Spain is Pain #222: Sobre las sociedades utópicas

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Viaje a Cotiledonia. La novela gráfica (Cristóbal Serra y Pere Joan) Edicions de Ponent, 2015. Cartoné, 116 págs. Color, 20€

Durante unas clases de sociología en la facultad para explicar el tema de la estratificación social la profesora utilizo como ejemplo Metropolis de Fritz Lang. En la película el director alemán muestra de manera muy gráfica la estructuración de clase y la oposición que cada uno de estos ocupa en la jerarquía del sistema capitalista. Lang sacaba provecho a esta idea estratificando no solo en el sistema económico sino en el lugar en el que estos viven: los obreros, blue collar, en las entrañas de la tierra teniendo solo acceso desde su ciudad a su puesto de trabajo sin poder acceder a otros espacios a excepción del ascensor que los mueve entre esos dos cronotopos. Los white collar, la clase dominante vive en la superficie en habitáculos amplios, modernos y minimalistas, incluso los lugares de trabajo son estancias agradables, como espacios intermedios están los jardines espacios que representan lo paradisíaco.

El concepto de Metropolis funcionó a la hora de representar lo que en aquel momento estaba por llegar Alemania, y también cuando el trabajo era lo que definía pertenecer a una clase. A día de hoy hay cientos de cosas que nos definen por encima del trabajo, ya sea el género, los gustos, o nuestro hábitos de ocio. En el presente actual, lo laboral se ha convertido en un bien escaso, precario y el acceso es cada vez más tardío por lo que no es un referente en la construcción social contemporanea. El mito de la sociedades utópicas tiene que ver con el de las civilizaciones estratificadas y organizadas, algo que puede ser considerado como ideal, pero que también pude convertirse, de hecho lo es, una pesadilla para el indivduo, que poco a poco va perdiendo fuerza frente a las necesidad de la comunidad, no de los ciudadanos y si de los estados que están al servicio de las corporaciones.

Viaje a Cotiledonia de Cristóbal Serra, adaptado por Pere Joan, es un retrato sociodemográfico de una sociedad insular, aislada del mundo y con su propio sistema organizativo. Serra organiza a las microsociedades que viven en las islas en función de sus intereses personales, que van desde la pesca a obtener dinero de manera exacerbada pasando por los pirómanos o por sociedades que celebran la violencia sin ningún tipo de complejo. En todos los casos son modelos extrapolados de la vida real, de las civilizaciones occidentales y de cómo estas exportaban sus visiones del mundo a las colonias sin tener en cuenta los aspectos diferenciales de estas. Se trata de un relato de 1965 que nos habla de lo difícil que es a veces distinguir entre tradición y costumbre con la barbarie y las desigualdades.

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Este viaje propuesto por el escritor mallorquín reconoce la excepcionalidad de las islas en la formación de personalidades y formas de entender la vida de manera diferente de aquellos que viven “en tierra firme”, pero también profundiza  en la necesidad del cambio constante de superar a la historia como una amalgama de ideas impuestas que deben seguir manteniéndose a pesar de todos. Este atlas está dividido en tres partes. En la primera, que ocupa gran parte del volumen, se nos hace una descripción geográfica de cada uno de los grupos sociales que habitan la isla, sus costumbres y pautas de convivencia. Estas son mostradas en ocasiones con sorpresa y otras tantas un tanto neutra, como la del viajero que a veces no entiende aspectos de otra cultura porque no tienen los elementos para poder valorarla adecuadamente. En todas las visiones sociales vemos que se trata de una sociedad patriarcal en el que la mujer no pinta nada o tiene una mera función práctica en muchas ocasiones aceptada por estas.

La segunda parte de este título es un apunte histórico que supone una rotura con el relato inicial: Prun, el nuevo monarca, decide que la sociedad debe cambiar, hacer que el dinero no tenga tanta relevancia en el día a día de sus súbditos y hace que las mujeres ocupen espacios para procurar a esta su independencia y equiparación en derechos con los hombres. La tercera parte es consecuencia de la segunda, tras la muerte de Prun las fuerzas del pasado deciden acabar con todo lo realizado por este y volver a dejar las cosas como estaban, sin ningún ápice de cambio.

En el apartado gráfico Pere Joan tiene la difícil tarea de hacer algo más que ilustrar los textos de Serra, de no ser un mero acompañamiento. Si hay algo interesante en este autor es su capacidad de transmitir ideas y conceptos con los mínimos recursos posibles. En Viaje a Cotiledonia trasciende de las palabras llevándolas más allá, plasmando la idea de origen a la vez que profundizando no solo en los estético sino en las características de cada una de las sociedades descritas. No podríamos mejor imaginarnos mejor guía para el viaje a esa isla que Pere Joan.

A pesar de que han pasado 50 años de la primera edición de este trabajo de Serra nos encontramos con una obra que describe mejor que cualquier obra contemporánea el momento social y político que estamos viviendo hoy día, procesos de cambio que pretenden ser abortados por la fuerza de la peor de las maneras. Viaje a Cotiledonia, es un viaje no solo en el espacio sino también en el tiempo, donde la idea del eterno retorno reescribe de manera continuada el devenir de las sociedades.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #201: Lo mejor de 2014.

Se acaba el año, empieza uno nuevo y para no perder la costumbre, ya por tercer año consecutivo, publico la lista de lo mejor del año a nivel estatal. Se trata de una lista subjetiva,  quizás más de sensaciones y de valores. Creo que he escogido los títulos listados a continuación por los valores narrativos, estéticos y discursivos en los que los autores se han apoyado para elaborar su relato; y en las sensaciones que me han provocado cada título. Esta lista como cualquier otra es puramente subjetiva. Como por lo general no me gustan las listas de 10 este año he escogido 12, porque 12 son las campanadas y las uvas que nos separan un año de otro. Pues eso, ahí va la lista:

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  1. Culto Charles de José Ja Ja Ja (Fulgencio Pimentel)

La primera posición es para el trabajo de José Ja Ja Ja. Su obra nos habla de un descubrimiento que empieza por la edición en intonso (quiero pensar que no soy el único tonto que escribí a Berni para decirle que mi volumen estaba defectuoso 😉 ) que nos remite a aquellos textos inéditos que han estado ocultos durante mucho tiempo y aparecen ante nosotros vírgenes, por abrir, en un lenguaje visual críptico que nos obliga a repasar las páginas una y otra vez. Una obra difícil pero gratificante que va en contra las visiones ultracanónicas y preconcebidas del cómic. 2014 no hubiese sido lo mismo sin Culto Charles.

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  1. Las meninas de Santiago García y Javier Olivares (Astiberri)

Frente al primer título que compone esta lista podríamos  considerar la obra de Santiago García y Javier Olivares como clásica. Pero no nos engañemos, Las meninas es uno de esos títulos que seguiremos releyendo una y otra vez por la cantidad de capas discursivas que los autores han aplicado y  que no hace más que revalorizar, más si cabe, la figura de Velázquez y poner un granito de arena más en el valor del cómic como medio para explicar la historia de un país. Firme candidato para el Premio Nacional del Cómic.

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  1. Ikea Dream Makers de Cristian Robles (DeHavilland)

Una de las sorpresas de la temporada, Ikea Dream Makers es el cómic que nadie esperaba encontrarse este año y el autor se ha plantado ahí con una gran solvencia narrativa y estética. Pero sobre todo por la capacidad de elaborar un discurso que nos habla del lado más cruel del capitalismo sin recurrir a lo más patético del relato social. Imprescindible.

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  1. Trabajo de clase/Nuevos Románticos de Ana Galvañ y Marc Torices (Apa-Apa Cómics)

Dos relatos centrados en la extrañeza de la adolescencia, y lo difícil que es crecer en una sociedad completamente alienada. Ana Galvañ y Marc Torices nos proponen un viaje alucinógeno al centro de la adolescencia, al terror que producen esos años de llenos de dudas y miedo. Así son las dos historias que componen el Miedo Issue, dos joyitas que no han de pasar desapercibidas.

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  1. VERSUS de Luis Bustos ( Entrecomics Comics)

El último combate de Tom King no es un combate normal, contra un adversario; no es un simple intercambio de golpes; sino que  es contra el tiempo y su vida. Esta cuenta atrás es narrada brillantemente por Luis Bustos, en un relato del que todos sabemos el final, pero nadie conoce el transcurso. Versus es una apología de la estética aplicada al deporte, una obra intensa que explica la fuerza de este deporte a través de unos lápices que no tiemblan a la hora de utilizar cualquier recurso y mostrar el sufrimiento del protagonista. Soberbia, dura e intensa, una obra para devorar que va directamente a la retina.

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  1. DLTLPS de Gabriel Corbera (Space Face Books)

La vida como un bucle, hacer del momento clave algo infinito del que no se sale. EL punto fuerte de DLTLPS es la creación de unos personajes muy icónicos que no evolucionan en un escenario que no para de plantearle una serie de obstáculos, que en realidad les debería hacer crecer como personajes. El relato es un reto constante al lector por plantear una aventura infinita de la que solo vemos un fragmento, de la que solo podemos percibir la esencia de lo ahí narrado.

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  1. F$P #1 de Irra y Dabi (Autoedición)

Estos dos tipos son los autores sevillanos, que si todo va como tiene que ir, van a dar mucho que hablar. El pasado noviembre se autoeditaron dos obras F $ P y A. Las dos me encantaron, pero si me tengo que quedar con una escojo la primera. Se trata de un texto adrenalítico que se desarrolla en una Sevilla sumergida en el Iberpunk con fuerzas demoniacas de por medio. El conjunto me recuerda a la primera vez que leí Akira de Katsuhiro Otomo, no digo más. Siganles la pista por las redes sociales.

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  1. Kiosco de Juan Berrio (Dibbuks)

Otro canto a la vida en la ciudad del autor vallisoletano. Este trabajo planteado con sencillez nos planta la historia de una persona, un ser humano desde que se levanta hasta que se acuesta. Su puesto de trabajo es una atalaya desde la que puede vislumbrar todo lo que sucede en la ciudad. Lejos de ser una obra voyeur, como fue su anterior Cuaderno de frases encontradas, se trata de una obra que fabricada, creada desde cero pero que guarda ese aspecto de crónica social que tiene los últimos trabajos del autor. Juan Berrio es uno de los imprescindibles del cómic español.

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  1. PutoKrío de Jorge Riera y VVAA (Edicions de Ponent)

Los que conocen a Jorge Riera dicen que es un tipo peculiar: genial, borrachuzo, pesado, encantador, bipolar, etc. No sé si es cierto pero en PutoKrío nos lo deja muy clara en su muy verdadera, aunque quizás no tanto, biografía. Esta obra es un gran juego metabiográfico en el que el personaje de ficción se apodera de la falsa vida real del guionista. Todo empieza como una broma pero el juego de Riera se encuentra a medio camino entre el found footage y el mockumentary se salda con resultados más que satisfactorios.

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  1. Inercia de Antonio Hitos (Salamandra Graphic)

Posiblemente el trabajo más anunciado y esperado del año. Antonio Hitos debuta con una obra sobre lo humano y lo divino, con una crítica brutal a esto último. Para matar ese ápice de la trascendencia de la vida y lo humano utiliza el puñal de la ciencia. Todo en un entorno urbanita, deshumanizado con unos edificios y contextos que prescinden de las personas. Un título impecable en el aspecto gráfico que sorprenderá a muchos por su solvencia narrativa. Un cómic que necesita releerse unas cuantas veces para captar las metáforas y el uso narrativo del color.

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  1. El Polo Sur de Alexis Nolla (Apa-Apa Cómics)

En este trabajo Alexis Nolla dota al fracaso con una estética casi naif a unos seres voluntariosos que saben que no van a conseguir lo que se han propuesto, y a pesar de ello siguen para adelante. El autor nos plantea una obra sobre el viaje, el trayecto supone lo más importante de la narración, el fin no existe, sino una continua secuencia de idas y venidas que retratan el carácter de unos personajes cuyo mayor logro ha sido pervivir a pesar de no lograr sus metas.

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  1. Fútbol. La novela gráfica de Santiago García y Pablo Ríos (Astiberri)

Vamos a ser sinceros, pensaba que Futbol iba a ser el comic que menos me iba a gustar este año. Me encanta el estilo de Pablo pero no lo acababa de ver. Pero tonto de mí, Futbol es un texto que ha sido capaz de alejarse de todos los tópicos del deporte rey (topicazo por excelencia) sin perder la esencia de lo que hace que este deporte sea socialmente tan aceptado. Gusta a los más forofos y enganchará a aquellos que descubran la faceta humana del deporte. Porque de eso va esta obra de la dimensión que adquieren cuando se pone por medio una pelota. Eso y que el trabajo de Pablo, y el de Santiago, es la p*ll* (perdonen)

 

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

 

Spain is pain #179: “Eres entrañable freak”.

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PutoKrío (Jorge Riera y VVAA). Edicions De Ponent, 2014. Rústica con solapas. 23 x 26,6 cm. 192 páginas. B/N. 22 €

Hace unos cuantos años cuando todavía tenia tiempo, y ninguna responsabilidad, solía ir de salón en salón de cómic por toda España. En una ocasión, creo que era uno de los primeros Expocómic, estaba esperando en una cola para que me firmaran algo o simplemente deambulando cuando de pronto me encontré a Jorge Riera, creo que era cuando todavía dirigía Kabuki y si no por ahí andaba la cosa. Me acerque a él y le pregunte algunas cosas sobre la revista, que había pasado con la polémica televisiva de la revista, hablamos de mujeres y eso que se me ocurrió pedirle una firmita, le di mi libreta destinada para esas cosas y ni corto ni perezoso dibujo un monigote, un símbolo de Batman y un enorme pene con la siguiente dedicatoria: “eres entrañable freak”. La hoja en cuestión todavía la guardo, no se donde pero por ahí debe de andar.

Pues eso, a Jorge Riera lo sigo desde la época de Kabuki, la polémica revista sobre manga y anime cuyo giro hacia la subcultura oriental les granjeo el desprecio de gran parte del mundillo (sea lo que sea o quienes sean) del incipiente fenómeno manga en nuestro país, y ahí es en mi modesta opinión donde comienza las aventuras de PutoKrio, el alter ego de Jorge, con las crónicas de los viajes al salón del cómic de Barcelona, las fiestas de presentación, etc. Y es que si algo caracteriza a este hombre es por hablar siempre en primera persona con total sinceridad que no objetividad, porque ahí esta la gracia de PutoKrio.

Después de unos cuantos años y de seguir de manera intermitente su trabajo me reencuentro con este personaje/autor, uno no sabe donde empieza y acaba cada uno de estos dos roles, con un biopic que podríamos definir como coral egocentrista. Él guioniza todas las historias y estas son dibujadas por una selección de los mejores autores del país. Pero a la hora de definir el genero me cuesta, se que es una autobiografía pero también es un suicidio social en toda regla hablar de uno mismo de esa manera, con tanta sinceridad y sin guardarse nada. De manera en vez de llamarlo biopic lo definiremos como harakiri creo que es la manera más justa de definir esta obra, al menos desde el punto de vista del guionista.

Otra duda que me surge como lector es como leer este trabajo, básicamente tengo dos opciones: o me lo tomo en serio o como un mockumentary del autor sobre si mismo. La primera opción, y hablando estrictamente de autobiografías, es un ejercicio crítico escrito sin desparpajo y sin importarle realmente quien lo pueda leer o que puedan pensar cuando estén delante de este cómic no deja de ser un harakiri. Desde este punto de vista ante una crónica cruda del pasado de Jorge Riera en la que este aborda sin ningún tipo de remordimiento los aspectos más polémicos de su vida.

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 Pero ¿y si todo lo que nos cuenta es mentira? Aun siendo así que nos importa me parece la aproximación más interesante: Jorge Riera dibujando un pasado a su medida como un grand guignol: macabro y poético, en la que describe una caída a los infiernos de la que parece que no acaba de salir o en la que se mantiene ahí con relativa calma. En esa construcción referencial de su pasado juega en gran parte el conocimiento que el resto tenemos de él y en gran medida en reconocerse en ese espejo que son sus amigos y sus lectores/espectadores/seguidores.

 Para mi PutoKrio es un juego metatextual bastante bien explotado no solo por la utilización de su alter ego visto por diferentes autores, sino por el riesgo tomado por el autor en la recta final del relato en la que abandona la batuta de director y pide a algunos autores que al parecer solo conoce a través de las redes sociales, o al menos eso es lo que parece, que hablen de su relación con Jorge. En resumen, el volumen es en su totalidad una puesta en abismo, una apuesta por el vértigo que supone describirse así mismo. Jorge Riera es a la vez Jimmy Stewart y Kim Novak en Vértigo de Alfred Hitchcock; un ser que quiere moldearse así mismo como si él mismo fuera una tercera persona.

 Quizás todo esto suene superlativo, pero conociendo la trayectoria de Jorge puede parecer que en primera instancia nos vayamos a encontrar con otro tipo de texto más del montón; sin embargo, y a medida que van pasando las páginas uno se da cuenta que más que una narración ególatra estamos ante un pequeño experimento que se ha saldado con bastante buena nota y que abre la puerta a continuaciones en las que el guionista reescriba un pasado a su medida.

P.D.- Los autores que han colaborado en esta obra junto con Jorge Riera son: Sequeiros, Juaco Vizuete, Enric Rebollo, Javier Peinado, Natacha Bustos, Pablo Vigo, Cristóbal Fortúnez, Pablo Rios, Carla Berrocal, Miguel Ángel Martín, Francisco Redondo, Miguel Porto, Borja Gonz´alez Hoyos, Dario Adanti, Mortimer, Félix Ruiz, JAB, Alberto Gonz´alez, Eugenio Merino, Jordi Costa, Joaquin Aldeguer, Álex Mendibil, Mauro Entrialgo, Néstor F., Álvaro Ortiz, María Rubio, Felipe H. NAvarro y Sergio Bleda. Con prologo de Oscar Aibar y Hernan Migoya al epitafio (ambos entrando en el juego del biopic.)

@MrMiquelpg

@lectorbicefalo

Spain is pain #177: Después de la muerte.

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La luz (Antonio Seijas). Edicions de Ponent, 2014. Rústica con solapas. 21 x 29,70cm. 88 págs Color 20€

Hay dos situaciones narrativas en la que la descripción de los espacios, los personajes y las reglas del mundo convencional suelen quebrarse: los sueños y la vida tras la muerte. Si el primero suele ser un “lugar” en el que se suele dar libertad a lo estético y se puede jugar a doblar las narrativas convencionales. Sin embargo, los relatos que se desarrollan post-mortem están labrados por lo general con cierta apariencia sobria y temáticamente giran en torno a los remordimientos, y a partir de ahí dependiendo del autor se pueden acotar terrenos más o menos espirituales.

En La luz (De Ponent, 2014) de Antonio Seijas se dibuja un espacio post-mortem que transita entre las dos situaciones mencionadas anteriormente, y aunque se decanta más por la segunda no desprecia utilizar las herramientas de la primera como elemento más narrativo que estético. El autor nos explica la caída en desgracia de una familia que poco a poco se va marchitando y desapareciendo, todo a causa de la incapacidad de algunos de ellos a la hora de manifestar sus sentimientos. Esa reunificación es tras la muerte de algunos de ellos justo antes de que el padre del protagonista vaya a morir.

Todo ello gira en torno a un no-lugar, un faro, como esencia de la luz y de la guía que supone este tipo de edificación para los barcos que andan perdidos, eso implica lo inexorable de la muerte como fin a una vida. De ahí que esa reunión sea solo una excusa para explicarnos el camino que han recorrido dichas vidas y saber los motivos que les han llevado a cada uno de los miembros de la familia a ese estado de eterna melancolía incluso después de morir.

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Ese viaje será aprovechado por el autor para investigar a través de diferentes estéticas cada una vinculada a una figura diferente de las cartas del tarot que el abuelo regala a su nieto. Otra vez un elemento que marca y denota la importancia de la lectura del pasado para encontrar las respuestas del futuro. La utilización de las cartas juega con la idea del texto dentro del texto como una puesta en abismo que genera como mínimo dos espacios de narración. Uno en el que se desarrolla la reunión familiar, y otro en el que se nos explican historias concernientes con la vida y la muerte.

La luz es en esencia un relato melancólico sobre la vida de un grupo de personas y sobre la inevitabilidad de la muerte omnipresente en la vida de todos ellos como el momento que los ha marcado y al que estaban destinados. Sin embargo, se echa en falta un poco más de dureza en el tratamiento del relato, algo de unidad narrativa entre los diferentes segmentos y un poco más de unidad estética en el dibujo. Por lo demás una buena historia que es capaz de llegar a todos.

@MrMiquelpg

@lectorbicefalo