The Young Seth

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Un verano en las dunas (Seth). Fulgencio Pimentel, 2016. Cartoné, 88 págs. Bitono, 19,95€

Si hay una obra clave para entender el cómic de autor de finales del siglo XX es La vida es buena si no te rindes, en esta Seth nos permite hacer una aproximación sincera y personal a lo que significa tener una pasión: tener una constancia que nunca se apaga por algo, el trabajo de alguien o un alguien. Es unos de los trabajos capitales para entender el slice of life contemporáneo definiendo los límites y las posibilidades del mismo y en cierta medida acotando los márgenes de implicación del creador a la hora de mostrar su propia vida sin llegar al exhibicionismo.

Un verano en las dunas recoge dos obras cortas previas a la consagración de Seth con la obra citada; en estas ya se pueden apreciar algunos de los rasgos autorales como son una visión exterior de su propia vida pero sin perder los matices de lo personal, una descripción de sí mismo algo idealizada pero no de manera excesiva y la importancia de mostrar el contexto como algo que no es capaz de moldear pero que le condiciona de manera continua. Aun así el autor canadiense sabe mantener cierta distancia entre el yo-autor y el yo-personaje.

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El yo-personaje de estas dos historias es un Seth joven alejado de la imagen actual de hombre de los años cuarenta; nos encontramos con un tipo con el pelo largo un tanto despreocupado. En el primer relato Un verano en las dunas nos habla de su primer amor, cuando trabajaba en un restaurante familiar; aquí, como en el resto de obras posteriores el autor se detiene en la descripción de unos personajes arquetípicos deteniéndose en los detalles le van a proporcionar una posibilidad de narración plena. En este primer apartado la historia se centra en el primer amor, consumado pero imposible, del yo-personaje, con la dueña del propietario del local en el que él trabaja. El segundo relato es una anécdota, también de la juventud del autor, esta al igual que el anterior se centra en el yo-personaje dejando un tanto de lado la narración periférica del resto del contexto. El cuento trata de cuando el canadiense iba con el pelo largo y decolorado y un grupo de adolescentes empiezan a insultarlo considerándolo homosexual, este les provoca y le dan una paliza. Tras esto va peregrinando buscando ayuda hasta que encuentra a su novia.

En definitiva son dos relatos que nos muestran las pautas a partir de las cuales Seth se convertiría en uno de los autores más importantes de nuestro tiempo. En estos podemos encontrar los rasgos que posteriormente lo definirían, principalmente el gusto por una narración suave, de las que te coge de la mano y te conduce por aquello que pretende contar, haciéndolo casi como si estuviese a tu lado explicándotelo. También se puede apreciar ese trazo sencillo, transparente y elegante que lo caracteriza. Un verano en las dunas es imprescindible para entender la evolución de Seth, son relatos breves en los que ya se puede empezar a vislumbrar el futuro de este.  A eso hay que sumarle la maravillosa edición hecha por el equipo de Fulgencio Pimentel, como siempre.

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Muerte a la nada

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Big Baby (Charles Burns). La Cúpula, 2017. Rústica, 108 págs. B/N, 16,90€

De Los cuadernos de Esther  de Riad Sattouf a Plutona de Jeff Lemire y Emi Lenox pasando por Piruetas de Tillie Walden, Leñadoras de Noelle Stevenson, Shannon Watters, Freezer de Veronica Carratello o Tiempo de canicas de Beto Hernández , son relatos que tienen como elemento central la adolescencia desde diferentes puntos de vista. Todas tienen en común que ha sido publicadas en un periodo de tiempo breve y recientemente, cada una de ellas nos aporta una perspectiva sobre ese momento de la vida que van desde la perspectiva documental, la aproximación de género, la nostalgia o la idealización de esos años por parte de los autores. Pero todas coinciden en elaborar una representación de la adolescencia como un constructo en el que el descubrimiento personal y la necesidad de proyectar la vida interior en una social se convierte en algo fundamental.

En eso difiere Charles Burns en su Big Baby en el que un preadolescente impone su realidad subjetiva a la objetiva, posiblemente por la incapacidad que este tiene para relacionarse con los que le rodean. Este filtra el mundo a través de las ficciones que recrea en su mente y con las que suplanta cualquier atisbo de realidad. El problema que los textos que le sirven para articular el mundo objetivo son los cómics de monstruos y las películas de Serie B lo cual hace que todo se distorsione ante sus ojos, y como no ante los nuestros. Pero eso no sirve de otra cosa que de un medio catalizador para mostrarnos una representación crítica de las urbanizaciones de los extrarradios estadounidenses.

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Burns se centra en los efectos colaterales de la “normalidad” declarándole la muerte a la nada que esta supone. Tony, el niño protagonista, es en esencia un inadaptado social pero que en su visión periférica de su entorno es capaz de captar los elementos que están podridos: los maridos maltratadores, los asesinos de niños, las relaciones sexuales entre adolescentes, etc. Todo lo que rompa con su rutina de fantasía se convierte en algo perverso y sucio, pero también en un misterio que resolver. En ese sentido Tony a pesar de ser un cobardica le puede la curiosidad, el peligro y la posibilidad de una muerte; eso, y el resolver el misterio es lo único que mantiene alerta al protagonista.

En esta edición integral remasterizada se incluyen todas las historias protagonizadas por Tony: Big Baby, La maldición de los hombres topo, La plaga juvenil y Club de Sangre. Relatos publicados originalmente de forma dispersa que mantienen la unidad a partir de la definición de los espacios: oscuros y tenebrosos, incluso el hogar familiar no está exento de un posible horror futuro agazapado en alguna sombra para asaltar a Tony en cuanto llegue la noche. Big Baby es una antología que recoge la esencia de Burns en cuanto al tratamiento del tema central: la vida cotidiana de los americanos y la estandarización de la misma hasta convertirse en una rutina que conduce a la nada un virus mortal que mata la individualidad y la espontaneidad de las personas, y basándose en eso Burns construye metáforas sobre el american way of life como nadie. Bajo esa perspectiva podemos entender el miedo que Tony siente por el mundo exterior.

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Spain is Pain #320: crónica de sucesos.

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Crónica negra (Miguel Ángel Martín). Reino de Cordelia, 2017. Cartoné, 160 págs. B/N, 19,95€

Parece que el “periodismo” de sucesos ha vuelto por la puerta grande, pero entre la inmediatez de las redes sociales y la televisión se ha perdido cierta lectura, quizás literatura, que rodeaba a este género periodístico. A día de hoy prima la información técnica y judicial de última hora, bombardeo continuo, juicios prematuros, reconstrucciones continuas y cambiantes, acoso a los familiares de las víctimas y los presuntos culpables, y, si, mucho morbo proporcionado por opinadores y periodistas sin escrúpulos. Aunque esto último ya formaba parte de este tipo de noticias. Por su parte la ficción televisiva basada en hechos reales sigue manteniendo lo literario del hecho: series como Mindhunter o Manhunt: Unabomber lo corroboran, otras como Aquarius lo hacen en menor grado pero lo mantienen. Luego están maravillas de docuficción como Making a Murderer, The Jinx, incluso la española Lo que la verdad esconde: El caso Asunta mantienen una tensión perfecta entre la información de los casos y el relato puramente narrativo.

En Crónica negra nos encontramos con una relación de casos reales y sucesos convencionales cuyo principal atractivo es la imaginación de Miguel Ángel Martin a la hora de recrear los actos violentos. Las páginas que componen el volumen se publicaron a lo largo de la década de los ochenta en La crónica de León. Desde una perspectiva contemporánea podemos apreciar que dichas ilustraciones no se suelen acotar a los espacios pero si recogen la esencia pura del crimen, la violencia y cierta pulsión escópica que todos sentimos hacia esta última. Ante todo, nos encontramos con la obra primigenia de un autor que va a encontrar en esos temas algunos de los temas centrales de su obra posterior. Las crónicas y los dibujos pertenecen al periodo final de la década de los ochenta, seria en 1990 cuando empezó a publicar los relatos cortos que compondrían Psychopathia Sexualis trabajo que le daría a conocer en el ámbito nacional, hasta convertirse en nuestro autor de cómic más emblemático de la década de los noventa, y a nivel internacional.

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Cada una de las ilustraciones que componen el volumen, esta vez con textos explicativos e incluso con la crónica original, es hipnótica; algo que no ha cambiado en la obra del autor leonés desde que a finales de los ochenta emprendiera esta faceta de cronista visual de sucesos. Retomando el inicio de la entrada sobra la falta de literatura en la crónica actual, Martín le aportaba un punto de recreación que le permitía al lector perderse en las imágenes y en el crimen, imaginarse las situaciones y las motivaciones de los asesinos; en definitiva, reimaginar el relato no solo por lo acotado en texto sino, sobre todo, por las posibilidades que nos ofrece una visión artística que ni siquiera la mejor de las fotografías nos puede aportar. Crónica negra es una obra clave para entender la evolución del trabajo de uno de los autores más importantes de los últimos 30 años dentro del panorama nacional. Aparte de eso, que ya es mucho, es historia viva de nuestra prensa.

@Mr_Miquelpg

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Los clásicos

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Mort Cinder (Héctor G. Oesterheld y Alberto Breccia). Astiberri, 2017. Cartoné, 256 págs. B/N, 24€

Hablar de una obra clásica, respaldada por la crítica, aplaudida por el público y que encima es una obra atemporal en la que tanto los temas tratados como la forma en los que lo son parecen a los de una obra contemporánea, es algo fácil y difícil a la vez. Fácil porque está todo hecho es una obra no hay nada que impida analizar la obra desde el presente ya que la validez de la misma se basa en ese aspecto, y difícil porque ya se ha dicho de todo sobre esta y hay poco que aportar. Con ese dilema me encuentro ante la enésima relectura que hago de Mort Cinder, una de las obras inevitables para entender el cómic como un arte pleno y autónomo.

La obra de Oesterheld y Breccia cuenta la historia de dos viajeros en el tiempo, matizo, dos viajeros en el tiempo lineales su vida como la de cualquiera de nosotros. La cuestión es que Mort Cinder es un personaje eterno, inmortal que ha vivido los momentos más importantes de la historia de la humanidad. Sin embargo, Ezra Winston no es inmortal, ni eterno, es un mortal normal y corriente pero su forma de viajar en el tiempo es completamente diferente, A diferencia de Cinder Winston se desplaza a través de objetos con historia, es un anticuario la clave de su navegación temporal se basa en la documentación y en la apreciación personal. Esta percepción se complementa con la aparición del inmortal, los viajes son mentales para el anticuario mientras que para Cinder es su vida.

 

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El segundo punto de inflexión de esta obra es quitarle el aura de un dios a Mort Cinder, él en el pasado no ha sido ni rey, ni general, ni nada por el estilo, es un hombre que ha pasado por la historia siendo un hombre normal. La perspectiva que ofrece Oesterheld es única la gran historia contada por los que realmente la hicieron si llevarse ningún tipo de mérito. Cinder es uno de los espartanos de la batalla de las Termópilas, soldado de trinchera, uno de los esclavos que participo en la construcción de las pirámides y la Torre de Babel, un preso convicto en Estados Unidos o marino en un barco esclavista. En resumen, es carne de cañon. Cinder no está libre de pena tampoco es que intente arreglar las cosas, pero al menos parece saber que es mejor dejar suceder lo que tenga que suceder.

El trabajo del guionista se complementa con el dibujo de Breccia, cada viñeta es una una obra de arte de la que es imposible salir. Ambos autores llevaron a cabo una de las obras fundamentales del noveno arte no solo por la expresividad del trazo del dibujante, siempre jugando con la oscuridad en todos sus aspectos, o por la capacidad de Oesterheld de crear un relato de género en el que la ciencia ficción se plantea como un medio panorámico para establecer un discurso social; sino por la capacidad de crear una obra plena y compleja que habla de una manera sencilla para llegar a todos los públicos. Creo que sobra decir que es imprescindible porque lo es, que es de obligatoria lectura o que debe estar en toda biblioteca de cualquier amante de la lectura. Mort Cinder sigue siendo una obra contemporánea y lo seguirá siendo durante mucho tiempo.

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Spain is pain #319: Los imprescindibles de 2017.

Entre finales de diciembre y principios de enero llegan las listas de lo mejor del año de la misma forma que millones de turistas se tiran a las playas en el mes de agosto. Las listas como se sabe son subjetivas y vinculadas a gusto del que las hace. No tienen por qué ser ni un grandes éxitos ni compuestas por aquellos título que venden más. Esta en concreto está integrada por aquellos títulos que considero fundamentales dentro del panorama nacional. Este año me han salido 12 títulos que considero imprescindibles para entender el cómic español en 2017, pues eso.

1.- Fragmentos seleccionados (Apa-Apa Cómics) de Andrés Magán

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En Fragmentos seleccionados Andrés Magán da un gran paso a la hora de crear no-historias más complejas valiéndose de las herramientas que ha utilizado hasta el momento, creando un suspense no vinculado al género narrativo sino que apunta directamente a las expectativas de un lector que tiene ante sí una obra que se despliega como abierta. Magán es un autor único y brillante, de los pocos capaces de hacernos abrir más los ojos para meternos de lleno en lo que desarrolla en cada una de sus propuestas.

2.- Nuevas estructuras (Apa-Apa Cómics) de Begoña García-Alén

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Nuevas estructuras funciona en torno a lo poético, lo sugerido y lo minimal. Las focalizaciones interpelan al lector para que forme parte del relato, para ello no hay personajes definidos solo personajes en sombra, silueteados y sugeridos. Una acción convencional como es el construir una casa se convierte en un mcguffin perfecto para que nosotros como lectores empecemos a reconsiderar nuestra experiencia como tales. Obra fundamental e imprescindible para entender el nuevo cómic.

3.- El ruido secreto (Spiderland/Snake) de Roberto Massó / Zona Hadal (Fosfatina) de Roberto Massó.

No acabo de decirme por ninguno de los dos trabajos de Massó, un autor que resulta enigmático aun en las narrativas más sencillas como sucede en Zona Hadal o partir de un elemento único y desglosarlo hasta crear un relato complejo tal y como ocurre en El ruido secreto. En cualquier caso, dos obras muy diferentes entre sí que sirven para entender a uno de nuestros autores más inquietos.

4.- Cosmonauta (Astiberri) de Pep Brocal

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Cosmonauta de Pep Brocal es ciencia ficción, sí; pero es ante todo una reflexión del devenir humano, de ahí que no se pierda en una construcción estereotipada de universo narrativo. Es seria y crítica con la humanidad emitiendo un juicio sobre la misma, pero a su vez guarda en su interior un sentido del humor muy propio. El autor no solo explota al máximo las metáforas visuales sino que le da, como debe ser, un carácter protagonista al lenguaje visual, sencillo con personalidad propia pero sin perderse en alardes visuales a pesar de las maravillosas páginas dobles que podemos encontrar a lo largo del relato. Cada obra de Pep Brocal es una sorpresa que debemos de leer muy atentamente.

5.- Encuentros cercanos (La Cúpula) de Anabel Colazo

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La obra de Anabel Colazo me fascina desde hace unos cuantos años. Ya en El cristal imposible nos mostraba una historia de dobles matices en lo que nada es lo que parece. En su último trabajo bajo el disfraz de lo paranormal nos ofrece un relato sobre la percepción de la realidad y el enfrentamiento entre las diferentes realidades. Una delicia.

6.- La deuda (La Cúpula) de Martín Romero.

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Para mi una de las grandes sorpresas del año, un trabajo sobre la no necesidad de ser un triunfador en la vida, la vida en solitario y posiblemente en fracasar sobre todo lo que uno se propone siempre y cuando uno lo intente. El protagonista del relato es una de tantas personas que no le salen las cosas y que en cierta manera demuestra lo falso que es intentar llevar una vida basada solo en la apariencia social.

7.- Tíbiris (Trilita Ediciones) de Arnau Sanz

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Las obras de Arnau Sanz son siempre muy personales, tanto que o bien habla de si mismo o de sus familiares más allegados. En este caso narra a través de la memoria de sus abuelos, dos personas que entre comida y comida nos explican la dura vida de la posguerra y del tío de la abuela. Como siempre Sanz sabe dónde darle a uno sin ser un sentimentaloide ni ser morboso, un equilibrio en el que este autor se mueve como nadie.

8.- Catálogo para Bunkers (Astiberri) de Jordi Pastor y Marcos Prior

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Una de esos trabajos que parece que pasan desapercibidos pero que mejor hablan sobre como debemos cuestionar la información a día de hoy. La posverdad es el subtexto a través del cual se construye un relato en el que cuando se sabe a ciencia cierta que los enunciados en los cuales creemos no son ciertos es ya demasiado tarde.

9.- Conociendo al Jari (Fulgencio Pimentel) de José Ja Ja Ja

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Esta vez el autor de Culto Charles deja de lado el cripticismo de su obra previa para adentrarse en los caminos de una narrativa mínima y misteriosa. El relato que compone la presente obra para de la autodescripción de un personaje que no deja de ser una construcción de sí mismo a partir de la visión que intenta ofrecer al mundo, a partir de ahí todo es polisemia pura en una obra que permite al lector realizar todo tipo de interpretaciones sobre Jari, un personaje enigmático como pocos.

10.- Febrero para galgos (Entrecomics Cómics) de Peter Jojaio

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La adolescencia como un momento de ruptura con todo en el que puede pasar de todo. Jojaio nos trae una pequeña fábula sobre la violencia y el aislamiento en esas edades; en una obra en el que la estética de lo bello se confunde con las escenas más cruentas que busca ir más allá de la mera violencia por la violencia y la moraleja que suele acompañar a estos relatos.

11.- La balada de Jolene Blackcountry (Autsaider Cómics) de Víctor Puchalski

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El último trabajo de Puchalski es sencillamente alucinógeno, es como cuando en esas películas de conquista de territorios inhóspitos el explorador occidental se encuentra con un indígena solitario y este le induce al trance con una droga potentísima. En este trabajo nos encontramos dos planos de lectura: el real, que se lee a simple vista, y el astral, impreso con tintas fluorescentes. Todo para conseguir una experiencia de lectura única y realmente psicotrópica.

 

Spain is Pain #318: el sistema.

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Larson (Javi de Castro). Modernito Books, 2017. Rústica, 176 págs. B/N, 17,50€

La televisión o por extensión el medio audiovisual es un contexto lo suficientemente fuerte para generar historias de gloria y fracaso, como escenario puede llegar a ser tan épico como los deportes no de élite como el fútbol. La televisión tiene un elemento que lo convierte en central: estar en el del salón de todas las casas ocupando el espacio que antes ocupaba el fuego a tierra. Eso ha dado lugar a que en el último medio siglo lo que suceda en esta se convierta en parte de las anécdotas familiares, principalmente los concursos, tanto de habilidades como de conocimientos que en el último lustro se han revalorizado como unos contenidos capaces de acumular cuotas de audiencia más que interesantes y, sobre todo, fieles.

La cultura estadounidense popular es básicamente de carácter audiovisual, en cierta manera sino inventaron todo lo que podemos ver por un televisor lo mejoraron o lo perfeccionaron. Para ellos el conocimiento del medio es tan intrínseco a su día a día que el imaginario popular colectivo con respecto al medio se remonta a la década de los sesenta convirtiéndose en una parte sólida y estable de su propia cultura. En su último trabajo Javi de Castro explora el periodo de oro de los concursos estadounidense a través de un caso paradigmático de un concursante que supo reconocer el sistema de funcionamiento del juego y derrotar a los creadores del concurso. Yendo un poquito más allá de la representación de un momento mítico de la televisión, los concursos siempre han sido como un coto vedado de participación del espectador en el que puede interactuar, pero siempre dentro de unos cauces, Michael Larson se puso en el mismo nivel que los productores para poder derrotarlos.

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En Larson, el homenaje que le hace el autor leonés le hace al medio, la tele deja de ser una experiencia mágica para mostrarnos la construcción de la misma. El productor del programa intenta entender el mecanismo real del concurso, no el impuesto a los participantes, ni tampoco el escénico. Estas reglas tan solo las ha entendido Michael Larson un tipo de persona para la cual la televisión como generadora de contenidos ha sido creada. Es un personaje con una expectativa laboral y de futuro pobre que se vuelca con el aparato electrónico, no tiene nada más que hacer. El deseado espectador pasivo es aquel que consigue golpear en las entrañas del sistema. Pero Larson no es un tipo revolucionario, sino uno que ve una oportunidad de triunfar con aquello que conoce de su día a día. Pero la fama de la tele es efímera para los participantes, aparecen en número limitado de programas, pero y luego desaparecen en la maraña de imágenes. La vida del protagonista después del concurso tiene cierto gusto agridulce que pasa desde el reconocimiento de la gente a ser un fugitivo sin muchos planes para el futuro.

Javi de Castro se marca, como de costumbre, un trabajo impecable en el que se permite en algunas páginas el experimentar con la composición de la misma poniendo diferentes elementos en un solo plano diseccionando la entrega del concurso en el que participo Michael Larson. Por otro lado, es muy de agradecer que no entre en cuestiones excesivamente técnicas sobre el funcionamiento de patrones, ni el funcionamiento de un programa en directo de manera que no resta importancia ni al personaje ni al relato. Larson es por el momento la obra más larga de un autor que se mueve muy bien en el cuento corto y que empieza a encontrar cada vez más cómodo en el formato novela gráfica. En definitiva, un volumen que hará las delicias de los seguidores de este autor y de aquellos interesados en la historia de la televisión antes del advenimiento de internet.

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Érase una vez. Etcétera (Olaf Gulfbransson)

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Érase una vez. Etcétera (Olaf Gulfbransson). El Nadir, 2017. Cartoné, 224 págs. B/N, 19€

Creo el caricaturista, ilustrador y pintor noruego Olaf Gulfbransson (1873-1958) ha sido uno de mis descubrimientos personales del año pasado. Este fue uno de los maestros de la ilustración europea de principios de siglo y entreguerras publicando en revistas como Tyrihans, Pluk, Paletten, Fluesoppen, Sfinx y Trangviksposten hasta su llegada Simplicissimus la revista de referencia en las cuatro primeras décadas del siglo XX. Su labor no se limitó tan solo a la práctica, sino que también fue docente en la academia de arte de Múnich, siendo un personaje reconocido por su trabajo no solo a nivel popular sino también con diferentes exposiciones y galardones por la labor llevada a cabo.

Realmente de este autor, poco conocido por estos lares, nos ha llegado lo que posiblemente sea su labor más personal, y quizás la más interesante. El Nadir ha publicado en un solo volumen dos títulos autobiográficos del autor que se sitúan a medio camino entre la novela gráfica y el libro ilustrado. Ambos recogen cierta voluntad del autor de plasmar aquello que le rodea con una sencillez que resulta muy grata y alejada de retóricas de cualquier tipo. La impresión que da es que Gulfbransson busca ser un intermediario casual que trata de que todo llegue directamente al lector con la mínima interferencia. Pero esa intención inicial se va perdiendo por el camino o el autor se va traicionando poco a poco para llegar a convertirse en un narrador conocido, del que te vas fiando poco a poco de su opinión sobre las personas de las que habla hasta convertirla en propia.

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La primera parte del volumen la compone Érase una vez (publicada por primera vez en 1934) en la que Gulfbransson nos hace un recorrido desde su infancia hasta finales del siglo XIX. En esta vemos los primeros amores, el servicio militar, las primeras borracheras y otro tipo de historias que no tienen que distar mucho de aquellas que podría contarnos cualquier anónimo de aquel momento. Entre todo esto un retrato de la vida rural noruega de ese periodo histórico que realmente se aparta de esa idea de paraíso que tenemos de lo nórdico pero que a la vez conjuga cierta magia con la violencia de los lugares en los que predomina la naturaleza. Por otro lado, esta Etcétera (publicada por primera vez en 1954), mucho más divertida que la primera, el autor noruego nos habla de su llegada a Múnich hasta mediado de los años veinte cuando se casa con Dagny Bjørnson. Este segundo trabajo es, aparte de cómico, un trabajo en el que la primera persona está mucho más presente ya que nos narra de manera muy directa sus vivencias como bohemio con un toque aburguesado en la ciudad germana y sus viajes a lo largo de Europa mientras este se codea con personajes prominentes de la política la cultura, y la sociedad alemana del periodo de entreguerras.

Lo más interesante de todo es la perspectiva adoptada por el autor que pasa de la comicidad al cinismo con una frescura digna de los autores actuales. Esto nos permite leer con cierta perplejidad el desparpajo con el que Olaf Gulfbransson representa sociedades pretéritas diametralmente opuestas, lo rural y lo urbanita con la predisposición sacarnos una sonrisa. Es en esencia un slice of life panorámico focalizado en dos momentos de la vida del autor que por la particularidad del contexto se describe con pequeñas diferencias pero que en el fondo nos hace ver las similitudes entre ambas. Lo dicho al principio de la entrada: la publicación por parte de El Nadir de este libro es un regalo, la lectura del mismo os acompañara mucho, mucho tiempo.

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