Spain is pain #266: Bunny in da hauz.

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Mameshiba (Cristian Robles) DeHavilland, 2016. Rústica, 56 págs. Color, 12,60 €

Parece algo inherente a la cultura urbana del hip-hop la idea de competitividad, desde las peleas de gallos, grafiteros compitiendo por territorio incluso en el tema del baile la cuestión del enfrentamiento aparece en todo momento. Eso da pie a historias de reconciliación, superación y amistades que se reconcilian, algo que a la larga se ha ido escapando de los espacios narrativos de los guetos estadounidenses para llegar a otros contextos urbanos. Esa es posiblemente la  fuerza del rap, la capacidad de trascender del escenario en el que nació para convertirse en un género musical transnacional con una capacidad de adaptación apabullante.

El rap o más bien el trap es el trasfondo narrativo en el que Cristian Robles articula su nueva obra. La protagonista de esta es Bunny, un chica de extrarradio que decide hacerse una carrera en la música pero siguiendo los paradigmas actuales de crecimiento a través de redes. La protagonista aspira a ser un tipo de estrella contemporáneo en el que internet y los videos virales se convierten en el campo de acción y expansión de las creaciones de los nuevos artistas. Robles nos habla del ahora a través de la contemporaneidad: las drogas están presentes en todo momento, móviles de última generación, pérdida de intimidad a través de canales como YouTube, etc.

Pero sobre todo esta otro cambio de arquetipo sobre la constitución de los role models contemporáneos, en este caso Mameshiba una legumbre que resulta ser la mayor estrella en redes. Bunny espera ser como ella, convertirse en un referente dentro de la cultura hip hop del momento. Para ello entra en una competición que le llevará a enfrentarse con su ídolo. Pero el camino de la protagonista no será ni mucho menos recto. Traiciones personales, envidias, y resulta que la persona/legumbre que tanto adora no es quien aparenta ser.

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Cristian Robles continúa desarrollando en Mameshiba un universo personal sobre una visión del mundo actual que en Ikea Dream Makers y Soufflé ya daba pistas de la amplitud en la concepción estética y referencial de su obra. En su último trabajo, posiblemente más en la línea de su opera prima apuesta y a medio camino de la segunda, entre cierta visión surrealista del mundo y cierta apuesta por una ficción a modo de crónica sobre la dejadez. Mameshiba se levanta como un relato en el que aun siendo fiel a sus valores estéticos le da un giro a este diferenciándose de sus dos trabajos anteriores. Dicha visión personalista del mundo no cierra la posibilidad de una lectura plena por parte del lector, todo lo contrario, se trata de una historia llena de referencias musicales, de carácter estético en el que se plasma la querencia del autor por la cultura popular japonesa, incluyendo una trasformación a lo Sailor Moon.

Ese punto de ficción dentro de la ficción nos revela cierto punto de fuga en el que se evita una lectura social directa sino figurada. No se trata de hacer una representación pura de nuestra sociedad pero si de hablar a través de los usos, costumbres y los dejes de los personajes; pero sin convertirlos en estereotipos puros y duros; algo que ya había demostrado previamente en sus obras anteriores. Robles, que va a obra por año, parece desplegar una serie de recursos gráficos y narrativo que parecen inagotables y siempre sorprendentes con los que elabora unos cómics que siempre dejan un regusto dulce pero amargo, como las buenas historias de la vida.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

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Spain is Pain #260: vuelve el underground.

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Voltio #1 (VVAA) La cúpula, 2016. Rústica, 124 págs. Color, 12€

En una entrada anterior sobre la primera entrega de La resistencia sobre este posible nuevo ciclo que puede estar empezando de revistas periódicas dedicadas al cómic en un formato algo diferente del que habíamos visto anteriormente y condicionado por las publicaciones digitales y por un tipo de autores cada vez más acostumbrados a publicar regularmente online, ya sea historietas, ilustraciones incluso opinión sobre el trabajo de otros autores. El caso de Voltio es un tanto diferente tanto por el perfil de editorial con un público con un gusto por un tipo de cómic de autor y arriesgado y por los autores que componen el volumen en sí mismo.

La apuesta de Voltio, editado por Ana Oncina y Alex Giménez, es por una serie de autores de la última generación que arriesgan con nuevas estéticas, diferentes formas de abordar la narración o innovar dentro de las formas más tradicionales del relato. Por lo general estamos ante dos tipos de relatos aquellos que bordean lo cómico, cada una con un estilo diferente, o aquellos que construyen la historia bajo la perspectiva de lo incómodo.

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Entre estos últimos están Mancha de Nuria Tamarit en la que una marcada elipsis de años se convierte en una gran incógnita sobre un reto de adolescencia. Yo y tú  de Alexis Nolla en la que dos personajes, que probablemente ni se conozcan, establecen una relación basada en el instinto inmediato de ambos. En Bicicletas Power Paola esboza a través de un breve relato en el que dos personajes se enseñan mutuamente a montar en bicicleta cierta incomodidad bajo la estética que lo caracteriza.

En una vertiente más experimental se encuentra Blah de José Domingo, en este el protagonista busca la experiencia de la soledad alejándose de ruidos y palabras vanas. Los relatos más estéticos son aquellos de Andrew Rae, Moonhead in the City, de una sola página en la que un hombre luna sufre una ensoñación mientras pasea, o Alan, del incólume skater y autor de cómics onubense Antonio Hitos, a medio camino entre lo esteta un humor puñetero y cabroncete.

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El resto de autores participan con relatos en los que predomina lo humorístico bajo diferentes vertientes, a excepción de Alicia de Ana Oncina una reescritura de Alicia en el país de la maravillas, quiero creer, que profundiza en un relato en el que el espacio cobra un papel relevante y se apoya en ciertos aspectos de estética adorable. Fran Collado juega con la idea de los espiritistas de plantas en Coldbridge & Blackguard espiritistas botánicos; Cristian Robles (a.k.a. Kensausage) en sus dos historias juega con la idea de la condición humana, en la primera Tú eras mi hermano, yo te quería un gato ve como un niño recién llegado a casa, al que él considera como hermano, crece y crece sin contarle el secreto de su desarrollo físico. Por otro lado en El caso normal de Benjamin Button negando por completo la excepcionalidad del ser humano. Alex Giménez participa con Rojo y crudo, Amor Absoluto y la primer entrega de Pedrín y Jeremías; el primero son historias de una página protagonizada por dos personajes transgresores, la segunda es una historia de amor entre un hombre y una mujer en la que nada es lo que parece, y la comida adopta un papel muy importante,y Pedrín y Jeremías un relato que se desarrolla en la época de los bandoleros y en que Jeremías  disfruta metiendo miedo a Pedrín justo antes de que este se interne en el bosque. Para acabar falta hablar de Aroha Travé y Corvis en el que un par de amigos, uno con un problema peculiar por un problema de crecimiento se mudan de ciudad y Larry Keel de Alex Red, que trata sobre las ensoñaciones y pesadillas de un tipo que en vez de nariz tiene un pene del tamaño de un infante.

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Solo queda decir lo fresco de la propuesta, es poco habitual que las editoriales apuesten por un tipo de creación que últimamente estamos más acostumbrados a ver en el ámbito de la autoedición o en la red. La idea de Voltio creo que dista mucho de la idea de revista a la que estamos acostumbrados y que por narices deberá seguir mutando en función de las necesidades tanto del público, las editoriales, pero sobre todo de los autores y de sus necesidades creativas.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #241: Lo mejor de 2015.

Se ha acabado 2015 y empiezan las listas de lo mejor: música, cine, literatura,… y como no las de cómic también. Como bien es sabido esta sección está dedicada exclusivamente al cómic español. Este año como en anteriores he sido incapaz de hacer una lista de los 10 mejores, por eliminación me he quedado con 12 títulos que considero imprescindibles para entender el año tebeístico español. Y recordad, las listas son subjetivas y nunca a gusto de todos.

1.- La casa de Paco Roca (Astiberri)

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Para mí la mejor obra de Paco Roca, y el mejor título de este año, hasta el momento. En esta el que el pulso autoral se une al personal para crear una obra emocionante sobre personas, familias, y las emociones que se construyen alrededor de una casa.

2.- ¡Oh diabólica ficción! de Max (La Cúpula)

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Cada obra de Max sigue siendo una sorpresa a pesar de la longeva, y afortunada, de su obra. Su último trabajo gira en torno a la idea de creación encarnando en una urraca el origen de la cultura humana. Estética breve al servicio del intelecto que tiene como protagonista a la cultura.

3.- Necrópolis de Marcos Prior (Astiberri)

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Al igual que sus trabajos anteriores Marcos Prior opta por el análisis político y social. En este caso una ciudad en proceso de cambio, en el que brillantemente el autor hace protagonista al lector que presencia la carrera electoral de los candidatos a la alcaldía y los testimonios de ciudadanos anónimos. Necrópolis cae como una losa sobre nuestras consciencias. Leanlo.

4.- Llavaneres de Arnau Sanz (Edicions de Ponent)

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Arnau Sanz nos regala en esta ocasión un relato sobre el recuerdo, la familia y la importancia de los espacios; pero sobre todo del tiempo. Llavaneres es una obra sobre el pasado aquel que fue real, y aquel que muchas veces, sin saberlo, imaginamos y que lo incluimos en nuestra línea temporal.

5.- Soufflé de Cristian Robles (La Cúpula)

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Soufflé retoma la idea de representación de una sociedad alienada de sus instintos naturales que se mueve por una artificialidad de en los hábitos y costumbres, de la incapacidad de ser una comunidad más allá de la superficie, pero repitiendo la fórmula de su obra anterior, sin moraleja ni falsos relatos sociales. Fascinante en lo estético.

6.- ¡Garcia! de Santiago García y Luis Bustos (Astiberri)

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Un puñetazo en la cara. Eso es lo que es el último trabajo de García y Bustos, una obra destinada a remover tripas entremezclando el thriller político y el relato de acción, pero que sin duda está cargado de muy mala leche en cuanto a la representación de nuestro país se refiere. Un reflejo de España aquí y ahora.

7.- Hit emocional de Juanjo Sáez (Sexto piso)

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Nadie como Juanjo Sáez habla de su vida y nos hace sentir como parte de ella. En este título utiliza una herramienta infalible: la música. A través de esta hila una estructura narrativa vinculada a las experiencias personales, que a medida que pasan las páginas nos van pareciendo más y más nuestras.

8.- El paraíso perdido de Pablo Auladell (Sexto piso)

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El paraíso perdido de John Milton es una obra compleja de ahí que el valor de esta adaptación/reescritura de Pablo Auladell sea tan interesante. Se trata de un libro bello que establece vínculos con algunos momentos de la historia del arte y en el que podemos ver la evolución del artista.

9.- Quartznaut de Álex Red (DeHavilland)

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Un padre y una hija entra en una tienda muy especial en la que un perro entra en trance cuando escucha rock progresivo. Álex Red esboza la excusa perfecta para diseñar micromundos fantásticos en una obra divertida que hay que leer con los ojos, y la mente, muy abierta. Estética arrebatadora.

10.- Heartbeat de María Llovet (Norma Editorial)

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La especialidad de la autora catalana es crear obras llenas de texturas y capas narrativas con múltiples referencias a la mitología y al arte en general. Esta vez el punto de partida son unos falsos adolescentes que juegan con la vida y la muerte, quitándola o dejándosela quitar. Una obra magnifica de una de mis autoras favoritas.

11.- Murcia de Magius (Entrecomics cómics)

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Magius reinterpreta el universo provincial murciano, los tejemanejes políticos, las liturgias religiosas, etc. En la que la perversión del concepto de rito nos permite explorar que hay detrás de costumbres que con el tiempo se han convertido en rutina.

12.- Las aventuras de Joselito de José Pablo García (Reino de Cordelia)

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José Pablo García hace un homenaje pop en el sentido más amplio de la palabra con Joselito, uno de los iconos de la cultura popular española más reconocidos en todo el mundo. Pero no se queda en la superficie del homenaje sino los estilos gráficos son otro homenaje al cómic como arte en sí mismo. Una obra fantástica.

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Spain is Pain #213: Mondo raro.

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Soufflé (Cristian Robles) La Cúpula, 2015. Rústica, 100 págs. Color, 14,5€

Hace unos meses Cristian Robles nos sorprendía con Ikea Dream Makers una obra totalmente inesperada en la que se nos mostraba de forma alucinógena la vida de un tipo atrapado, primero en un habitáculo de una macrotienda de muebles y luego en una especie de espacio sicotrópico en el que estos muebles son construidos bajo la supervisión de un tirano. Se trata de una obra que nos muestra con gran solvencia, pero sin moraleja barata una lectura sobre el espacio que ha ido ocupando el capitalismo en nuestras vidas.

Tan solo unos meses después nos llega el segundo trabajo de este autor: Soufflé. Una obra en la que ha dado un salto cualitativo, aunque en tan poco espacio de tiempo es difícil hablar de una evolución o una progresión. En principio se trata de dos obras muy diferentes en la que la concepción del diseño de personajes y espacios dan unos valores muy concretos al trabajo. Si en el caso de la primera obra nos encontramos con un entorno fantástico, en Soufflé lo gráfico bebe de la realidad pero permitiéndose ciertas licencias surrealistas provocadas  por la droga de moda del momento y que da título a este trabajo.

Daniel, Gross, Andy, Bea y Lana protagonizan una historia no como colectivo, auqneu en un primer momento podría paracerlo, sino como un grupo de individuos que no se plantean opciones de vida más allá de ellos mismos y a los cuales las desgracias los convierten en seres egoístas, irritables y faltos de empatía. Estos son consumidores de Soufflé, a pesar de las advertencias del gobierno, una droga tipo cannabis que en apariencia parece inofensiva pero que con el consumo excesivo hace que pierdan partes de su cuerpo en el caso de Andy la mano derecha y de Bea los ojos.

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El relato se plantea como un thriller atípico basado en la linealidad y la causalidad pero sin abusar de los tópicos del género, y que recuerda en su estructura a Blue Velvet de David Lynch en el que la acción empieza con una oreja cercenada que es encontrada en el campo, aquí es Daniel el que encuentra un brazo en una caja, precisamente el que ha perdido Andy. Se redunda también en cierta idea del relato generacional en el que el resto de la sociedad es aparentemente inexistente y el estado se convierte en una mera advertencia sobre la peligrosidad de las drogas. Son una especie de supervivientes es una ciudad casi fantasma.

La droga es mostrada como un ente que emancipa el intelecto de los personajes del mundo real pero sobre todo como una condena para los personajes que tienen que arrastrar secuelas físicas, perdida de extremidades y las consecuentes psicológicas de la perdida. Aquí nos encontramos lo mejor, o peor de ambos mundos, el padre de Andy ha creado un paraíso sicotrópico a base de soufflé para recuperar a su mujer muerta y en el que las personas pueden trascender a la forma que quieran manteniendo el fondo. Es en estos aspectos, lo artificial en lo alucinógenos, que los diseños de Robles explotan en formas y colores.

Soufflé retoma la idea de representación de una sociedad alienada de sus instintos naturales que se mueve por una artificialidad de en los hábitos y costumbres, de la incapacidad de ser una comunidad más allá de la superficie, pero repitiendo la fórmula de su obra anterior, sin moraleja ni falsos relatos sociales. Los protagonistas son unos perdedores en un mundo anodino que una vez surgen situaciones excepcionales, se convierten insuperables. El estilo recuerda a los diseños de Dave Cooper y el tratamiento narrativo de Charles Burns, pero el discurso de Robles, es único, propio, y parece que va tomando forma poco a poco, tanto en lo narrativo como en lo visual, en la que lo que más brilla son los recursos gráficos que se saca de la manga para explicarnos una historia que se mueve entre el cielo y el infierno de los protagonistas.

@Mr_Miquelpg

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Spain is Pain #201: Lo mejor de 2014.

Se acaba el año, empieza uno nuevo y para no perder la costumbre, ya por tercer año consecutivo, publico la lista de lo mejor del año a nivel estatal. Se trata de una lista subjetiva,  quizás más de sensaciones y de valores. Creo que he escogido los títulos listados a continuación por los valores narrativos, estéticos y discursivos en los que los autores se han apoyado para elaborar su relato; y en las sensaciones que me han provocado cada título. Esta lista como cualquier otra es puramente subjetiva. Como por lo general no me gustan las listas de 10 este año he escogido 12, porque 12 son las campanadas y las uvas que nos separan un año de otro. Pues eso, ahí va la lista:

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  1. Culto Charles de José Ja Ja Ja (Fulgencio Pimentel)

La primera posición es para el trabajo de José Ja Ja Ja. Su obra nos habla de un descubrimiento que empieza por la edición en intonso (quiero pensar que no soy el único tonto que escribí a Berni para decirle que mi volumen estaba defectuoso 😉 ) que nos remite a aquellos textos inéditos que han estado ocultos durante mucho tiempo y aparecen ante nosotros vírgenes, por abrir, en un lenguaje visual críptico que nos obliga a repasar las páginas una y otra vez. Una obra difícil pero gratificante que va en contra las visiones ultracanónicas y preconcebidas del cómic. 2014 no hubiese sido lo mismo sin Culto Charles.

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  1. Las meninas de Santiago García y Javier Olivares (Astiberri)

Frente al primer título que compone esta lista podríamos  considerar la obra de Santiago García y Javier Olivares como clásica. Pero no nos engañemos, Las meninas es uno de esos títulos que seguiremos releyendo una y otra vez por la cantidad de capas discursivas que los autores han aplicado y  que no hace más que revalorizar, más si cabe, la figura de Velázquez y poner un granito de arena más en el valor del cómic como medio para explicar la historia de un país. Firme candidato para el Premio Nacional del Cómic.

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  1. Ikea Dream Makers de Cristian Robles (DeHavilland)

Una de las sorpresas de la temporada, Ikea Dream Makers es el cómic que nadie esperaba encontrarse este año y el autor se ha plantado ahí con una gran solvencia narrativa y estética. Pero sobre todo por la capacidad de elaborar un discurso que nos habla del lado más cruel del capitalismo sin recurrir a lo más patético del relato social. Imprescindible.

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  1. Trabajo de clase/Nuevos Románticos de Ana Galvañ y Marc Torices (Apa-Apa Cómics)

Dos relatos centrados en la extrañeza de la adolescencia, y lo difícil que es crecer en una sociedad completamente alienada. Ana Galvañ y Marc Torices nos proponen un viaje alucinógeno al centro de la adolescencia, al terror que producen esos años de llenos de dudas y miedo. Así son las dos historias que componen el Miedo Issue, dos joyitas que no han de pasar desapercibidas.

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  1. VERSUS de Luis Bustos ( Entrecomics Comics)

El último combate de Tom King no es un combate normal, contra un adversario; no es un simple intercambio de golpes; sino que  es contra el tiempo y su vida. Esta cuenta atrás es narrada brillantemente por Luis Bustos, en un relato del que todos sabemos el final, pero nadie conoce el transcurso. Versus es una apología de la estética aplicada al deporte, una obra intensa que explica la fuerza de este deporte a través de unos lápices que no tiemblan a la hora de utilizar cualquier recurso y mostrar el sufrimiento del protagonista. Soberbia, dura e intensa, una obra para devorar que va directamente a la retina.

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  1. DLTLPS de Gabriel Corbera (Space Face Books)

La vida como un bucle, hacer del momento clave algo infinito del que no se sale. EL punto fuerte de DLTLPS es la creación de unos personajes muy icónicos que no evolucionan en un escenario que no para de plantearle una serie de obstáculos, que en realidad les debería hacer crecer como personajes. El relato es un reto constante al lector por plantear una aventura infinita de la que solo vemos un fragmento, de la que solo podemos percibir la esencia de lo ahí narrado.

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  1. F$P #1 de Irra y Dabi (Autoedición)

Estos dos tipos son los autores sevillanos, que si todo va como tiene que ir, van a dar mucho que hablar. El pasado noviembre se autoeditaron dos obras F $ P y A. Las dos me encantaron, pero si me tengo que quedar con una escojo la primera. Se trata de un texto adrenalítico que se desarrolla en una Sevilla sumergida en el Iberpunk con fuerzas demoniacas de por medio. El conjunto me recuerda a la primera vez que leí Akira de Katsuhiro Otomo, no digo más. Siganles la pista por las redes sociales.

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  1. Kiosco de Juan Berrio (Dibbuks)

Otro canto a la vida en la ciudad del autor vallisoletano. Este trabajo planteado con sencillez nos planta la historia de una persona, un ser humano desde que se levanta hasta que se acuesta. Su puesto de trabajo es una atalaya desde la que puede vislumbrar todo lo que sucede en la ciudad. Lejos de ser una obra voyeur, como fue su anterior Cuaderno de frases encontradas, se trata de una obra que fabricada, creada desde cero pero que guarda ese aspecto de crónica social que tiene los últimos trabajos del autor. Juan Berrio es uno de los imprescindibles del cómic español.

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  1. PutoKrío de Jorge Riera y VVAA (Edicions de Ponent)

Los que conocen a Jorge Riera dicen que es un tipo peculiar: genial, borrachuzo, pesado, encantador, bipolar, etc. No sé si es cierto pero en PutoKrío nos lo deja muy clara en su muy verdadera, aunque quizás no tanto, biografía. Esta obra es un gran juego metabiográfico en el que el personaje de ficción se apodera de la falsa vida real del guionista. Todo empieza como una broma pero el juego de Riera se encuentra a medio camino entre el found footage y el mockumentary se salda con resultados más que satisfactorios.

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  1. Inercia de Antonio Hitos (Salamandra Graphic)

Posiblemente el trabajo más anunciado y esperado del año. Antonio Hitos debuta con una obra sobre lo humano y lo divino, con una crítica brutal a esto último. Para matar ese ápice de la trascendencia de la vida y lo humano utiliza el puñal de la ciencia. Todo en un entorno urbanita, deshumanizado con unos edificios y contextos que prescinden de las personas. Un título impecable en el aspecto gráfico que sorprenderá a muchos por su solvencia narrativa. Un cómic que necesita releerse unas cuantas veces para captar las metáforas y el uso narrativo del color.

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  1. El Polo Sur de Alexis Nolla (Apa-Apa Cómics)

En este trabajo Alexis Nolla dota al fracaso con una estética casi naif a unos seres voluntariosos que saben que no van a conseguir lo que se han propuesto, y a pesar de ello siguen para adelante. El autor nos plantea una obra sobre el viaje, el trayecto supone lo más importante de la narración, el fin no existe, sino una continua secuencia de idas y venidas que retratan el carácter de unos personajes cuyo mayor logro ha sido pervivir a pesar de no lograr sus metas.

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  1. Fútbol. La novela gráfica de Santiago García y Pablo Ríos (Astiberri)

Vamos a ser sinceros, pensaba que Futbol iba a ser el comic que menos me iba a gustar este año. Me encanta el estilo de Pablo pero no lo acababa de ver. Pero tonto de mí, Futbol es un texto que ha sido capaz de alejarse de todos los tópicos del deporte rey (topicazo por excelencia) sin perder la esencia de lo que hace que este deporte sea socialmente tan aceptado. Gusta a los más forofos y enganchará a aquellos que descubran la faceta humana del deporte. Porque de eso va esta obra de la dimensión que adquieren cuando se pone por medio una pelota. Eso y que el trabajo de Pablo, y el de Santiago, es la p*ll* (perdonen)

 

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Spain is pain #193: Ikea, dios de la muerte.

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Ikea Dream Makers (Cristian Robles) DeHavilland, 2014. Rústica, 48 págs. B/N 9,50€

La idea de la planificación y el orden extremos puede ser algo tan apaciguador como desasosegador. Sin embargo, lo extremamente medido esconde detrás una especie de infierno personal en el que la apariencia se convierte en una especie de dictadura social que va más allá de cómo vamos vestidos o como socializamos, que llega a nuestras casas en forma de muebles que transmiten una especie de karma inquietante. Eso es en forma y fondo Ikea, una marca con un posicionamiento en el mercado que ha sido capaz de hacernos sentir especiales por el hecho de tener un mueble con un nombre impronunciable que previamente hemos ido a cazar a su almacén a la vez que millones de ciudadanos en todo el mundo.

Creo que todos somos más o menos conscientes de la alienación que se siente al ir a comprar productos de este tipo marcas ¿tiene algún sentido todo esto? Sinceramente creo que no. Simplificar aquellos actos que casi por fuerza tenemos que hacer nos lleva a ir a estos sitios sin el más mínimo sentido del pudor o de la vergüenza por compartir una especie de pseudo filosofía zen-nordica. Ikea Dream Makers redunda en alguna de esas ideas en las que la principal es la de evitar la exclusión a toda costa.

Cristian Robles nos pone enfrente a Caleb, un tipo que aparece en un cubículo desnudo, en el que solo vemos una pared de ladrillos y un respiradero. La cuestión es que ese respiradero es una ventana a una especie de paraíso, aunque en principio Caleb solo lo percibe como una forma de escapar de ese receptáculo hasta que las funciones primarias empiezan a dictarle el ritmo de su vida. Más adelante descubre otro respiradero que le lleva a conocer una mujer perfecta e ideal, que no es más que el mero reflejo de esa pseudo perfección planificada que nos vende Ikea.

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Eso sería la primera parte de la historia, la segunda responde una pregunta ¿Cómo se crea un “paraíso” a partir de plástico y madera conglomerada? La respuesta es más o menos sencilla: a través del infierno de miles de personas. Esta traslación nos lleva a una parte del relato de carácter surrealista en el que el nihilismo de Ikea, aquí transformado en un personaje físico que está a medio camino de un Santa Claus esclavista que tiene a cientos de elfos trabajando como esclavos, una marca de ropa que se nutre de niños esclavos para tejer la ropa con la que nos vestiremos en occidente y Odín (o Wotan)  dios central de las mitologías nórdicas, también de la sabiduría, la guerra y la muerte.

Ikea Dream Makers convierte ese ideal en un infierno posmoderno en el que predomina una estética “cute bizarre” en el que el diseño de personajes juega en favor de la desmitificación de los espacios idealizados creados por la empresa nórdica, en otras palabras: ese orden, la organización, los espacios preconstruidos son tan vacíos como en el que Caleb inicia su maldición surrealista. En esencia el relato de Cristian Robles es una historia que despierta una sonrisa pero que narra con todo tipo de detalles el absoluto horror que se esconde tras esa visión de una vida diseñada al milímetro. Esta obra es una de las sorpresas del año por lo inesperado, efectivo y lo completo de su narrativa y su estética. Pero sobre todo por convertir un relato fantástico-surrealista sobre la perversión del capitalismo en una denuncia sobre las formas de vida preconstruidas.

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