Spain is Pain #296: Delicias nimias (y 2)

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Nimio (VVAA) La Cúpula, 2016. Rústica, 180 págs. B/N 10 €

Hace ya algún tiempo ya dedique una entrada a uno, sino él, de los fanzines más representativos del último lustro. Evidentemente se trata de Nimio, las páginas de este fanzine desprenden, aunque sea un tópico, frescura. Pero sobre todo por una percepción personalísima de los autores al acto de creación de un cómic. El/los relatos principales y transversales apuntan, no a comentar, como hacen muchas de estas publicaciones sino a reflexionar sobre el acto de contar. Esa opción, posiblemente inconsciente por parte de Anabel Colazo, Ferro, Luis Yang, María Ponce y Nuria Tamarit, es parte inherente e imprescindible de las historias que podemos encontrar en las páginas de las diferentes entregas del fanzine.

Ese punto me lleva a la sensación que como lector me ha dejado el último número de Nimio. Por lo general los fanzines nacen de forma insospechada, o al menos eso me gusta creer, y acaban cuando los creadores no tienen el tiempo necesario para poder llevar adelante la publicación. El caso de Nimio ha sido totalmente diferente no solo porque han decidido publicar su última entrega con el buque insignia del cómic underground patrio, sino por lo que se puede respirar a través de las últimas 180 páginas de esta publicación.

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No sé si voy a entrar en algún tipo de paranoia personal o con la relación que suelo establecer con los textos que realmente me gustan. Está claro que esta entrega es una despedida y no lo digo porque se ha anunciado como un último número sino por la conciencia de los autores de que son las últimas aventuras de sus personajes se traspasa a estos de una manera ¿consciente? A medida que uno va  avanzando en la lectura de este volumen se va dando cuenta de la importancia de ver al autor dentro de la obra de ficción, entender como tal que las cosas tienen un final por mucho que queramos que las aventuras de los personajes de Nimio continúen eternamente. Todo es una gran despedida, a una forma de entender el comic como una forma de relacionarse con el mundo.

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A dicha fiesta final no podían faltar algunos de los autores más interesantes del panorama nacional como  Roberta Vázquez, Antonio Hitos, Lorenzo Montatore o Álvaro Ortiz. La idea es hacer un último número que sea memorable y en el que se reivindique el papel del fanzine tanto dentro como fuera de la industria, entendida esta como un estamento inamovible, no solo como una vía de expresión sino también como una manera de expresarse a través de la forma. En cuanto a contenidos los protagonistas de las aventuras que tienen lugar en Nimio son hijos de la iconografía y la mitología personal de cada uno de los autores, haciendo de cada una de las entregas una fiesta de reencuentro de elementos que conocemos o nos suenan de una manera u otra. El subtítulo de este último número es Fantasía Final apuntando a cierta complicidad con el lector que ha estado siguiendo los pasos del fanzine y que espera algo especial en esta entrega algo que los autores cumplen con creces. En fin, echaremos de menos a Nimio.

@Mr_Miquelpg

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Medias naranjas

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Poncho Fue (Sole Otero) La Cúpula, 2017. Rústica, 218 págs. Color, 19,90€

Que las relaciones sentimentales son complejas y difíciles lo sabe todo el mundo. Más todavía cuando las personas buscan una media naranja, tópico que viene a describir la incapacidad de parte de la sociedad para definirse a sí mismo en su integridad a partir de otra persona. O dicho de otra manera las personas parece que llevamos el corazón en la mano esperando que haya alguien dispuesto a cogerlo para hacer con él lo que quieran. No hay nada más que ver la parrilla actual de televisión en la que las relaciones interpersonales, y no el amor copan espacio televisivo y máximas audiencias. Se trata de programas en los que los “protagonistas” solo hablan de cómo le hacen sentir otras personas sin preocuparse si a la inversa existen los mismos problemas.

Esa idea pequeñoburguesa de juntarse con otra persona para crear patrimonio ha devenido en una especie de obligación social de tener pareja. Parece no estar bien visto llevar una vida independiente, sin pareja fija o transitoria, y solitaria. Esto supone una tensión que enfrenta la forma de entender de cómo debían de ser las tradiciones a como son en la actualidad, gracias al menor grado de dependencia económica de las mujeres, y a una concepción más abierta, por parte de estas, a encerrar su vida de manera “forzada” bajo una sola relación.

En Poncho fue, Sole Otero, explora esa convergencia vital que son las relaciones de pareja en la actualidad en una batalla entre la necesidad de estar acompañado y pelear por la independencia personal. Si hay que ponerle un pero a los personajes, Lu y Santi, es que están definidos con trazo gordo, aunque existe cierta necesidad en ello para la elaboración del discurso pretendido por la autora. La relación de ambos surge como por casualidad, sin embargo a medida que avanza el relato vemos que hay cierta predisposición por parte de el a la hora de definir y redefinir de manera continuada los términos de la interacción interpersonal.

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Santi está representado como una persona que llena el espacio, quiere ser todo aquello que él cree que una pareja pueda desear. Pero esa voluntad convierte esa pareja de iguales en una relación paternalista: pasa de querer complacer en todos los sentidos a Lu, a pensar que sabe lo que ella necesita hacer convirtiéndose al final en la imposición de su voluntad a través del chantaje emocional. Por su lado Lu es una mujer apocada que se siente culpable por todo aquello que Santi le dice que no le gusta de ella. La relación se convierte en una pesadilla de la que solo somos conscientes los lectores; Lu no se da cuenta hasta que el relato no está bien avanzado.

Poncho fue es un cuento con moraleja, sencillo y directo. Ahí en parte reside la fuerza de este, en no querer complicar demasiado las cosas y querer contar lo que la autora quiere contar, es decir ir directa al grano sin ningún tipo de aparataje superficial. Para ello se centra en describir a los personajes y su breve entorno. Resulta curioso el juego que establece entre el monologo eterno de Santi cuando en realidad se trata de uno de Lu; pero realizado a través de su compañero masculino. Sole Otero plantea lo mencionado al inicio de esta entrada: la necesidad de considerarse a uno mismo de manera íntegra antes de buscar pareja.

@Mr_Miquelpg

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Maruo Island

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La extraña historia de la Isla Panorama (Suehiro Maruo). ECC, 2016. Rústica, 280 págs. B/N, 14,95€

La escenificación de sociedades ideales son una constante dentro del constructo social humano. La historia de las civilizaciones se escribe a través de las visiones de una serie de personas que tratan de esbozar una sociedad lo más “perfecta” posible. El siglo XX ha sido rico en ejemplos de este tipo desde los estados autoritarios como la Unión Soviética, la Alemania nazi, la China que nace tras la sangrienta Revolución Cultural o la actual Corea del Norte. Se trata de realidades políticas que funcionan como una ficción ideal que para funcionar de manera correcta todo debe de funcionar tal y como el guión indica.

La ficción no escapa, evidentemente, de ese germen a la hora de idear versiones de mundo alejadas de la realidad y que operan a modo de visión subjetiva sobre la posibilidad de un mundo reglado y perfecto. Tal es el caso de Utopia  de Tomas Moro y de reescrituras en su vertiente protestante, véase Wolfaria. La dificultad de implantar mundos ficcionales utópicos es harto compleja, muchas veces la imaginación del escritor es un límite para implantar ciertos aspectos en la realidad. Recientemente en un artículo de Jonathan Freedland para The Guardian, publicado en España por Eldiario.es, nos habla de la influencia de Ayn Rand, la novelista de cabecera de la derecha libertaria, en el gobierno estadounidense actual. En este caso la ficción se filtra en la realidad a través de los ideales plasmados por esta escritora en sus novelas.

Aparte de esos mundos ideales que buscan solaparse a la realidad están aquellos dentro de nuestro continuo contemporáneo en el que se insertan ficciones sobre espacios de entretenimiento como son el caso de: la saga de Jurassic Park, Tomorrowland o Westworld. Son mundos de entretenimiento que funcionan aparte de lo real en esa ficción que por lo general suele ser muy parecida a la del momento en el que se ha creado dicha ficción. Sin embargo, en La extraña historia de la Isla Panorama, obra original de Ranpo Edogawa, y adaptada a manga por Suehiro Maruo, mucho menos perverso en lo visual pero mucho más en el subtexto y en la descripción de personajes, la idea es un tanto diferente se trata de un mundo creado para saciar las ansias hedonistas de un escritor venido a menos.

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Hirosuke Hitomi es un escritor pobre cuyo mayor deseo es ser rico para poder rodearse de placeres. Para ello escribe un relato a modo de manifiesto titulado La historia de Ra y que lleva a cabo cuando ve que puede hacerse pasar por un millonario conocido fallecido recientemente. Este pone su plan en marcha, compra una isla y crea un gran parque de atracciones para vivir en él. No como un espacio para habitar de manera intermitente sino como un espacio vital en el que se pone de relieve una representación física y manifiesta de su ego. El mundo recreado en la pequeña ínsula sobredimensiona el espacio real de la misma, Hitomi diseña un espacio en el cual aprovecha cada centímetro de terreno edificable para crear diferentes ambientaciones a modo de una forma art brut sofisticado.

 Hirosuke Hitomi nos recuerda a esa representación del típico escritor deslavazado y marginal que cuando adquiere algo de poder se convierte un déspota incapaz de pararse ante nada. Maruo reimagina el universo de Edogawa con un forma de expresar la perversión alejada a de sus cánones tradicionales. Esta aparece en la descripción física del protagonista, en sus ademanes y en la forma en que este se pasea por su nuevo paraíso. Lo planteado por Edogawa ya era de por si una obra que ponía de manifiesto del capitalismo y nacionalismo galopante que arrasaría a Japón durante el periodo Showa. Para los lectores habituales de Maruo es una forma de redescubrirlo, siendo este más ladino en las formas y en la representación de los personajes.

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Spain is Pain #295: el blanco y la línea

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Ya será (Klari Moreno). Libros de Autoengaño, 2017. Rústica, 96 págs. B/N y color, 15€

Existen mil tópicos de lo que implica la página en blanca para todo tipo de creadores. Esta se  convierte en el principio y el final de todo acto creativo de ahí que esta se mantenga como icono de la imposibilidad de desarrollar una idea. Pero podemos plantear una idea totalmente contraria y convertir la página en blanco en un escenario invisible como un bosque frondoso que es tan espeso que no nos deja ver más allá de ese blanco. Así algo que en principio tan maldito como una gran oportunidad para el desarrollo de unas narrativas muy concretas más bien basadas en la experimentación.

Creo que ninguno de los que nos dedicamos a escribir sobre cómic por amor al arte somos capaces de definir la obra de Klari Moreno: por un lado se basa en la investigación de la forma, que a veces puede dar la sensación de ser críptica, pero que en realidad procura una apertura del texto para el lector. Este debe de decidir el que y el cómo, la estructura es los suficientemente abierta y sugerente como para navegar por una serie de propuestas que hace la autora; que en cierta manera nos reta a indagar no solo en la forma y en lo que nos está contando. En esa grieta que se genera el lector debe encontrar su lectura y su espacio.

Ya será es una recopilación del trabajo anterior de Klari Moreno, algunos de sus trabajos eran inencontrables. Esto nos permite ver una evolución tanto en el dibujo como en la evolución de las estructuras planteadas, quizás en este último apartado es donde la autora se siente más fuerte desarrollando narrativas basadas en relaciones espaciales y variaciones en cuanto a la forma de las figuras representadas. La carencia de viñetas en la mayoría de su obra es uno de los puntos fuertes, así evita la jerarquización en la lectura. Tan solo en “Leto y Moneta” con guion de El Torres y “Canina” el relato final, que nos recuerda Gabriel Corberá, apunta a poner el relato por delante de la forma.

Klari Moreno es de esa generación de creadoras vinculadas al noveno arte que provienen de Bellas Artes que han encontrado en el cómic una forma de expresión libre y única en el cual todo es posible. Ya será nos sirve como punto de partida para empezar a leer a esta autora, también es una manera de llegar, o al menos intentarlo, a una forma de narrar basada en la línea y en la manera en la que esta se desarrolla hasta dar lugar a la creación de espacios referenciales. Tal y como sucede en “Origen, nudo y origen” en el que unas líneas cinéticas dibujan el paisaje que finalmente se convierte en un pájaro. El arte de Moreno es atractivo e inesperado cada lectura abre nuevas puertas, nuevos significado, creando textos que navegan tanto en el área de la autora como en la del lector.

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Propagande et contexte

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Historia de la Santa Rusia (Gustave Doré). El Nadir, 2016. Cartoné, 120 págs. B/N, 20 €.

Si hay algo que nos enseña la historia es que todo es cíclico, los giros políticos, las inseguridades sociales, las idas y venidas de los radicalismos independientemente del signo político del que provengan o los estereotipos nacionales que vemos como después de más de medio siglo de europeísmo no han sido superados. Bien es cierto que en esa estereotipa configurada forma parte del humor y en parte ha suavizado las relaciones entre países, pero no debemos de olvidar que también forma parte del lenguaje de la propaganda belicista, ya sea aquella que busca la confrontación con otras naciones o la que busca perseguir un grupo étnico dentro de una comunidad concreta.

Si bien los estados creen tener esa potestad para desprestigiar al “otro”,  algo que bien podemos apreciar en textos de la cultura popular desvinculados de las estructuras estatales. El cine en la Alemania nazi jugó un papel muy importante para moldear la voluntad de un pueblo y dirigirla contra un colectivo de alemanes muy concretos. En Estados Unidos tanto el cine, como gran medio de transmisión de la ideología estadounidense a nivel interno y externo, como el cómic, que nos atañe demás de cerca, construyeron una imagen de los alemanes, italianos y, sobre todo, de los japoneses más bien despreciable. Principalmente de estos últimos que por pertenecen a otra raza fueron descritos visualmente con rasgos ratoniles.

Historia de la Santa Rusia nos cuenta que todo esto viene de lejos, que el discurso de la demonización pasa también por el de la ridiculización. Pero lo primero que hay que tener en cuenta es el contexto. Doré desarrolla este trabajo durante la Guerra de Crimea (1853-1856) que enfrento al Imperio ruso contra la alianza del Reino Unido, el Segundo Imperio francés, el Imperio otomano y el Reino de Cerdeña. La cuestión era crear una imagen del Imperio ruso en una creciente opinión pública que podía saber cómo se estaba desarrollando la guerra a través de los periódicos. Doré, de ideología conservadora, trata de esbozar una imagen cruel, torpe e incivilizada de los rusos partiendo de un oscuro nacimiento como nación. Para ello no duda tanto en mostrar la inoperancia de sus gobernantes como la servidumbre de sus habitantes, que tal como los refleja el autor francés distan mucho de convertirse en ciudadanos de plenos derecho.

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Doré se vale de la cita, la paráfrasis y de mucho humor para establecer una conversación directa con el lector. Pero la obra en su momento no triunfó, fruto de las circunstancias o más bien del contexto. Por aquel momento la prensa informaba del día a día de las batallas que acontecían en dicho conflicto, y para acentuar el problema tuvo lugar la primera cobertura fotográfica de un conflicto bélico. Entre los diferentes fotógrafos que asistieron para cubrirlo gráficamente destaca Roger Fenton, en sus fotografías nos muestra una retaguardia, un frente y escenas postbatallas que se apartan mucho de la imagen prototípica que gira en torno a la epicidad  dibujadas ya sea en lienzo o en grabados. Esto nos pone en situación sobre la importancia del contexto y de cómo la imagen real gano fuerza frente aquella idealizada. Aquellos que pudieron ver por primera vez las imágenes tomadas en el frente pudieron comprobar que las nuevas armas definían el campo de batalla como un espacio cruel.

Podemos entender Historia de la Santa Rusia como un precursor de la propaganda de guerra contemporánea, pero creada por un artista que creaba matices y contextos a partir, tanto de la cultura clásica como de cuestiones más contemporáneas. El fracaso de este trabajo condujo a Gustave Doré por otros derroteros ya de sobras conocidos. El valor de esta edición no solo reside en la calidad de la misma y en haber editado esta obra clásica desconocida por el gran público, sino en la cuidada traducción con anotaciones y el magnífico epílogo a cargo de David Kunzle. Una obra que sin duda hará las delicias de aquellos que les gusta indagar sobre los inicios del cómic como arte, y de paso apreciar el trabajo de uno de los ilustradores y grabadores más importantes de la historia.

@Mr_Miquelpg

@lectorbicefalo

Spain is Pain #294: Trump is different

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Presidente Trump (Pablo Ríos). Sapristi Cómic, 2016. Cartoné, 48 págs. B/N, 8,95 €

Da igual por la página que abras este libro. Casi con total seguridad el presidente Trump habrá hecho algo en los días anteriores para que la página elegida parezca escrita exprofeso para la última noticia relacionada con él. Pablo Ríos ha encontrado la fórmula perfecta para describir a un personaje que se define a sí mismo a través de trazos gordos, aparte de ser completamente icónico y reconocible a primera vista como si hubiese sido diseñado por uno de los dibujantes de los shows animados de Hannah-Barbera.

Ese es Trump. Puede parecer que lo cómico que se genera a su alrededor pueda parecer difícil hacer comedia a su costa. El autor malagueño da en el clavo cuando juega no solo con lo icónico y lo textual, extrayendo frases pronunciadas por este tipo, sino que las resitúa y las contextualiza en un nuevo entorno. Es decir, llega a crear un imaginario en torno a Trump con situaciones inverosímiles, en algunos casos posibles, y nos muestra la reacción que este puede llegar a tener en cada momento. Pero sin ser descabellado y estableciendo como campo de juego de la tira cómica limitando la iconicidad al despacho oval y a la persona ya reconvertida en personaje. Dentro de esos parámetros cualquier situación es posible, tal y como he planteado al principio. Lo irreal puede llegar a ser real. Por otro lado Trump es un personaje que le cabe todo, cualquier aspecto que se invente el mismo sobre su persona, o el imaginario colectivo, antes o después se hará realidad; no hace falta más que ver la cantidad de ficciones americanas que vaticinaron su ascenso político.

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Lo difícil de este volumen consiste en que no pierda la frescura del momento en el que fue publicado, algo que parece harto difícil a no ser que el presidente se reinvente como político y como persona. El formato de tira permite que se pueda leer y releer en cualquier momento sin ningún tipo de jerarquía narrativa. Pero eso si pide conocer un poco al personaje y estar aunque sea un mínimo al tanto de la actualidad política internacional, no como una obligación sino para sacarle más provecho al libro. El giro autoral de Pablo Ríos ha sido, no solo sorprendente sino que también bastante provechoso. Con un tipo de dibujo y de storytelling que parecía enfocado a obras con un desarrollo más extenso nos encontramos que con el formato más breve se crece captando no solo a antiguos lectores sino que por la temática engancha a nuevos.

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A Love Letter

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JLA: La nueva frontera (Darwyn Cooke y Dave Stewart). ECC, 2016. Cartoné, 520 págs. Color, 520 págs.

Una de las bases de la construcción de los mitos populares y por consiguiente de la cultura de masas es la constante reescritura de los mismos. Para que un relato ya sea de carácter oral o textual perviva en la mente de una comunidad deber de ser reelaborado y readaptado constantemente tanto a nuevas tendencias, épocas, géneros narrativos de moda, corrientes políticas, incluso a constantes territoriales para que este pueda encajar perfectamente dentro de unos parámetros culturales circunscritos a una región concreta. Clásicos como Robinson Crusoe de Daniel Defoe nos dan la clave y los paradigmas de transformación a que se someten las obras para pervivir y persistir en su popularidad. De la obra de Defoe existen versiones para lectores más jóvenes, regionales, adaptaciones futuristas, etc. La cuestión es reconstituir la obra de manera continuada.

Evidentemente no digo nada nuevo cuando el cómic de superhéroes como macrogénero narrativo híbrido sobrevive de la reescritura continua basada en la adaptación constante a los nuevos tiempos. Los valores de los héroes deben rehacerse d manera continuada para poder encajar a cada periodo de la historia. El Superman de la Golden y Silver Age no encajaría en la actualidad a pesar de que la esencia del personaje es la misma, pero no la sociedad que lo acoge en su imaginario. Darwyn Cooke con La nueva frontera una readaptación a la inversa. El autor estadounidense ubica a los personajes clásicos de DC en una Norteamérica de mediados del siglo XX, cuando el país se encontraba más en una encrucijada moral sobre los valores que trataban de imponer en el exterior frente a los que se comulgaban de puertas para dentro.

El escenario propuesto por Cooke plantea un país que tras la Segunda Guerra Mundial y la Guerra de Corea decide desplazar a aquellos superhéroes que han intentado mantener la paz dentro de sus propias fronteras y son víctimas de la caza de brujas que está sufriendo el país. Es decir, el autor crea unas dinámicas antagonistas para reajustar a esos héroes clásicos a los valores imperantes del momento. Por un lado ajusta una estética idealizada, una transformación pragmática de como desde el presente nos gusta pensar que es ese periodo estético en el día a día. Una estética de ensueño que esconde a unos Estados Unidos podridos por dentro y que se encuentra en esa nueva frontera a punto de despuntar sino sucumbe a sus propios medios.

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Por otro lado está la labor de recuperación de una parte del universo DC desconocido para la gran mayoría de los lectores. En palabras del propio Cooke en los apéndices del libro recurre a aquellos personajes y títulos que si bien no gozaron de mucha popularidad forman parte de su imaginario personal. De ahí la apertura del relato con Los perdedores en una isla perdida de la mano de Dios en la que tienen que pelear con dinosaurios. Visto ese punto de partida todo podría parecer un ejercicio de pura nostalgia. Y en cierta manera lo es. A mí me gusta más verlo como un punto de partida que tiene cierta relación con el canon pero sin ser algo definitivo. Se trata de un momento fundacional en el que se muestran los entresijos del gobiernos y las interioridades de los personajes que culmina con el ataque de un ser en forma de isla que expele animales prehistóricos contra los que tendrán que luchar todos los superhéroes. Un mal que acecha a la humanidad hace que todos se pongan a luchar en común dejando de lado todo aquellos que los separa.

Darwin Cooke es muy astuto situando a personajes como Green Lantern, Flash, Detective Marciano o Adam Strange en primer plano y dando protagonismo a casi un desconocido en la actualidad como es King Faraday; reconstruyendo a Steel como John Henry un héroe surgido de la violencia del KKK y ejemplo de la vergüenza y rotura interna de la nación; Wonder Woman aparece de manera regular y más en segundo plano están Superman y Batman. Todo ideado como un flujo de la evolución de los personajes y el interés de los lectores. JLA: La nueva frontera es un cómic hecho desde el afecto, es más bien una carta de amor al universo superheroico de una época queriendo reajustarlo a la realidad cuestionando los valores de los personajes en una época en la que había que posicionarse, al igual que hoy día. Y en el que la mayoría de ocasiones la posición oficial es la equivocada. Ahí es donde Cooke interviene como autor reorientando y posicionando políticamente a los personajes en una América blanca a punto de quebrarse y encaminarse hacia una nueva dirección.

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