Spain is Pain #351: De primero de Iker Jiménez

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Botellón verde lima, rosa codeína (Klari Moreno). Apa-Apa Cómics, 2019. Grapa, 24 págs. Tres tintas, 6 €.

Un hecho paranormal, una situación fuera de lo normal, efecto secundario de la codeína o simplemente la apreciación de un fenómeno que pasa por lo meramente subjetivo. Ese es el gran misterio que debe de resolver el lector de la última obra de Klari Moreno a diferencia de los personajes que pueblan este trabajo, que deben de buscar a través de cierta lógica lo que le ha sucedido a una de sus protagonistas. El misterio es una luz verde que envuelve todo y de la que no se sabe la procedencia. La idea no es tanto saber que o como, sino los procesos de comunicación de aquellos fenómenos que salen de nuestro entendimiento. El lector no asiste al hecho tal cual, en directo, sino a la narración que la protagonista, la que ha sido testigo de la situación, hace a una amiga con la que emprende un pequeño viaje por la casa de la primera intentando saber el porqué de todo.

Sin embargo, el planteamiento del relato pasa más por lo conceptual y lo estético que por lo meramente narrativo. En primer lugar, la autora plantea cierta subjetividad del lector dentro del relato, no es tanto que se nos cuente lo que está sucediendo como que estemos allí en primera persona como un invitado de piedra que ni pincha ni corta pero que es testigo de todo el proceso de investigación. En segundo lugar, lo estético como planteamiento de esa idea del lector como parte de la obra parte del título, identificando elementos visuales con colores, una psicología de los colores particular que nos permite avanzar que parte del dibujo pertenece a la realidad, a un efecto secundario o a la mera subjetividad. Y en tercer lugar la narratividad como una pequeña ruta dramática que sirve para conjugar las dos ideas anteriores.

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Klari Moreno sigue en esa investigación de la forma sobre la página en blanco, quizás no como un reto sino como una forma de entender la narración gráfica. Pero también con la idea de jugar con el espacio como un lugar que el lector debe de recorrer, situarse y posicionarse dentro de la historia como parte de ella o leerla desde fuera como si no tuviese nada que ver él. También se cuestiona el anclaje del texto con la imagen. Si por un lado podemos leer el texto sin pararnos en la imagen y entender lo que sucede; por otro la imagen, en ocasiones inexplicable como un fenómeno paranormal, nos permite intuir la objetividad inherente al texto gracias a la concreción de la palabra. Como siempre, esta autora nos ofrece algo más que una lectura, lo suyo es regalarnos una experiencia que cada lector debe apreciar en su medida. Pero como todas las experiencias son personales, subjetivas, y en la mayoría de ocasiones tan solo hay que disfrutarlas.

@Mr_Miquelpg

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Spain is pain #350: la nueva visibilización.

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El corazón entre las piernas (Sebas Martín). La Cúpula, 2019. Rústica, 148 págs. B/N, 14,50€

En su momento El Víbora se caracterizaba por romper esquemas en cuanto a la representación de la realidad. Ello daba ligar a una publicación única que hablaba del discurrir de los tiempos, los cambios sociales, pero, principalmente, que llevaba a primer plano los nuevos usos y costumbres de la ciudadanía. Desde aspectos que en principio podían pasar desapercibido, como introducir el lenguaje de la calle, a algunos aspectos que llaman más la atención como los cambios de gustos musicales, las nuevas formas de ocio o la moda. Sin embargo, de todos cambios plasmados en la revista el de la apertura de miras a la hora de representar el sexo y las nuevas formas de entenderlo es quizás el más importante: la introducción de un nuevo lenguaje en el que se incluían personajes de toda orientación sexual, en el que se ponía en primer plano la importancia del sexo porque si, sin ningún tipo de compromiso, aparte del mero acto, y sobretodo hablar de ello.

Si El Víbora se siguiera publicando hoy día no tengo ningún tipo de dudas que Sebas Martín publicaría en sus páginas. Los tiempos mandan, y a parte de cuestiones de mercado, el trabajo del autor catalán tiene todos los rasgos de la añorada cabecera. Uno de los rasgos más característicos es hablar en tiempo presente debido a cierta urgencia por contar lo contemporáneo; la visibilización y normalización del colectivo LGTB es uno de los grandes hitos sociales de nuestra época, y de poco nos sirve hoy hacer una representación simplista e hiperestereotipada del gay como se hecho hasta ahora. Eso nos lleva a una construcción de personajes un tanto más compleja en la que la condición sexual solo sea una de las caras de una personalidad poliédrica. Eso nos lleva a una mostración del sexo, dentro del colectivo, sin pudor, desprejuiciada y viva.

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El corazón entre las piernas es una historia de vidas entrecruzadas, dentro del mismo entorno ficcional, a través de pequeñas historias que nos narra la vida de un grupo de hombres que buscan ser ellos mismos. El amor, el deseo sexual, la pasión por la carne, pero también la desazón de no encontrar a nadie con el que estar y compartir la vida, o al menos una parte, las ambiciones personales y profesionales, así como los problemas personales que trascienden de la mera búsqueda del placer circunstancial son algunos de los valores que hacen que los personajes de Martín sean tan interesantes. Pero son las conversaciones las que delatan otro matiz de su forma de desarrollar los diálogos; son las conversaciones las que nos hablan de poder ver a sus personajes alejados del estereotipo. Estás hacen que veamos a unos tipos resueltos, inteligentes y con una gran capacidad para la réplica.

Aun así, tal como he planteado al principio de que este autor estaría a día de hoy en El Víbora nos indica que, aunque, en principio es un título muy enfocado para el colectivo homosexual, estamos ante un trabajo cuya apertura apunta a ser leído por lectores no gays. La historia manda, en un mundo en el que el concepto de redes ha explotado a causa de la revolución digital, Martín decide enseñarnos un grupo de seres humanos hiperconectados. No solo por el móvil y las aplicaciones de citas sino también a nivel humano. A todo esto hay que sumarle la habilidad del autor de hacer un tebeo divertido, entretenido y, eso sí, siempre con un punto de reivindicación.

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Paranoia Star (Suehiro Maruo). ECC, 2019. Rústica, 160 págs. B/N, 12,95€

Si hiciéramos una cata de la obra de Suehiro Maruo, como si fuera un vino, esta desprendería una serie de aromas que nos recordarían al surrealismo más crudo, una idea del romanticismo deconstruido, una idea de utopía derruida desde el interior del ser humano y una nostalgia estética por el Japón prebélico. Todo aderezado con una idea de personajes obsesivos en contextos cerrados que prevén ciertas actitudes de los mismos. Maruo ha sido una constante en la publicación de manga en España y sus obras han sido la piedra angular del ero-guro en todo occidente. Sus trabajos rezuman una violencia perversa que se produce a través de una ficcionalización de ciertos momentos históricos. El hecho ficcional es igual de perverso que los hechos representados.

Paranoia Star es una recopilación de historias cortas que recoge la esencia del trabajo de Maruo. Relatos que recogen todas las obsesiones de un autor que reescribe la relación entre cuerpos como una pasión subyugadora que impele a sus personajes a realizar actos de difícil catadura moral. Pero si hay algo que une estas piezas son la relación entre lo humano y lo inanimado. “Sojin” es un retrato idílico del Shangai de los años treinta y unos traficantes de diamantes que son atracados por un androide que hace eclosionar una energía que devasta la ciudad. “La hormiga eléctrica” sobre la obsesión, el personaje protagonista esta poseído por un espíritu compulsivo por desmontar aparatos tecnológicos para luego masturbarse con la banda magnética de cintas de casete; “La hormiga eléctrica falsa” sigue con la idea del salaryman mecanicista que saca sus instintos como una forma de violencia. Ambas entregas tienen en común aspectos de la Nueva Carne con homenajes a Videodrome de David Cronenberg y reminiscencias a Tetsuo, el hombre de hierro de Shinya Tsukamoto.

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 La obsesión de un nacionalismo ideológico en “El triunfo de la voluntad”, en un claro homenaje a la cinta de Leni Riefenstahl pero resituándola en el barro del combate y utlizando fotomontajes de El Gabinete del Dr. Caligari a modo de subtexto de la perversión de los totalitarismos basados en el concepto de raza. También se regodea en la autoficción sádica en “El vampiro de la enfermería” o en la parahistoria en “El planeta de los japos” tomando el relevo de Philip K. Dick, en este caso es el Imperio japonés el que invade Estados Unidos. Pero con una toma de tierra cruel y sádica, tal y como fue en todo Oriente. Y “Madre Misteriosa” un relato surrealista sobre la utilidad del arte.

Con el tiempo Maruo se distingue de otros autores que utilizan el ero-guro como forma de e expresión son los subtextos y como los articula. Son historias complejas que se cierran más por lo que no se dice y por el background cultural del lector que por lo que el autor expone en la página. Con el tiempo se ha vuelto más rebuscado en cuanto al uso de referencias y árido en cuanto a la forma de contar. Pero en todo caso de eso se trata de perderse en la obra y rebuscar entre la intención del autor y los significados que nosotros queramos, o podamos, encontrar. Imprescindible para cualquier gourmet del cómic y para aquellos lectores que buscan perderse en paraísos narrativos indómitos.

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Spain is pain #349: El profundo y oscuro pozo de la depresión

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California Rocket Fuel (Lorenzo Montatore). Autoedición/Sugoi Ediciones, 2019. Digital/Rústica, 130 págs. Color, 10€.

La depresión severa es como un pozo profundo, estrecho y oscuro que aísla al que está dentro de él de la realidad. En ese pozo la percepción de la realidad esta disminuida, una especie de caverna de Platón en la que la proyección que vemos del mundo no proviene de las sombras proyectadas desde el exterior, sino que son el reflejo de nuestro interior. Única y exclusivamente desde dentro de nosotros. Eso nos impide encontrar un anclaje que sirva de vínculo del afectado con el mundo, vemos lo que queremos ver, oscuro y negro sin salida porque no somos capaces de ver la puerta de salida, no podemos abrirla o simplemente porque no queremos abrirla.

Pero la realidad tampoco lo es como un hecho de facto, la realidad es una percepción mediada por nuestro trasfondo político, social, económico, cultural, social, sexual, etc. Que son los pilares de un edificio que se mantiene gracias el equilibrio que han de tener todas esas columnas. El carácter gregario del ser humano hace que busquemos el mantenimiento de esos pilares en el grupo y el colectivo. Y este se sostiene a través de ficciones que pretenden pasar por realidades políticas, laborales, nacionales, deportivas o sexuales. Todo como un constructo que unifica y aliena, personas que no logran identificarse con los fines perseguidos por dichas fictorealidades, se apartan, no ven profundidad en el paisaje personal que es su vida.

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California Rocket Fuel de Lorenzo Montatore nos habla de ese pozo sin salida y de la voluntad que tiene que existir para poder salir de él. De esa idea de escoger nuestra ficción para tener cierto equilibrio existencial. El personaje protagonista es un individuo que tiene un trabajo convencional y rutinario, es cartero; no siente adhesión por ninguna de la fictorealidades gregarias, apoyándose en la música o aquello que le ayude a no externalizar su tristeza, o una hipersexualidad interna no manifiesta. Es decir, una realidad propia y personal que no puede compartir con nadie. Dicho de otra manera, el fondo del pozo.

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Montatore siempre nos sorprende con cómics que buscan explorar en el existencialismo más puro. Se aparta de ese tipo de cómics que hablan de cualquier tipo de patologías que ahondan en lo lastimero, la denuncia o una la plana incomprensión. No, aquí no va de eso. California Rocket Fuel es como un libro de anotaciones sobre las sensaciones de un depresivo severo. La incomprensión, el no entender la tensión y angustia que se acumula todos los días, el peso psicológico y físico que eso supone, el vivir en una soledad emocional o las noches en blanco esperando quedarse dormido para no pensar en nada. En el apartado gráfico Montatore sigue en su evolución de lo sencillo para representar lo complejo con una estética que nos recuerda a cierta esencia del cómic de vanguardia de los años 50. Simple pero directo, algo que se transmite en un layout que ayuda a tener cierta sensación cinemática en las secuencias en las se mantiene el encuadre. También nos habla de la medicación como ese atajo “legal” que nos permite soportar cada mañana al despertar. Absolutamente recomendable.

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Spain is pain #348: la necesidad

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Rey Carbón (Max). Ediciones La Cúpula, 2018. Rústica, 160 págs. B/N, 16,90 €

Cuando imparto clases relacionadas con la historia de la comunicación, ya sea como concepto general, de algún medio concreto, radio, televisión o cine o directamente cómic; en la primera o segunda clase siempre planteo una pregunta a mis alumnos: ¿Cuál es el impulso primigenio que nos impele a buscar comunicarnos de una manera mediada? Lejos de buscar una respuesta exacta, una fecha, un nombre o una cita de algún historiador, filósofo o académico que explique todo de una manera clara, lo que pretendo es que se miren a ellos mismos y valoren sus necesidades comunicativas y si están cubiertas con las tecnologías actuales. Cierto es que cada tecnología nueva que aparece nos invita reinventar la comunicación.

Esa idea de la comunicación primigenia está relacionada con la creación del lenguaje y de la narración, pero también con lo iconográfico como representación de un referente real, que a pesar de ser un simulacro de la realidad sigue teniendo una respuesta a nivel cognitivo para los humanos., y que a la larga se convierte en un sistema que crece en lo coral y la participación de diferentes miembros.

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En Rey Carbón ese impulso de la comunicación mediada viene a través de un proceso de observación, el ser que acoge al que se ha perdido en la nieve se detiene a examinar la silueta recortada en la pared provocada por el choque de la luz con el ser invitado. En este mundo Prometeo ya ha hecho su aparición, poseen el fuego y con este el uso de la tecnología. Pero son los residuos, el carbón, con los que se inicia el proceso de representación. Ese primer trazo en la pared articula un mecanismo intelectual que busca racionalizar el mundo, y a la larga contarlo y explicarlo. Se muestra el proceso creativo como una investigación que puede derivar en la creación de mitologías. Max lleva un tiempo con esa indagación sobre el momento iniciático del hecho de crear como algo que está muy por delante de la autoría. Esa necesidad de comunicarse surge en cada persona de manera diferente donde no llegan unos lenguajes empiezan a crearse otros que lo complementan. Pero es principalmente eso, expresarse de un modo único para llegar a hacer entenderse en la manera en que uno percibe el mundo.

Paseo Astral, Vapor, Oh! Diabólica Ficción y Rey Carbón forma parte de una tetralogía temática en el que el autor no solo aborda lo anteriormente comentado, sino que parece que esta una cruzada personal por simplificar el impacto del autor sobre la página en blanco. Aun así la sencillez del trazo de Max llena la página, con estructuras poco complejas que guardan la esencia de saber comunicarse desde los recursos mínimos. En las primeras páginas, por momentos, nos recuerda los layouts del primer Tezuka, para luego romper con estos y llevarlo a la doble página. Al igual que las obras anteriores se trata de una tesis personal que el lector debe abordar como una experiencia que le hará plantearse las razones de una sociedad tan ficcionada como la nuestra. Como siempre, como con cualquier obra suya, Max es imprescindible.

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Star Trek Discovery. La Luz de Kahless (Kirsten Beyer, Mike Johnson y Tony Shasteen)

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Star Trek Discovery. La Luz de Kahless (Kirsten Beyer, Mike Johnson y Tony Shasteen). Drakul editorial, 2019. Rústica, 104 págs. Color, 14,95 €

Cada vez que surge una nueva serie relacionada con el universo Star Trek hay que agarrarse los machos porque puede suceder de todo. En primer lugar, está la respuesta de los fans eternos de la saga entorno al nuevo planteamiento, aquí surgen cuestiones como el encaje canónico y cronológico, que, si funciona o no el contexto ficcional, si los nuevos personajes encajan en el perfil de la franquicia, si la utilización de personajes clásicos o guiños a la serie clásica están justificados y sobre todo si encaja en la filosofía de la serie creada por Gene Roddenberry.

Star Trek Discovery es la primera serie de esta franquicia de esta nueva era del audiovisual, de audiencias globales y de consumo compulsivo de ficciones televisivas. Los creadores han tenido cierta habilidad en crear una serie llena de guiños e ideas extraídas de la serie clásica, no en vano el nuevo show está situado en la cronología ficcional por delante de la clásica, y algunos personajes como Pike, Spock o Sarek. Esa complicidad con el espectador de toda la vida no deja de lado a los nuevos espectadores que pueden ver la serie sin haber visionado previamente nada relacionado con este universo. Y es que una de las características que permite este juego es el canon líquido, no cerrado, que construye la serie.

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Star Trek Discovery. La Luz de Kahless funciona a modo de precuela de uno de los personajes seminales de la serie, T’Kuvma. Este klingon que en la serie tiene un recorrido corto, tan solo un par de capítulos, pero es el que da pie a la nueva ficción Trekkie como mínimo en un par de sentidos. Por un lado, nos permite ver las líneas de actuación de la Federación en este nuevo contexto. Por otro lado, revitaliza el espíritu klingon de conquista invocando a Kahless, el referente mesiánico para esta cultura. Pero ¿Quién es T’Kuvma dentro del universo? ¿Es realmente el elegido? La Luz de Kahless nos ofrece la oportunidad de conocer al personaje, pero no solo eso, sino también conocer una parte de la estructura social de los klingon y el estado en el que se encuentra su imperio.

Pero también nos habla de un personaje mesiánico con una misión, que es reunificar a los klingon y recuperar su grandeza como comunidad a pesar de las férreas estructuras jerárquicas a las que se someten. Siendo franco Star Trek Discovery. La Luz de Kahless es uno de los cómics creados en torno a la franquicia más interesantes publicados en los últimos años y que se compagina a la perfección con el show televisivo; amplía universo, no se estorba con la serie, complementa a esta y sobre todo utiliza un recurso muy interesante, finaliza poco antes de que empiece la ficción televisiva. En todo caso un cómic sobre el universo klingon sin injerencias de otro tipo de especies siempre tiene su atractivo.

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La mítica Palomar

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Nuevas historias del viejo Palomar (Beto Hernandez). La Cúpula, 2018. Rústica, 112 págs. B/N, 12,50 €

El viejo Palomar es, sin ningún tipo de dudas, una de las localizaciones imprescindibles del cómic contemporáneo. Es un espacio no utilitario como suele suceder en muchos cómics de superhéroes en los cuales son los nuevos Hércules los que escriben la historia de la ciudad en la que acometen sus acciones y con estas escriben la ciudad de las calles. Palomar es un espacio que se mueve entre el misticismo popular y el costumbrismo latino en el cual los personajes son una consecuencia de la tierra misma y de la convergencia de esta con los personajes que la habitan.

Cada entrega de la crónica de Palomar que Beto Hernandez nos relata son una serie de relatos que abundan en la idea de un Palomar mítico capaz de amalgamar ese costumbrismo que se traslada en las relaciones entre los diferentes personajes, y como estos son capaces de absorber nuevas situaciones por extrañas que sean. Uno de los rasgos definitorios de esta población ficticia es que se trata de un matriarcado son las mujeres las que gestionan las cuestiones que abordan a esta sociedad. Pero no es lo único que hace que esta localización lo convierta en mítico; en tiempos en los que la hipertecnología conecta todos los lugares del mundo en Palomar ni siquiera hay teléfono como símbolo de la ciencia, si esto no tiene cabida, las explicaciones de tipo místico se abren camino entre sus habitantes.

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Beto Hernandez apuesta por una gran narrativa en la que poco a poco va añadiendo eventos, introduciendo personajes o explicando su pasado o analizar la personalidad de los habitantes de toda la vida. En este volumen se relatan las primeras aventuras de Tonantzin, la infancia de Gato, se profundiza en la vida de Luba y otros personajes. El autor se sirve de ir insertando mircrorrelatos a la macronarrativa para hacer crecer a los personajes, no para crear una cronología cerrada, como suele suceder con los superhéroes, sino un contexto que tiene más que ver con una idea de ambiente narrativo en el que los personajes son una esencia que crece en el imaginario del lector, que los reconoce como propios y que con el tiempo le cuesta creer que se trata de seres ficcionales y no reales.

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