscura pero solo de manera esporádica. Todos los espacios son la representación de la misma, algunos más o menos figurativos pero otros sin referentes reales, Román circula por ellos planteándose la realidad de su situación.

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La muerte y Román Tesoro nos llega gracias al trabajo de DeHavilland a través de su sello editorial La mansión en llamas, una casa que está construyendo un catálogo muy coherente que funciona a modo de declaración de intenciones de lo que ellos entienden por cómic. El trabajo de Montatore se construye como un poema visual tanto por extensión del relato como la construcción página por página, algunas de ellas recuerdan al tablero del juego de la oca, en el que en una fuerte vertiente existencialista hace que Román se pregunte constantemente por el significado de las cosas. Un título maravilloso que bajo una apariencia amable esconde un discurso complejo sobre el mismo sentido de la vida.

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Spain is Pain #248: pragmática vs. teoría.

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El cristal imposible (Anabel Colazo) DeHavilland, 2015. Rústica, 48 págs. B/N, 11 €

El cuento y las formas del cuento pueden ser de lo más perverso. De hecho creo que los cuentos deben serlo, sobre todo hoy día. La sociedad occidental ha hecho que estos pierdan esa función aleccionadora que tenían en el pasado convirtiéndolos en versiones softcore de lo que deberían ser. Porque una cosa es la forma del relatos, la estética, los giros, el tratamiento de personajes y otra el fondo que debe esconder lecturas, más o menos moralistas sobre la vida, los cuentos o la construcción de los mismo se basan en la doble articulación del relato.

En El cristal imposible Anabel Colazo juega a disfrazar un pequeño cuento, en principio amable, sobre el descubrimiento personal a través de los elementos que rodean al protagonista, en un relato cruel sobre las diferentes percepciones de la vida. Quim es un joven que se dedica a documentar todo lo que ve en el bosque, desde rocas a flores pasando por insectos u otro tipo de animales. Hasta que en un determinado se encuentra algo parecido a un mineral, el cual le es imposible de catalogar, el carácter pragmático del muchacho impregnado por el cognitivismo le impide desglosar las características de su hallazgo.

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Quim decide buscar otro punto de vista ya que la mera observación no le permite obtener un conocimiento pleno sobre se dirige a un mago, un animista, que busca el conocimiento a través del contacto directo con el objeto en cuestión, con ese cristal imposible. Ambas formas de conexión con el universo son incapaces de conectar con el nuevo elemento, por lo que este animista disfrazado de mago, disfrazado de alquimista, recurre a Azul, una teórica pura, que busca comprender el mundo a través del estudio. El cristal imposible es una creación inconsciente de ella, tiene la capacidad de concebirla a nivel teórico pero no puede captarla en la realidad.

El cristal Imposible esconde bajo una forma de cuento, que en lo estético bebe de la influencia de Pilarín Bayés, un relato sobre las formas de percepción de la realidad: pragmática, animística y teórica. Se trata de una historia ambiciosa que es como los cuentos deben de ser dulces por fuera y amargos y crudos por dentro. Aquí lejos de establecer un debate sobre nuestra realidad crea un mundo en el que las tres percepciones tienen su espacio preestablecido y en el que el debate gira en torno a un objeto inexistente, aliena el objeto del contexto para que cada uno de nosotros haga su propia lectura. Colazo nos habla de cómo muchas veces las entelequias son entendidas en el ámbito teórico de una manera, pero que cuando se plasman en el mundo de los mortales adquieren formas que quizás seamos incapaces de reconocer.Un título maravilloso que nos obliga a seguir a esta autora de cerca.

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Cierto sentimiento de derrota.

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Lose (Michael DeForge) DeHavilland, 2015. Rústica, 152 págs. B/N. 17 €

Caerse para volverse a levantar suele ser un mantra que se repite bastante en la sociedad contemporánea, sobre todo a efectos ciertas ideas del impulso empresarial vinculado a ideas del capitalismo sobre la emprendimiento empresarial. Si por un lado ese concepto se repite mucho, incluso en política sobre lo moral o no que es dejarse a ciudadanos por el camino, los hechos y los datos nos refieren a un espacio social y vital muy diferente: muchos se quedan por el camino, demasiados, para que deje de importarnos pero tantos que, lamentablemente, se ha convertido en un paisaje demasiado común.

La posibilidad de levantarse tras una caída se nos muestra como la única salida a una debacle personal en la que las opciones minimizan el camino a uno, es lo que en términos contemporáneos se denomina transmodernidad, esto es cuando el discurso de la globalización ha absorbido el resto de discursos. Levantarse no es, ni debe ser, la única opción: mutar, cambiar, regenerarse, pueden ser desvíos notables y tan viables como el propio levantarse y retomar el camino inicial. Pero nos queda otra válvula de escape que no es tal: la derrota. El sentimiento de derrota como un estado de ánimo en el que no se considera ni tan siguiera trascender de este.

La derrota como forma de vida es la línea transversal que recorre la gran mayoría de los relatos cortos que componen Lose, volumen que recopila los cuatro volúmenes de su serie anual publicada por Koyama Press y que sirve como presentación para el público español de uno de los autores más interesantes del último lustro y que inexplicablemente no había sido publicado anteriormente a excepción de su colaboración en Terry publicado por Fulgencio Pimentel. A parte esa idea de la derrota continúa representada como uno de esos sueños en los que estas en una caída libre continuada. Fallar a lo otro o a uno mismo, DeForge se inclina sobre todo a esta última vertiente por ese sentimiento de caída libre deseada, buscada y siendo consciente de la misma, en eso el cuerpo y su mutabilidad juega un papel importante, dejarse mutilar, rechazar a otros por el aspecto, la autodegradación, son también formas de derrota que el autor canadiense define como estados fijos en el ánimo de los personajes que define.

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En Perro 2070 profundiza en un padre de familia separado con unos hijos que no le hacen caso, existe por parte del protagonista, un chihuahua antropomórfico, cierta voluntad de integrarse en con sus compañeros de trabajo e intentar a agradar unos hijos que apenas se dignan a hablar con él. En ese proceso de integración sumado al cambio corporal esta Alguien que conozco en la que un chico tras dejar una relación se embarca en otra en la que la mutación es el nexo que une a una comunidad que busca el cambio corporal como experiencia vital para diferenciarse del resto de las personas. Manananggal en la que el desarrollo de una corporeidad alejada de aspectos puramente estéticos se aleja de los preceptos convencionales, relatando una historia breve, sobre la maternidad. En Es chip, un niño encuentra su mejor amigo en una araña gigante oculta dentro de la cabeza de un caballo muerto, aunque en la historia en la que el estilo gráfico de DeForge se vuelve más atrevido es en Realeza canadiense en el que se desarrolla una genealogía de lo absurdo ligados a las costumbres y a la historia de las clases dirigentes.

Esas son tan solo algunas de las historias cortas que componen Lose, con cierta relación entre lo miserable de la condición humana y la tendencia de las personas a degradarse, casi siempre de manera voluntaria. Michael DeForge recurre a varios topos estéticos que van de lo adorable a lo surrealista sin rehuir de ciertas ideas de la trasgresión a través de la imagen del cambio corporal o idealizar las posiciones más deleznables de la sociedad a través de personajes con cuerpos que distan bastante de los estereotipos de normalidad. Las historias de Lose apuntan hacia un universo de lo real a través de lo inconcebible, con historias que dejan un regusto amargo en nuestras mentes pero que muestran el proceso de uno de los autores llamados a ser de los más importantes de esta generación.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #241: Lo mejor de 2015.

Se ha acabado 2015 y empiezan las listas de lo mejor: música, cine, literatura,… y como no las de cómic también. Como bien es sabido esta sección está dedicada exclusivamente al cómic español. Este año como en anteriores he sido incapaz de hacer una lista de los 10 mejores, por eliminación me he quedado con 12 títulos que considero imprescindibles para entender el año tebeístico español. Y recordad, las listas son subjetivas y nunca a gusto de todos.

1.- La casa de Paco Roca (Astiberri)

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Para mí la mejor obra de Paco Roca, y el mejor título de este año, hasta el momento. En esta el que el pulso autoral se une al personal para crear una obra emocionante sobre personas, familias, y las emociones que se construyen alrededor de una casa.

2.- ¡Oh diabólica ficción! de Max (La Cúpula)

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Cada obra de Max sigue siendo una sorpresa a pesar de la longeva, y afortunada, de su obra. Su último trabajo gira en torno a la idea de creación encarnando en una urraca el origen de la cultura humana. Estética breve al servicio del intelecto que tiene como protagonista a la cultura.

3.- Necrópolis de Marcos Prior (Astiberri)

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Al igual que sus trabajos anteriores Marcos Prior opta por el análisis político y social. En este caso una ciudad en proceso de cambio, en el que brillantemente el autor hace protagonista al lector que presencia la carrera electoral de los candidatos a la alcaldía y los testimonios de ciudadanos anónimos. Necrópolis cae como una losa sobre nuestras consciencias. Leanlo.

4.- Llavaneres de Arnau Sanz (Edicions de Ponent)

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Arnau Sanz nos regala en esta ocasión un relato sobre el recuerdo, la familia y la importancia de los espacios; pero sobre todo del tiempo. Llavaneres es una obra sobre el pasado aquel que fue real, y aquel que muchas veces, sin saberlo, imaginamos y que lo incluimos en nuestra línea temporal.

5.- Soufflé de Cristian Robles (La Cúpula)

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Soufflé retoma la idea de representación de una sociedad alienada de sus instintos naturales que se mueve por una artificialidad de en los hábitos y costumbres, de la incapacidad de ser una comunidad más allá de la superficie, pero repitiendo la fórmula de su obra anterior, sin moraleja ni falsos relatos sociales. Fascinante en lo estético.

6.- ¡Garcia! de Santiago García y Luis Bustos (Astiberri)

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Un puñetazo en la cara. Eso es lo que es el último trabajo de García y Bustos, una obra destinada a remover tripas entremezclando el thriller político y el relato de acción, pero que sin duda está cargado de muy mala leche en cuanto a la representación de nuestro país se refiere. Un reflejo de España aquí y ahora.

7.- Hit emocional de Juanjo Sáez (Sexto piso)

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Nadie como Juanjo Sáez habla de su vida y nos hace sentir como parte de ella. En este título utiliza una herramienta infalible: la música. A través de esta hila una estructura narrativa vinculada a las experiencias personales, que a medida que pasan las páginas nos van pareciendo más y más nuestras.

8.- El paraíso perdido de Pablo Auladell (Sexto piso)

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El paraíso perdido de John Milton es una obra compleja de ahí que el valor de esta adaptación/reescritura de Pablo Auladell sea tan interesante. Se trata de un libro bello que establece vínculos con algunos momentos de la historia del arte y en el que podemos ver la evolución del artista.

9.- Quartznaut de Álex Red (DeHavilland)

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Un padre y una hija entra en una tienda muy especial en la que un perro entra en trance cuando escucha rock progresivo. Álex Red esboza la excusa perfecta para diseñar micromundos fantásticos en una obra divertida que hay que leer con los ojos, y la mente, muy abierta. Estética arrebatadora.

10.- Heartbeat de María Llovet (Norma Editorial)

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La especialidad de la autora catalana es crear obras llenas de texturas y capas narrativas con múltiples referencias a la mitología y al arte en general. Esta vez el punto de partida son unos falsos adolescentes que juegan con la vida y la muerte, quitándola o dejándosela quitar. Una obra magnifica de una de mis autoras favoritas.

11.- Murcia de Magius (Entrecomics cómics)

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Magius reinterpreta el universo provincial murciano, los tejemanejes políticos, las liturgias religiosas, etc. En la que la perversión del concepto de rito nos permite explorar que hay detrás de costumbres que con el tiempo se han convertido en rutina.

12.- Las aventuras de Joselito de José Pablo García (Reino de Cordelia)

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José Pablo García hace un homenaje pop en el sentido más amplio de la palabra con Joselito, uno de los iconos de la cultura popular española más reconocidos en todo el mundo. Pero no se queda en la superficie del homenaje sino los estilos gráficos son otro homenaje al cómic como arte en sí mismo. Una obra fantástica.

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Lo intrascendente en la vida como un boceto.

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Y nunca volvió a suceder (Sam Alden) De Havilland, 2015. Rústica , 168 págs. B/N 18€

La vida es un work in progress. De eso no cabe ninguna duda, y pobre de aquel que piense que ha establecido una línea fronteriza para poder controlar todo lo que le sucede a lo largo de la existencia, ya que es algo imposible y difícil de hacer. Por otro lado están los que no dicen que no a nada sin darse cuenta de que la están condicionando tanto como aquellos que quieren controlar todos los aspectos que rodean su experiencia vital negando según qué tipo de interacciones sociales, reduciéndolo solo a lo provechoso.

En Y nunca volvió a suceder nos habla de esos momentos clave que se quedan anclados en la mente de las personas, por lo transformador de los mismos, a pesar de no haberse cumplido los deseos que había ocultos en esa misma situación. Sam Alden nos lo presenta con una estética de  lo aparentemente inacabado en los estético pero complejo en el planteamiento emocional que explican más por lo que callan, y retienen en su interior por lo dicen a través de sus palabras.

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La primera historia Hawaii 1997 funciona como una ensoñación de un niño que no encaja. Este se encuentra de vacaciones en las islas del pacifico apartado de Oregon, su habitad natural, está en la preadolescencia esperando el cambio un momento vital que sucederá una noche mientras pasea por la isla, juegan se persiguen. En mitad de la carrera Alden juega con los esas páginas sucias que poco a poco se van convirtiendo en diseños concretos, una transformación del niño al adolescente que por primera vez persigue algo con tesón, conocer a esa chica, saber quién es y que hacía ahí.

Anime es un tanto más compleja, los hilos que tiende hacia la juventud occidental y hacia la idealización de otras culturas se establecen como un discurso crítica hacia lo presuntamente deseado. Janet es una chica que vive en Estados Unidos y que vive con su pareja gracias al dinero que le procura trabajar en un puesto turístico de transporte con bicicleta, pero tiene un gran deseo que es viajar a Japón, se trata de una otaku que ve todas las series y que filtra su experiencia vital a través del anime y de la cultura japonesa, su rasero de relación pasa por esos dos aspectos, cree que todo el mundo debería conocer las series de animación japonesa y a la mínima habla a japonés cono todo el mundo. Una vez conseguido el dinero viaja a Japón en un peregrinaje simbólico, como diría Aden, hacia la tierra prometida. Pero nada es como ella se lo ha planteado Tokyo no es como el anime que ella cree que es , ni siquiera es el anime que ella desearía, pero paradójicamente allí encuentra el único reconocimiento personal a sus logros, cuando habla japonés con los nipones.

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Mientras que Anime es una historia más concreta, tanto a nivel narrativo como de dibujo, no dura pero si cruda que nos habla del nivel de desconexión que sufrimos a día de hoy y de la pérdida del referente de lo real frente a la ficción. Janet no es consciente de su posición en el mundo ni de cómo está integrada en el. En el caso de Hawaii 1997 la situación es más abstracta no se define la situación del protagonista ni de la compañera, esta dibujado como un recuerdo borroso que bien podría haber sido un sueño inacabado. Con Hollow, no publicada en España, se completa una especie de trilogía de lo intrascendente como base del desarrollo de la personalidad. De todas maneras Sam Alden enamora no solo por el dibujo sino por saber contar historias que definen al ser humano más allá de lo puramente narrativo o de crear personajes icónicos, que creo que podemos denominar como simbólicos y eternos.

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Spain is Pain #210: Los niños no están tan locos

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Canosa y los detestables humanos (Jim Pluk) DeHavilland, 2015. Cartoné, 104 págs. B/N, 12 €

Dicen que los borrachos y los niños siempre dicen la verdad, en el primer caso dudo que sea así y que tenga que ver más con la desinhibirse que con la intención de ser veraces. El caso de los niños es completamente diferente hasta cierta edad las preguntas y afirmaciones realizadas por estas no tiene, al menos en principio maldad, sino que se trata de una curiosidad por el mundo que no llegan a entender del todo de ahí que cada vez que se les responde o se les da una solución que a los adultos nos parece plausible surge el inevitable: ¿Por qué?

Si llevamos esto al mundo del cómic es inevitable acordarnos de personajes como Nancy, La pequeña Lulu o la omnipresente Mafalda. Mafalda lejos del icono que ha trascendido el poder de lo contestatario en un mundo dominado por adultos que como en la realidad somos incapaces de dar soluciones coherentes a los problemas del mundo civilizado actual. Para Mafalda el proceso de hacerse mayor, al igual que el resto de los humanos consiste en aprender a resignarse. Posiblemente la respuesta más o menos inconsciente a la obra de Quino es Canosa y los detestables humanos de Jim Pluk.

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Sin embargo, las diferencias entre estos dos personajes afloran por la distancia temporal entre estas, la niña creada por Pluk vive en el presente y posiblemente no sea tan reflexiva como su antecedente. Cierto es que se encuentra en un mundo humanamente civilizado en el que el desprecio por la vida humana crece a cada segundo y el aprecio por otras formas de vida casi ha desaparecido. Canosa odia a muerte, todo lo que un niño puede odiar, a la humanos, pero encuentra en los animales a unos amigos con los que compartir desventuras y penas. En el mundo de Canosa los adultos están fuera de campo, aparecen representados en el penoso y duro contexto social heredado por una niña que ve transformada sus prioridades en favor de reescribir su propia concepción del mundo.

Pero en este volumen que recopila el trabajo del autor colombiano no solo nos encontramos con historias de Canosa, entre las otras viñetas se nos muestra un mundo deshumanizado en el que la tecnología ha absorbido cualquier posibilidad de reacción hacia la naturaleza, y en el que los smartphones han constituido la forma más extendida de ceguera, por otro lado está el Skeetchbook, una recopilación de dibujos que tiene en común entre si la relación del ser humano con su entorno y su mundo personal.

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Canosa y los detestables humanos no es tan solo un recopilatorio cualquiera sino de Jim Pluk, uno de los autores más reconocido a nivel mundial del dibujo breve, o doodle. Micronarrativas que se esbozan casi entre garabatos que surgen de la mente del autor casi como escritura automática para plasmarse en la pantalla del ordenador con toda la intimidad que este procura y con la posibilidad de ser disfrutados por una audiencia global. Pero este volumen es también el desembarco del nuevo cómic colombiano, que al igual que todo el nuevo cómic sudamericano, que hay mucho y muy bueno, está recibiendo muy poca atención por parte de las editoriales españolas, esperemos que esto sirva para espolearlas e ir dándonos a conocer los nuevos valores de allende los mares.

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Spain is pain #204: Infinite Universes (Welcome to Mundo-Cuarzo)

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Quartznaut (Àlex Red) DeHavilland, 2015. Rústica, 44 Págs. Color, 12,50 €

Una de mis escenas favoritas del cine de los 80 es aquella de Gremlins en la que un padre entra en una tienda situada en un bajo en la que un hombre chino con aspecto enigmático regenta una tienda de antigüedades y de rarezas todavía más misteriosa. En esta el dependiente advertía al padre de las precauciones que debía de tener para el cuidado del mogwai. El resto de la historia es conocida por todos. Años más tarde en el capítulo “Treehouse of Horror III” de la cuarta temporada de Los Simpson, la escena era reescrita en el contexto de la parodia al servicio de un Homer en el que ya empezaba a despuntar su carácter absurdo y autoritario.

Si bien en el original, después del misterioso inicio la película decae en una serie de gags en la que los gremlins se dedicaban a hacerle la vida imposible a los vecinos del protagonista, y la parodia se convierte en una serie de gags que se recrean en lo referencial. Ninguna de las dos profundiza en el espacio descrito en la tienda y se pierden en una narrativa lineal y causal. Pues bien Quartznaut de Àlex Red, tiene un inicio similar al de la película de Joe Dante, pero se despega de la linealidad narrativa de la película estadounidense, tras la segunda página para abrir un mundo, mejor dicho un universo de posibilidades narrativas.

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Rodri y Copsti, padre e hija, entran una tienda regentada por un tipo extraño, en el que hay a un perro muy especial, capaz de entrar en trance mientras escucha rock progresivo y abrir una puerta dimensional que conecta diferentes espacios narrativos, en el que el mundo real se convierte en secundario y la corporeidad adquirida no distingue la especie de origen en el mundo primario. En mundo-cuarzo, por llamarle a alguna manera el espacio se desdobla en posibilidades no solo espaciales sino corporales de los personajes que pierden la limitación del cuerpo humano en favor de una mateia sin limitaciones.

Mundo-cuarzo une también dos visiones del mundo la paracientífica y la científica dicho universo conecta la tienda de rarezas regentada por un seguidor de lo paranormal y un laboratorio que investiga las propiedades de los cuarzos. El mineral ha concentrado a lo largo de la historia el interés de los científicos y los seguidores de la new age, y los poderes sanadores, energéticos (o lo que sea). Ese punto de inflexión de Quartznauts, el retorno al mundo real desvela los diferentes intereses de los exploradores de mundo-cuarzo.

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Ese espacio recreado pro Àlex Red tiene algunos de los personajes mejor diseñados que he visto en mucho tiempo, para ello utiliza cuatro estilos gráficos, dos muy cercanos: el de la tienda y los científicos, el primero con un tono más jovial y naif y el segundo sesgado por una dominante azul. Por otro lado está el de las aventuras de El búho, unas microaventuras que narran las visicitudes y la lucha de poderes dentro de ese universo, una ficción dentro de una ficción, una leyenda que reafirma el estado de lo real de ese espacio. Y el último, mundo-cuarzo un espacio creado a base de colores vivos, personajes alejados de lo humano, que transmiten fluidez y flexibilidad. A pesar de no llevar ni un mes de 2015 Quartznaut creo que a final de año nos acordaremos de la obra de Red, y visto lo visto de todo, o casi todo, lo que publique DeHavilland.

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Spain is Pain #202: Imaginería Sentai

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Medieval Rangers (Roberto Massó). DeHavilland, 2014. Cartoné, 64 págs. Color 24 €

Muchas veces me pregunto, sin ser experto en la materia, como se establece un sistema de creencias y como se desarrollan valores en torno a estas. Qué pasaría si de aquí a 300 años los únicos textos que quedan son, por ejemplo, trilogía original de Star Wars. Qué tipo de creencias se establecerían y que valores predominarían en una sociedad futura y que valor tendrían éstas obras, como se representarían o recrearían a lo largo de los tiempos. Está claro que dichos textos han de tener un trasfondo icónico muy fuerte.

Si algo tiene en común los textos seminales, sean de carácter religioso o político, es la eterna lucha entre el bien y el mal; un rasgo heredado en obras de ficción como la saga galáctica mencionada anteriormente, o El señor de los anillos, por mencionar un par de ejemplos. Esa parece ser la piedra angular en la elaboración de este tipo de relatos, algo que todo el mundo pueda entender. El bien y el mal es algo que icónicamente funciona muy bien en todas las culturas y es fácilmente reconocible. Cualquiera de nosotros podemos coger un texto ilustrado y sin entender lo que nos encontremos escrito podemos entender los valores intrínsecos al mensaje que se construye a través de la iconicidad de esos dos valores.

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Ese es el punto de inicio, o mejor dicho, el primer asidero al que nos agarramos en la lectura de Medieval Rangers de Roberto Massó, un códice moderno en la que la sempiterna lucha entre el bien y el mal es la narrativa principal pero no única. Esta se convierte en una doble articulación para elaborar un discurso sobre lo mencionado anteriormente sobre la creación de valores, jerarquía y superstición de una sociedad. Los arquetipos elaborados en torno a dicho discurso es la llegada de una “civilización” superior que impone su forma de vida a los nativos a base de torturas y sacrificios. La sociedad primigenia vive en el paraíso de ahí surgen cinco rangers, cada uno representativo de una serie de valores. Cinco suele ser el número de integrantes de las series sentai japonesas, en las cuales cada personaje encarna una serie de virtudes que aportan al grupo.

Los rangers con sus uniformes impolutos representan cierta pureza frente a la monstruosidad de la nueva civilización, que a la larga impondrá su cultura o puede ser un cuento moralizador sobre el bien y el mal y las argucias de este para vencer. Pero todo esto no son más que lecturas subjetivas, o pensamientos dichos en alto, el rasgo principal por el que se caracteriza esta obra es la apertura de interpretaciones la capacidad del autor para dejar una puerta abierta a través de una estética muy marcada en un alegórico enfrentamiento entre los héroes de los Power Rangers y los habitantes del putrefacto planeta de Prison Pitt. Todo descrito con una belleza equiparable a los antiguos códices, con una ventaja no hay texto que lastre la interpretación tan solo utilización de colores, actitudes de los personajes y la reacción que el lector pueda obtener de esta magnífica obra. Si es cómic o no lo dejamos de la mano de cada uno cuando de vosotros cuando recorráis sus páginas, lo que sí está claro es que la narrativa es prodigiosa: empieza por el planteamiento conceptual, el del texto como códice, pasa por el contexto icónico de los personajes, el fondo a modo de pergamino y acaba con la apertura del texto. Una joyita que no hay que dejar pasar.

@Mr_Miquelpg

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