Spain is Pain #277: l’avant-garde, mon ami, l’avant-garde

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Hoodo Voodo (VVAA) Fosfatina, 2016. Rústica, 192 págs. Color, 30€

Las vanguardias artísticas son de por si elitistas ya sea  por cuestiones de acceso a la obra, de lo circunscrita que esta sea un circulo creativo u otro, incluso en ocasiones por el conocimiento que el espectador tenga de la obra del autor en cuestión. En todos los casos supone una ruptura con las formas más tradicional de cualquier arte, la ruptura implica un compromiso tanto por parte del autor, al cual se le “pide” que explique su obra tal como este entienda que tiene que hacerlo y a una audiencia que se involucre con la obra, no solo a un nivel de investigación, anterior o posterior, sino de dar su punto de vista aportar desde su background cultural que le permita asumir dicha ruptura, en cierta forma cerrarla. Y es que en las vanguardias la necesidad de entender una obra no tiene por qué ser precisamente obligatorio encontrarle un sentido. En gran medida porque este se abona cada vez más a implementar una distancia más larga entre forma y fondo, y a pesar de ello la mente humana se ve abocada de manera compulsiva a crear una narrativa a todo aquello que observamos o se plantea a nuestro alrededor.

En el ámbito del cómic la experimentación sobre la forma del relato es inherente al medio desde sus inicios. Las viñetas como forma de expresión estaban abonadas a rehacer cualquier hallazgo previo para llegar a una forma consensuada de estructuración y de pautas lingüísticas. Una vez establecido lo que el noveno arte va a ser, la experimentación, entiéndase como vanguardia, consiste en pervertir, transformar, rehacer todo aquello planteado como canon, o importar/exportar de/a otros artes para encontrar confluencias discursivas en las que ambas formas textuales se enfrentan

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En el caso de Hoodo Voodo se nos plantean otras cuestiones, pero la principal consistiría en definir que es el cómic de vanguardia. De hecho todo el volumen procura trazar una definición de esta tendencia del noveno arte. Sin embargo, gran parte de los integrantes de esta generación son autores que no se caracterizan por haber sido lectores asiduos de cómics o como mínimo alejados de los tebeos mainstream. Muchos vienen de los estudios de Bellas artes o de disciplinas, como la arquitectura, que en apariencia parecen alejadas de todo rasgo comiquero. Es decir, las nuevas direcciones que debe tomar el cómic  como tal viene dado en esencia por personas que tratan de buscar confluencias, encontrar a través de su experiencia personal, intelectual y cultural una definición propia del noveno arte, y que en la mayoría de ocasiones va  a partir desde fuera de este. A estas alturas aunque pueda ser considerado como algo estéril, podemos plantear otra duda ¿la vanguardia debe ser considerada como tal cuando es generada por autores del propio medio o cuando lo es por artistas ajenos a este?

Las editoriales como Fosfatina nos ayudan a resolver en parte esta pregunta, la publicación seriada de este cómic plantea otra escena muy diferente a la que estamos acostumbrados. Como esencia, y quizás como buque insignia, de su línea editorial Hoodo Voodo se erige como un ejemplo de las diferentes vertientes de ese nuevo cómic, inquietante e intrigante, que nos proporciona la oportunidad de hacer una panorámica global no solo a modo de catálogo de autores, sino también de formas de aproximación a todas las formas de interacción viñeta. Podemos encontrar historietas anarrativas en las que se realiza un acercamiento puramente estético pero en las cuales podemos encontrar evoluciones en ese apartado, pseudonarrativas, en las que una trama mínima busca da pie a la investigación sobre el personaje, puntos narrativos cero, otras en las que la forma es la clave para acceder al texto, etc. Aquí cabe todo, pero no cualquier cosa; los autores que participan en este volumen colectivo son: Roberto Massó, Andrés Magán, María Ramos, Nacho García, Begoña García-Alén, José JaJaJa, Alexis Nolla, Julia Huete, Los Bravú, Santi Z., Cynthia Alfonso, Óscar Raña, Conxita Herrero, Martín López Lam, Alejandro Gaudino, Ana Galvañ, Irkus M. Zeberio, Sergi Puyol, Roberta Vázquez, Cristina Daura y Luis Yang. Sin duda los más representativo y a tener en cuenta en este momento.

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En resumen, Hoodo Voodo es la mejor oportunidad para conocer el nuevo cómic nacional, un trabajo editorial impecable acompañado de dos imprescindibles introducciones de Octavio Beares y Gerardo Vilches que ponen el punto de partida necesario para poder abordar un volumen con la actitud necesaria para ser lo pretendido en un inicio. Esté título hace gala de ser una introducción a esta forma de entender las viñetas, pero que en ningún momento lo hace fácil. Está pensado para aquellos lectores más valientes, los que quieren que las páginas le den algo más que un texto ordenado cronológicamente, los que son capaces de deshacerse de las estructuras mentales de los tres actos y generar nuevas dinámicas de acción entorno a la estructura de la página. Es, en definitiva, uno de los títulos más imprescindibles de lo estos años y de los próximos, un punto de partida que nos permitirá con el tiempo evaluar el estado de nuestras viñetas. Imprescindible.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #260: vuelve el underground.

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Voltio #1 (VVAA) La cúpula, 2016. Rústica, 124 págs. Color, 12€

En una entrada anterior sobre la primera entrega de La resistencia sobre este posible nuevo ciclo que puede estar empezando de revistas periódicas dedicadas al cómic en un formato algo diferente del que habíamos visto anteriormente y condicionado por las publicaciones digitales y por un tipo de autores cada vez más acostumbrados a publicar regularmente online, ya sea historietas, ilustraciones incluso opinión sobre el trabajo de otros autores. El caso de Voltio es un tanto diferente tanto por el perfil de editorial con un público con un gusto por un tipo de cómic de autor y arriesgado y por los autores que componen el volumen en sí mismo.

La apuesta de Voltio, editado por Ana Oncina y Alex Giménez, es por una serie de autores de la última generación que arriesgan con nuevas estéticas, diferentes formas de abordar la narración o innovar dentro de las formas más tradicionales del relato. Por lo general estamos ante dos tipos de relatos aquellos que bordean lo cómico, cada una con un estilo diferente, o aquellos que construyen la historia bajo la perspectiva de lo incómodo.

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Entre estos últimos están Mancha de Nuria Tamarit en la que una marcada elipsis de años se convierte en una gran incógnita sobre un reto de adolescencia. Yo y tú  de Alexis Nolla en la que dos personajes, que probablemente ni se conozcan, establecen una relación basada en el instinto inmediato de ambos. En Bicicletas Power Paola esboza a través de un breve relato en el que dos personajes se enseñan mutuamente a montar en bicicleta cierta incomodidad bajo la estética que lo caracteriza.

En una vertiente más experimental se encuentra Blah de José Domingo, en este el protagonista busca la experiencia de la soledad alejándose de ruidos y palabras vanas. Los relatos más estéticos son aquellos de Andrew Rae, Moonhead in the City, de una sola página en la que un hombre luna sufre una ensoñación mientras pasea, o Alan, del incólume skater y autor de cómics onubense Antonio Hitos, a medio camino entre lo esteta un humor puñetero y cabroncete.

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El resto de autores participan con relatos en los que predomina lo humorístico bajo diferentes vertientes, a excepción de Alicia de Ana Oncina una reescritura de Alicia en el país de la maravillas, quiero creer, que profundiza en un relato en el que el espacio cobra un papel relevante y se apoya en ciertos aspectos de estética adorable. Fran Collado juega con la idea de los espiritistas de plantas en Coldbridge & Blackguard espiritistas botánicos; Cristian Robles (a.k.a. Kensausage) en sus dos historias juega con la idea de la condición humana, en la primera Tú eras mi hermano, yo te quería un gato ve como un niño recién llegado a casa, al que él considera como hermano, crece y crece sin contarle el secreto de su desarrollo físico. Por otro lado en El caso normal de Benjamin Button negando por completo la excepcionalidad del ser humano. Alex Giménez participa con Rojo y crudo, Amor Absoluto y la primer entrega de Pedrín y Jeremías; el primero son historias de una página protagonizada por dos personajes transgresores, la segunda es una historia de amor entre un hombre y una mujer en la que nada es lo que parece, y la comida adopta un papel muy importante,y Pedrín y Jeremías un relato que se desarrolla en la época de los bandoleros y en que Jeremías  disfruta metiendo miedo a Pedrín justo antes de que este se interne en el bosque. Para acabar falta hablar de Aroha Travé y Corvis en el que un par de amigos, uno con un problema peculiar por un problema de crecimiento se mudan de ciudad y Larry Keel de Alex Red, que trata sobre las ensoñaciones y pesadillas de un tipo que en vez de nariz tiene un pene del tamaño de un infante.

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Solo queda decir lo fresco de la propuesta, es poco habitual que las editoriales apuesten por un tipo de creación que últimamente estamos más acostumbrados a ver en el ámbito de la autoedición o en la red. La idea de Voltio creo que dista mucho de la idea de revista a la que estamos acostumbrados y que por narices deberá seguir mutando en función de las necesidades tanto del público, las editoriales, pero sobre todo de los autores y de sus necesidades creativas.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #209: Los límites del sexo.

rubor1Rubor (VVAA) La Cúpula, 2015. Rústica, 148 págs. Bitono, 17,50 €

Lo erótico está copando la cultura de masas, lo que durante años se ha denominado como softcore se ha reconvertido en un valor seguro dentro de la industria cultural, alejado, por su contenido y por el target de audiencia al que inicialmente va destinado, del estigma del mal gusto y de lo explícito. Es lo que de la mano de 50 sombras de Grey se ha denominado como “porno para mamás”, un cuento de princesas clásico salteado con escenas de sexo a la mínima oportunidad. Quizás la clave para esta consolidación sea un público objetivo deseoso de enfrentarse a nuevas experiencias lectoras, todo en una época en el que en las redes sociales se censura cualquier tipo de contenido que contenga un mero desnudo, aunque carezca de significado sexual, mientras que la violencia es tolerada como contenido viral.

En España si alguien ha sabido marcar bien la diferencia entre la utilización del sexo con orientación erótica, y también pornográfica, o como puro revulsivo ha sido desde La Cúpula, y esa vertiente se ha marcado siempre a través de sus dos publicaciones más destacables y añoradas: Kiss Comix y El Vibora. Si en la primera el sexo y sus consecuencia se descubre a través de un amplio abanico de posibilidades, variantes, y alguna que otra parafilia, en El Víbora, una revista por la que han pasado los mejores nacionales e internacionales (y que todavía lloramos su desaparición), el sexo se utiliza para remover conciencias, fuera de su contexto y ensuciarlo, dicho de otra forma para tocar los cojones.

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El término medio entre estas dos publicaciones supone un difícil equilibrio que ha venido de la mano de la misma editorial. Se trata de Rubor, una obra colectiva coordinada por Jordi Pastor en el que se agrupa lo más representativo del panorama actual, y ningún habitual del (trans)género erótico, en el que se le da una pequeña vuelta de tuerca para mantenerse en el límite entre lo explícito y lo provocativo, mostrando pero no como un fin sino como un medio pero sin perder el perfil narrativo de las obras meramente eróticas, y a la vez tomando distancia del soso erotismo mainstream para las masas. Posiblemente el punto fuerte, y lo que lo hace más interesante es la aproximación puramente personal que estos autores hacen a este tipo de narrativas dándoles un matiz desprejuiciado alejado de los tópicos de lo erótico dejando de lado una visión puramente heterocéntrica de diversión para machos abriéndose a otros públicos, buscando y plasmando lo natural del sexo a través de un color rojizo que simula al rubor cuando nuestro cuerpo reacciona para hacer evidente aquello que nosotros queremos evitar.

El fragmento que mejor define este título es “La gran aventura sexual” de Corominas donde la evolución de la sexualidad a lo largo de los años se hace patente con el cambio de géneros y orientaciones sexuales de los personajes, todo a través de un estilo neblinoso que ayuda hacer dichos tránsitos entre periodos narrativamente más factibles. Jordi Pastor aporta una historia en dos partes en las que en una muestra la visión de ella (una artista) y en la otra la de él (un modelo con mucha imaginación), en el que la excitación sucede en la imaginación de ambos. En “Metodología Medina” de Sergi Puyol y “La fotografa” de Alexis Nolla estos autores aportan una visión chabacana, no del sexo y la interpretación que hacen estos, de los personajes que protagonizan sus historias, gente frustrada incapaz de reconocerse a sí mismos. “Hueco” de Marcos Moran es una pieza sobre el vouyerismo sin complejos, el del lector,y el autor, que nos lo proporciona, una trabajo minimalista que abre el volumen de forma muy adecuada.

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El resto de trabajos circulan entre las situaciones inesperadas que conducen al sexo como el encuentro de una chica con un hombre foca en “Selkie Man” de Candela Ferrández, o “La jardinera y el cazador” de Carmen Segovia, en la que una desconocida va a una casa pedir ayuda y se encuentra con sus propietarios que tienen una manera muy particular de entender la hospitalidad. Lo puntual en la pieza de Gabrielle Piquet y en “Melvin” de Artur Laperla, en la primera dos perros se “enamoran” y en la segunda el baile de seducción del tal Melvin. La inevitable relación entre la gastronomía y erotismo explicada con todo tipo de detalles en “Las recetas del Sr. Gourdmand” de Danide sobre los deleites de un gourmet del sexo y la comida, o “Spaghetti y Marisco” una ensoñación sexual en torno a la comida de Giulia Sagramola. Y el juego metatextual e icónico a cargo de Martín Pardo en “Manual básico de prevención de riesgos sexuales” en el que juega con la estética de los manuales de riesgos laborales aplicándolos al ámbito sexual.

Es difícil escoger uno de los fragmentos que componen este título, el trabajo de coordinación es impresionante, a pesar de la variedad en las formas de contar y en las estéticas el conjunto es más bien redondo, en cierta manera circular un juego en el que la obras se complementan y refuerzan la voluntad coral del volumen. El encargo es difícil, ser erótico sin ser porno ni caer en la ñoñez del softcore, pero manteniendo el interés por el contenido sexual sin que este sea al cien por cien evidente y no ser el único motivo de la lectura. Rubor es un trabajo difícil por lo liminal de la propuesta que puede extrañar a muchos pero que sin embargo contentará a otros tantos.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #201: Lo mejor de 2014.

Se acaba el año, empieza uno nuevo y para no perder la costumbre, ya por tercer año consecutivo, publico la lista de lo mejor del año a nivel estatal. Se trata de una lista subjetiva,  quizás más de sensaciones y de valores. Creo que he escogido los títulos listados a continuación por los valores narrativos, estéticos y discursivos en los que los autores se han apoyado para elaborar su relato; y en las sensaciones que me han provocado cada título. Esta lista como cualquier otra es puramente subjetiva. Como por lo general no me gustan las listas de 10 este año he escogido 12, porque 12 son las campanadas y las uvas que nos separan un año de otro. Pues eso, ahí va la lista:

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  1. Culto Charles de José Ja Ja Ja (Fulgencio Pimentel)

La primera posición es para el trabajo de José Ja Ja Ja. Su obra nos habla de un descubrimiento que empieza por la edición en intonso (quiero pensar que no soy el único tonto que escribí a Berni para decirle que mi volumen estaba defectuoso 😉 ) que nos remite a aquellos textos inéditos que han estado ocultos durante mucho tiempo y aparecen ante nosotros vírgenes, por abrir, en un lenguaje visual críptico que nos obliga a repasar las páginas una y otra vez. Una obra difícil pero gratificante que va en contra las visiones ultracanónicas y preconcebidas del cómic. 2014 no hubiese sido lo mismo sin Culto Charles.

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  1. Las meninas de Santiago García y Javier Olivares (Astiberri)

Frente al primer título que compone esta lista podríamos  considerar la obra de Santiago García y Javier Olivares como clásica. Pero no nos engañemos, Las meninas es uno de esos títulos que seguiremos releyendo una y otra vez por la cantidad de capas discursivas que los autores han aplicado y  que no hace más que revalorizar, más si cabe, la figura de Velázquez y poner un granito de arena más en el valor del cómic como medio para explicar la historia de un país. Firme candidato para el Premio Nacional del Cómic.

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  1. Ikea Dream Makers de Cristian Robles (DeHavilland)

Una de las sorpresas de la temporada, Ikea Dream Makers es el cómic que nadie esperaba encontrarse este año y el autor se ha plantado ahí con una gran solvencia narrativa y estética. Pero sobre todo por la capacidad de elaborar un discurso que nos habla del lado más cruel del capitalismo sin recurrir a lo más patético del relato social. Imprescindible.

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  1. Trabajo de clase/Nuevos Románticos de Ana Galvañ y Marc Torices (Apa-Apa Cómics)

Dos relatos centrados en la extrañeza de la adolescencia, y lo difícil que es crecer en una sociedad completamente alienada. Ana Galvañ y Marc Torices nos proponen un viaje alucinógeno al centro de la adolescencia, al terror que producen esos años de llenos de dudas y miedo. Así son las dos historias que componen el Miedo Issue, dos joyitas que no han de pasar desapercibidas.

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  1. VERSUS de Luis Bustos ( Entrecomics Comics)

El último combate de Tom King no es un combate normal, contra un adversario; no es un simple intercambio de golpes; sino que  es contra el tiempo y su vida. Esta cuenta atrás es narrada brillantemente por Luis Bustos, en un relato del que todos sabemos el final, pero nadie conoce el transcurso. Versus es una apología de la estética aplicada al deporte, una obra intensa que explica la fuerza de este deporte a través de unos lápices que no tiemblan a la hora de utilizar cualquier recurso y mostrar el sufrimiento del protagonista. Soberbia, dura e intensa, una obra para devorar que va directamente a la retina.

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  1. DLTLPS de Gabriel Corbera (Space Face Books)

La vida como un bucle, hacer del momento clave algo infinito del que no se sale. EL punto fuerte de DLTLPS es la creación de unos personajes muy icónicos que no evolucionan en un escenario que no para de plantearle una serie de obstáculos, que en realidad les debería hacer crecer como personajes. El relato es un reto constante al lector por plantear una aventura infinita de la que solo vemos un fragmento, de la que solo podemos percibir la esencia de lo ahí narrado.

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  1. F$P #1 de Irra y Dabi (Autoedición)

Estos dos tipos son los autores sevillanos, que si todo va como tiene que ir, van a dar mucho que hablar. El pasado noviembre se autoeditaron dos obras F $ P y A. Las dos me encantaron, pero si me tengo que quedar con una escojo la primera. Se trata de un texto adrenalítico que se desarrolla en una Sevilla sumergida en el Iberpunk con fuerzas demoniacas de por medio. El conjunto me recuerda a la primera vez que leí Akira de Katsuhiro Otomo, no digo más. Siganles la pista por las redes sociales.

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  1. Kiosco de Juan Berrio (Dibbuks)

Otro canto a la vida en la ciudad del autor vallisoletano. Este trabajo planteado con sencillez nos planta la historia de una persona, un ser humano desde que se levanta hasta que se acuesta. Su puesto de trabajo es una atalaya desde la que puede vislumbrar todo lo que sucede en la ciudad. Lejos de ser una obra voyeur, como fue su anterior Cuaderno de frases encontradas, se trata de una obra que fabricada, creada desde cero pero que guarda ese aspecto de crónica social que tiene los últimos trabajos del autor. Juan Berrio es uno de los imprescindibles del cómic español.

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  1. PutoKrío de Jorge Riera y VVAA (Edicions de Ponent)

Los que conocen a Jorge Riera dicen que es un tipo peculiar: genial, borrachuzo, pesado, encantador, bipolar, etc. No sé si es cierto pero en PutoKrío nos lo deja muy clara en su muy verdadera, aunque quizás no tanto, biografía. Esta obra es un gran juego metabiográfico en el que el personaje de ficción se apodera de la falsa vida real del guionista. Todo empieza como una broma pero el juego de Riera se encuentra a medio camino entre el found footage y el mockumentary se salda con resultados más que satisfactorios.

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  1. Inercia de Antonio Hitos (Salamandra Graphic)

Posiblemente el trabajo más anunciado y esperado del año. Antonio Hitos debuta con una obra sobre lo humano y lo divino, con una crítica brutal a esto último. Para matar ese ápice de la trascendencia de la vida y lo humano utiliza el puñal de la ciencia. Todo en un entorno urbanita, deshumanizado con unos edificios y contextos que prescinden de las personas. Un título impecable en el aspecto gráfico que sorprenderá a muchos por su solvencia narrativa. Un cómic que necesita releerse unas cuantas veces para captar las metáforas y el uso narrativo del color.

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  1. El Polo Sur de Alexis Nolla (Apa-Apa Cómics)

En este trabajo Alexis Nolla dota al fracaso con una estética casi naif a unos seres voluntariosos que saben que no van a conseguir lo que se han propuesto, y a pesar de ello siguen para adelante. El autor nos plantea una obra sobre el viaje, el trayecto supone lo más importante de la narración, el fin no existe, sino una continua secuencia de idas y venidas que retratan el carácter de unos personajes cuyo mayor logro ha sido pervivir a pesar de no lograr sus metas.

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  1. Fútbol. La novela gráfica de Santiago García y Pablo Ríos (Astiberri)

Vamos a ser sinceros, pensaba que Futbol iba a ser el comic que menos me iba a gustar este año. Me encanta el estilo de Pablo pero no lo acababa de ver. Pero tonto de mí, Futbol es un texto que ha sido capaz de alejarse de todos los tópicos del deporte rey (topicazo por excelencia) sin perder la esencia de lo que hace que este deporte sea socialmente tan aceptado. Gusta a los más forofos y enganchará a aquellos que descubran la faceta humana del deporte. Porque de eso va esta obra de la dimensión que adquieren cuando se pone por medio una pelota. Eso y que el trabajo de Pablo, y el de Santiago, es la p*ll* (perdonen)

 

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

 

Spain is pain #178: Fracaso.

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El Polo Sur (Alexis Nolla). Apa apa, 2014. Cuadernillo grapado. 18 x 24 cm. 40 págs. Color. 10 €

Fracasar y decepcionar es uno de los grandes terrores humanos; sin embargo, hay pocas cosas más atractivas que la historia de una derrota. El polo sur de Alexis Nolla nos narra las peripecias del Capitán Scott y su tripulación en su afán por ser los primeros en llegar al polo sur geográfico. Una expedición destinada no a triunfar ni a ser recordada por realizar dicha hazaña sino por ser los segundos en llegar, y a pesar de eso continuar con el proyecto hasta el final.

La fuerza del trabajo de Nolla se pone de manifiesto en dos aspectos. El primero es la mostración de la rutina los exploradores, el día a día del fracaso llena la narración de resignación en cada una de sus viñetas, hasta la certeza de una muerte inevitable que se convierte parte de esa recta final del trayecto. En este punto se revela la efectividad de la narrativa viñeta a viñeta para mostrarnos este fragmento de la vida de estos personajes como una cuenta atrás hacia la muerte de estos.

La segunda característica en el trabajo de este autor es lo neutro en la narración de los hechos, no se involucra, ni tan solo se muestra como narrador. Quizás tan solo lo hace en la elección de un hecho duro en el que el abismo está presente en todo momento. El autor despoja a los personajes de la heroicidad con la que se ha adjetivado la (no) hazaña de Scott y los suyos, poniendo el foco en los personajes sin poner uno por delante de otros. El capitán lo es dentro del texto, pero no deja de ser un personaje más en la narración. Y es solo a través de este que somos conscientes de la gravedad de la situación a través de las anotaciones de su diario.

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El polo sur es un relato sobre lo que el mundo consideró que era una hazaña heroica que en su momento, al menos en el ámbito anglosajón, eclipsó la exploración de Amundsen que fue el primero en llegar al polo sur geográfico. Pero también es una texto sobre la decadencia de un periodo en el que las formas sociales vinculadas a los topos nacionales se ponía de manifiesto por encima de cualquier otra necesidad. Nolla describe así a unos personajes que son por encima de todo británicos con cierta flema que imponen cierto carácter caballeroso por el que el grupo y el orgullo está por encima de lo individual.

Este título lejos de estar de un relato sobre lo anecdótico, algo que podría parecer en un primer momento, que busca alejarse de lo heroico en favor de una historia sobre lo sucedido alejado de todo artificio, en el que la rutina se convierte en un elemento vehicular de la narración, en un título en la que no se nos muestra ni el principio ni el final de la aventura de estos exploradores.

@MrMiquelpg

@lectorbicefalo