La historia secreta de Twin Peaks (Mark Frost)

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La historia secreta de Twin Peaks (Mark Frost). Planeta, 2016. Cartoné, 368 págs. 19,50 €

Twin Peaks se estrenó allá por la primavera de 1990 y dejo de emitirse poco más de un año después de su estreno. Realmente no lo hizo falta extenderse mucho en el tiempo para convertirse en una de las series de culto más importantes de la historia de la televisión, y para ello David Lynch, la mente creativa detrás del proyecto, tenía muy claro que para hacer una serie con ese estatus debía de trabajarse desde el primer momento. Para ello no solo se hizo el producto televisivo sino que se desarrollaron dos libros que funcionaban a modo de expansión diegética: Diario secreto de Laura Palmer escrito por Jennifer Lynch, y Mi vida, mis cintas una a ‘autobiografía’ del agente Cooper escrita por Mark Frost. Y posteriormente, tan solo un año después de la finalización de la serie, se estrenó el film Twin Peaks: Fire Walk with me, centrado en los últimos días de vida de la difunta Laura Palmer.

La Twin Peaks de David Lynch tiene mucho que ver con la Derry de Stephen King, son poblaciones que no son meros escenarios, esconden un mal interior que hace que los ciudadanos se comporten con una aparente normalidad. En la serie de televisión Lynch aposto por el relato negro envuelto de una realización muy cercana al canon de las soap operas. Todo ello con una dinámica que buscaba mostrar un lugar idílico para el neófito pero que poco a poco se va convirtiendo en un topo laberíntico en el que los matices de los personajes dibujan una ciudad compleja y áspera. La geografía de la ciudad se convierte en un elemento central en ese esquema que bordea el espacio emocional: el doble R, la serrería, la comisaria, el Gran Hotel del Norte, el lugar donde encuentran a Laura Palmer, las casas de algunos de los personajes, etc., todos con una historia propia. Juegan con la idea del espacio deseado que como un envoltorio cubre la podredumbre que esconde la ciudad.

Los que visitamos esa ciudad en su momento y la revisitamos posteriormente a través de diferentes visionados podíamos adivinar que la historia de la ciudad era un tanto particular. La historia secreta de Twin Peaks trata de esbozar la historia de esta ciudad ficticia, pero alejándose del retrato historicista. Mark Frost opta por mantener una línea cronológica pero no una linealidad en los eventos que considera vitales para entender el background de la ciudad. Para ello construye el relato a modo de juego en el que debemos de adivinar quien redacta el documento que estamos leyendo. El metarelato se construye como un archivo de documentos, recortes de prensa, informes del gobierno, etc. que Gordon Cole nos envía para que sepamos quien se ha ocupado de redactar y compilar todos esos datos y que nosotros conoceremos como el archivero.

Este personaje del que tendremos que intuir su identidad compila documentos que datan desde 1805 cuando los primeros exploradores blancos llegan al territorio que a día de hoy se conoce como Twin Peaks. Pero quizás la maniobra literaria más interesante de este artefacto de geografía ficcional es que inserta la historia de la ciudad dentro de eventos reales e importantes personajes de la historia de Estados Unidos. Entre estos destacan William Clark, Meriwether Lewis, Jeremiah Johnson, Kenneth Arnold, L. R. Hubbard, Nixon o Jack Parsons entre otros. De esa manera Frost crea un continuo que refuerza el frágil puente que existe entre ficción y realidad, elaborando un universo casi anidado.

El libro en cuestión funciona a modo de background de la tercera temporada de la serie, pero para los fans de la serie original se convierte en un libro que nos ayuda a comprender el pasado de todos los personajes, los lazos de unión que existen entre ellos y los motivos por los cuales actúan de dicha manera. Este texto le otorga mayor corporeidad a la ficción, al espacio y a los personajes. Sobre todo a estos últimos, el texto va mucho más allá de las meras fichas de personajes, dando matices sobre la personalidad de los mismos. En definitiva, un regalo para fans y seguidores del universo Twin Peaks, o dicho de otra manera una lectura obligada para todos aquellos que algún día aspiren a comprender parte de lo que sucede en ese territorio de la imaginación que va mucho más allá del concepto de canon que conocemos hoy día.

@Mr_Miquelpg

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Teatro que duele


Deathco 1 (Atsushi Kaneko). ECC, 2017. Rústica. 192 págs. ByN. 8,95 €

Hoy les he puesto por primera vez a una niña de 9 años y a un niño de 7 años el juego Street of Rage, un juego que casi podría ser su padre. Los niños tampoco se han flipado mucho, han terminado picándose y al final se han pegado entre ellos en lugar de atizar a esos punkis que tanto color dieron a la delincuencia callejera de hace más de un cuarto de siglo. Lo que no han tenido demasiados problemas es en pillar el funcionamiento del juego, sabiendo que si un tío te tira un boomerang gigante lo esquivas y que si ves una botella en el suelo sirve para cogerla y partírsela a alguien en la cabeza. Las manzanas te recuperan la vida, como todo el mundo sabe. Al final se han aburrido y me han pedido que por favor les ponga otra vez el juego de Star Wars de Lego.

Aunque yo no he podido evitar pensar en el uso de la violencia no sólo como entretenimiento si no como una herramienta poderosa dentro de la cultura más popular, un lenguaje que rápidamente nos enseña a empatizar y distinguir entre el bien y el mal. El bueno defiende a sus amigos y se limita a devolver los golpes, el malo es un sádico que se contenta con ser un simple generador de sufrimiento. Hasta ahí está todo claro, desde Ulises hasta Adam, Axel y Blaze. Los niños aprenden que la violencia no se usa, salvo como correctivo para alguien que se la merezca, claro. Pero entonces tenemos el problema de los antihéroes, algo realmente básico porque la fascinación por el mal es un elemento presente desde siempre, ya sea porque uno sueña con ser malvado, la menor de las veces, o porque uno sienta curiosidad por esa criatura que se mueve al margen de la moral y cuyos fines competen sólo a él mismo. Sensación que nos puede invitar a entrar en las páginas de Deathco, el manga de Atsushi Kaneko donde la moral queda fuera de la ecuación y el lector es mero espectador de una niña asesina encargada de acabar con la vida de diversos criminales.

Deathco se presenta como un universo muy parecido al nuestro donde un gremio de asesinos se encarga de acabar de la forma más expeditiva posible con criminales de diversa ralea. Este punto de partida no es excesivamente original, la verdad, pero en manos de Atsushi Kaneko es obvio que nos íbamos a encontrar con una obra como mínimo original, lo esperable del autor de la magnífica Wet Moon. Así que como es lógico, tenemos a esos asesinos en largas escenas de lucha y asesinato frente a oleadas de criminales, yakuzas en su mayoría, con el protagonismo de una pequeña niña que se nos presenta como una nueva iteración del asesino perfecto. Con este resumen, Deathco es una obra de acción pura la mar de disfrutable e interesante, con un ritmo endiablado que nos obliga a devorar las páginas y a maravillarnos con la propuesta plástica de Atsushi Kaneko. Pero Deathco esconde muchísimo más, y al igual que Wet Moon era mucho más que un thriller, este manga está a años luz de ser un mero baño de sangre.

Todos esos elementos fascinantes que Atsushi Kaneko empleó en Wet Moon los podemos encontrar en Deathco, algo fantástico si tenemos en cuenta que nos encontramos ante uno de los autores más personales y únicos del panorama japonés actual. Así que tenemos ante todo ese gusto del autor por la revisitación al imaginario surrealista, y con esto no queremos decir que de vez en cuando se cuele algo extraño, lo que encontramos en las páginas de Deathco es una autentica carta de amor al surrealismo más puro de principios del siglo XX, con la creación de un universo propio que al mismo tiempo es cercano y extraño. Tampoco faltan ramalazos de esa literatura de lo extraño que lo acerca a Kafka y Lynch. Pero que nadie se engañe, porque este racimo de referencias no convierten a Atsushi Kaneko en una batidora de referentes, no son más que ejemplos de lo que uno puede encontrarse en sus paginas, a un nuevo integrante de esa corte de autores que exigen un esfuerzo por parte del lector, pues nos obligan a entrar en su mente y jugar con sus reglas, dejando las referencias a nuestro propio mundo en la puerta.

Si hablamos del acabado visual de las páginas de Deathco, no me queda más remedio que confesar mi total carencia de objetividad, pues el trazo de Atsushi Kaneko, y principalmente su entintado, se han colado en mi corazón de forma violenta y absurda, sin pedir permiso, con lo que para mí es ya uno de mis dibujantes favoritos de todos los tiempos, capaz de recordarme a otros grandes autores que admiro, como Charles Burns, pero dueño de una identidad propia que rápidamente me hace reconocer una obra suya. Así que a devorar todo Deathco y cualquier otra obra que se escape del lápiz de Atsushi Kaneko.

@bartofg
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Causalidad casual

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Ed, el payaso feliz (Chester Brown). La Cúpula, 2017. Rústica, 268 págs. B/N, 22,50 €

Chester Brown es sin ningún tipo de dudas uno de los valores más sólidos del cómic contemporáneo y es posiblemente de los pocos a los que no se le puede echar en cara ningún pero nada ni en el aspecto narrativo ni en el estético. Aun en obras tan polémicas como Pagando por ello o María lloró sobre los pies de Jesús incluso El Playboy, que no pueden agradar a todos los lectores ambos valores sobresalen por encima del discurso. La evolución del autor pasa de manera evidente desde la transgresión visual, pornográfica, en algunos detalles a ser conceptual basada en los conceptos transversales de cada obra y en el tratamiento de las mismas.

Por eso es siempre refrescante volver a releer las primeras obras de Brown como es el caso de Ed, el payaso feliz. Más aprovechando la edición anotada que recientemente ha publicado La Cúpula; en esta podemos apreciar como el autor lleva, siempre en las esclarecedores notas, sus narrativas hacia lo personal y como estas están vinculadas de manera intrínseca a su forma de ver el mundo a pesar de no tratarse de una obra centrada en lo autobiográfico. Todo lo contrario, en esta obra primigenia encontramos como el autor canadiense va desarrollando una serie de elementos en las primeras páginas, un tanto desconectadas, pero que poco a poco va dándole una forma muy concreta: una narrativa causal construida a partir de casualidades. Construyendo un universo de mundos paralelos que se conectan a través del ojete, si, de un individuo anónimo y los genitales del protagonista.

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Utilizando las herramientas de ciertas narrativas vinculadas a la comedia el relato se construye en forma de un gag detrás de otro generando un gran gag en el cual se explica la desgraciada vida de Ed. El payaso en cuestión, del cual solo vemos los rasgos como tal al principio. En seguida se ve dentro de una trama en la que es acusado de cortarle la mano a un hombre, pero en su huida se encontrará con una chica muerta que resucita constantemente, será atacado por unos pigmeos asesinos, y su prepucio se convertirá en la cabeza de un presidente Reagan de otra dimensión. Es decir, Ed deviene una especie de vórtice de la mala fortuna en un relato en el que se pone de manifiesto lo absurdo del funcionamiento de los estamentos tanto políticos como sociales.

 Con el tiempo Ed, el payaso feliz sigue siendo un cómic que destaca principalmente por su desparpajo y su falta de complejos. Es divertido pero a la vez muy trágico, para ello Brown convierte a su protagonista en un Punching Ball al cual no se corta en arremeter contra él una y otra vez. Otro de los aspectos por los cuales merece ser releído es por el aspecto gráfico, en este volumen podemos ver la evolución estética del autor, de un estilo, por decirlo de alguna manera, más primitivo vinculado al underground más clásico a otro más depurado y definitivamente más reconocible con el que el autor posee a día de hoy. Creo que no hace falte recomendarlo por el valor mismo de la obra, pero como se suele decir en estas ocasiones: una gran oportunidad para aquellos que todavía no han empezado a deleitarse con la obra de este autor canadiense.

@Mr_Miquelpg

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Quiero ser


Fire!! La historia de Zora Neale Hurston (Peter Bagge). La Cúpula, 2017. Rústica. 124 págs. Color. 17,90 €

Posiblemente las biografías que más me gusten sean las de personajes que no conozco. Si el recorrido histórico se centra en una figura de la que conozco algo, el ejercicio suele consistir en aunar lo que ya sabía con las novedades, añadiendo además todo lo que ya supiera que la nueva obra omite o resume. Está claro que esto no evita que siga consumiendo biografías de personajes que ya conozco por mera curiosidad o atraído por planteamientos más novedosos o artísticos. Si no fuera así no seguiríamos devorando tantísimas obras sobre la figura de Hitler, una y otra vez, componiendo un fresco donde persona, personaje y criatura muta y se deforma hasta el infinito. Por eso es agradable a veces enfrentarse a la vida y obra de una figura desconocida, con la magia de esa primera incursión en la que no sabemos absolutamente nada y vamos avanzando con curiosidad sincera por el simple hecho de querer saber.

Así que no me queda más remedio que confesar que hacía muchísimo que no disfrutaba tanto una biografía como Fire!!: La historia de Zora Neale Hurston de Peter Bagge. Una biografía sencilla en la forma pero tremendamente poderosa en el fondo, que nos permite acercarnos a una figura quizás no demasiado conocida pero sí merecedora de estar en el batiburrillo de nombres de figuras de las letras que al menos conocemos de oídas. Yo en lo personal jamás había oído el nombre de Zora Neale Hurston, pero Fire!! tiene tanta fuerza, y es tan tremendamente entretenido, que me he visto obligado a leerme el cómic de una sentada, dedicándole otra a las interesantes y reveladoras notas del final. Una biografía digna de mención porque el personaje de Zora, como bien defiende Peter Bagge en su introducción, es una compleja unidad llena de claros y sombras que atraen en el mismo modo que repelen, algo que debería ser común a todas las personas interesantes.

Aunque no es la primera incursión de Peter Bagge en el terreno de las biografías de mujeres notables del siglo XX, me sigue llamando la atención el viraje del autor, quizás porque su trazo se me hacía demasiado atado a ciertos modos y tonos. Aunque defenderé siempre estas obra de Bagge como prueba de que un buen artista es capaz de huir de cualquier molde o etiqueta. Y si otras obras del autor nadaban en el costumbrismo más descarnado o el humor más directo, en Fire!!, así como en La mujer rebelde, tenemos una radiografía donde el talento que le presumíamos a Peter Bagge se aúna a la perfección con una cuidada documentación y una notable vena divulgativa que se empeña en enseñarnos quién era Zora Neale Hurston y por qué deberíamos conocerla.

Zora Neale Hurston es un personaje complejo de los que difícilmente hoy encontraríamos, pues el mundo actual es quizás demasiado veloz y cerrado como para permitir que alguien luchara al mismo tiempo por su propia libertad y por dar voz a su pasado. Desde el punto de vista académico tampoco hablemos, pues posiblemente aunque los trabajos de Zora se encuentren cercanos a los actuales estudios culturales, la maquinaria administrativa y burocrática bien se encargaría de acotar y organizar un corpus tan arbitrario, complejo y artístico. Pues Zora no dejó de ser una autora afroamericana de la primera mitad del siglo XX, empeñada en dar voz y reconocimiento a la cultura negra rural del sur de Estados Unidos y el Caribe, recogiendo desde sus leyendas y modos de habla hasta las prácticas del voodoo y otras creencias mágicas.

Pero Zona Neale Hurston, como nos enseña Peter Bagge, no se conformó con ser una mera cronista de su gente, también fue una mentirosa en lo personal y una embaucadora que o bien tuvo la suerte de estar en el lugar oportuno o si no se limitó a crear alguna tormenta perfecta. Sin duda una vida ejemplar que Peter Bagge nos cuenta de forma lineal y progresiva, donde los saltos temporales y las elipsis son continuas para contarnos la evolución de una mujer que no dejó de creer y cambiar para simplemente ser ella misma. Mención aparte se merecen las notas del propio autor, que nos ayudan a contextualizar cada momento y pasaje de la vida de Zora, lectura que yo recomiendo realizar tras la propia biografía, pues una vida tan intensa bien merece que se lea como se vivió, rápido y sin pedir permiso, con el corazón en el pasado y la vista en el futuro.

Ahora la pena, como ocurre tantas veces al leer biografías como Fire!! La historia de Zora Neale Hurston, es encontrar la obra del ilustre personaje, tanto las novelas como los estudios antropológicos de la misma, lo que sin duda me obligará a recurrir a la segunda mano o incluso a tener que leer en inglés, inconvenientes que su biografía me han demostrado más que soportables si el fin es conocer el corpus de tan interesante mujer.

@bartofg
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Depuración interior

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Trágica derrota (Nozoe Nobuhisa). ECC, 2017. Rústica, 192 págs. B/N, 16,95€

El siglo XX japonés es un siglo de renuncias, tanto a su estructura social como en las formas políticas. Un ejemplo de ello es la constitución japonesa actual redactada por el general McCarthur durante el periodo de ocupación militar estadounidense (1945-1952). Dicho texto supuso una imposición política, social y económica de la que Japón, en algunos aspectos ha sabido sacar provecho.  Aunque a nivel emocional esto no facilitó durante muchas décadas depurar, no solo superar la derrota, lo que supuso a nivel individual luchar por y para una sociedad estratificada socialmente en el que los propios ciudadanos eran culpables por no enaltecer lo nipón, por muy estéril que fuese en ese momento. En el relato corto Las algas americanas de Akiyuki Nosaka un joven matrimonio japonés se prepara para recibir a un viejo matrimonio estadounidense en su casa, si bien las intenciones de los primeros son buenas los segundos hacen gala del espíritu del conquistador. Este cuento de 1967 ya refleja que el pueblo al pueblo japonés le faltó algo para poder superar la derrota y la imposición del gobierno de Estados Unidos.

Si bien Hadashi no Gen de Keiji Nakazawa opta por analizar el devenir de Japón desde las explosiones nucleares a través del devenir de un personaje. Pero ni profundiza ni reflexiona sobre la situación en la que queda el país a posteriori. En Trágica derrota de Nozoe Nobusha este opta por la idea de cierta reflexión a posteriori, utilizando a personajes que vivieron no solo la derrota sino las pésimas condiciones en las que vivieron en conflicto, la mayoría de ellos en primera línea del frente. Aunque sigue teniendo carencias en la denuncia de las tropelías cometidas por el ejército imperial a lo largo de todo el pacífico, China y la península coreana.

Sin embargo, el punto de partida del relato coral de Nobusha opta por mostrar otra vertiente, la de los propios compatriotas que tuvieron que sufrir, la salvaje, ideología ultranacionalista que impulsaba cierta idea de auto considerarse los blancos de oriente idea que venía respaldada por el régimen nazi al considerarlos arios de carácter honorario. En el caso de la Segunda Guerra Mundial los ciudadanos de a pie japoneses fueron las primeras víctimas de la conducta criminal imperialista, la cual puso por encima del valor de lo humano políticas bélicas suicidas.

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Nobusha narra lo humano por encima de lo histórico criticando de paso como en muchas ocasiones se ha dejado de lado contar una parte de la historia para acentuar otra. Cada uno de los relatos cortos que conforman este volumen está pensado para mostrarnos cada uno de los aspectos de lo crudo que fue la guerra para los soldados imperiales rasos. En “Kaiten” se explica como un hombre mayor fue adiestrado en el manejo de los torpedos suicidas manejados por soldados y como tras un accidente se genera una deuda que no es capaz de saldar nunca; una referencia a la imposibilidad de recuperar lo perdido durante el conflicto. En “Prisionero” un hombre mayor es incapaz de olvidar como fue obligado a ejecutar a un soldado chino indefenso. Este anciano intenta depurar su culpa llamando la atención de la policía una y otra vez ante la imposibilidad de olvidar dicho momento y el conflicto interior que este le genera. “Hambre” profundiza en una de las situaciones más despreciables vividas durante la guerra del Pacifico: el canibalismo. De cómo en las situaciones extremas los soldados se comían entre ellos y a algunos prisioneros. “Repatriados” es el único relato protagonizado por una mujer y de cómo a esta se le dio un veneno para que en una situación comprometida pudiera tomarlo para evitar el sufrimiento. Esta tras sufrir repetidas violaciones evita tomarlo tan solo considera hacerlo cuando existe la posibilidad se entere de lo sucedido, en este caso la mujer carga con el honor de la familia, que es lo único que le hace considerarse culpable. “Miseria” nos habla de lo cíclico en la desgracia, de como un hombre tras pasar penurias en la guerra y ya de mayor se ve en la calle mendigando una limosna. El volumen se cierra con “Morir en paz” en la que un anciano pescador espera la muerte el tsunami de 2011 tras vivir una vida de remordimiento por no haber muerto de manera honorable en el frente.

Nozoe Nobuhisa denuncia a través de diferentes frentes como el presente y la historia son una gran ola que hace que todo se olvide. Así es como vivieron los supervivientes nipones del conflicto bélico que tuvieron que volver a un país reformado por segunda vez en un periodo de tiempo relativamente corto e incapaz de asumir lo sucedido. La influencia, reconocida, de los grabados de Goya acentúa la idea de lo crudo dejando de lado lo morboso. Esto nos hace pensar en un autor capaz de repensar el sentimiento nipón con cierta idea de mostrar la crueldad como lo hacían los clásicos. Trágica derrota está a la altura de la obra cumbre de Nakazawa, si bien analiza Japón con una intención no de culpabilizar ni señalar sino de mostrar lo sucedido, sin caer en lo lacrimógeno ni en lo fácil.

@Mr_Miquelpg

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Their Satanic Majesties Request

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The Wicked + The Divine. El acto faústico (Kieron Gillen, Jamie McKelvie, Wilson Cowles). Norma Editorial, 2017. Rústica, 176 págs. Color, 18 €

El mundo del pop-rock contemporáneo está muy alejado de aquello que fue hasta la década de los ochenta. Hasta aquel momento los y las que fueron estrellas de este tipo de música se forjaron como ídolos de masas a golpe de concierto, componer, crear y elaborar una imagen propia que ha llegado hasta nuestros días. Evidentemente la mercadotecnia, la explotación de producto y la creación de clones siempre ha estado ahí. En la actualidad vivimos en la época de los algoritmos no solo sirven para que Netflix haga series sin alma a medida de la audiencia suscrita al servicio, sino que en el ámbito de la música es algo que cada vez es más que evidente. Desde las Boys y Girls Bands de mediados de los noventa, los grupos “alternativos” creados por MTV (también por ese periodo) la música ha vivido un periodo de transformación más cercano a la creación de Idols del J-Pop y el K-Pop contemporáneo. No existe una escalada por parte de los artistas que están en primera plana sino que una construcción sesgada para nichos muy concretos de mercado.

The Wicked + The Divine juega en cierta manera a esa nostalgia por las grandes estrellas del pop y del rock, el magnetismo que estas generaban en torno a ellas, pero con un giro sobre la obsolescencia programada, no sobre la tecnología sino sobre la cultura de masas contemporánea de usar y tirar. El punto de partida es la relación de adoración que Laura, una adolescente británica, siente por Amaterasu una mega estrella del pop que forma parte de un evangelio de músicos y artistas que están copando la escena cultural del momento. Lo que no sabe Laura es que la fama es efímera, más en estos tiempos que corren, y las megaestrellas del pop que forman una especie de nuevo evangelio para las nuevas generaciones tan solo van a tener dos años de vida.

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Los dioses reencarnados se juegan no morir en el presente ya que sino desaparecerían para siempre. En este contexto Laura se convierte en una especie de sidekick de Luci, la reencarnación de Lucifer, la cual ha sido condenada por haber matado a unas personas con un simple chasquido de dedos. Laura intentará ayudarla y para ello deberá introducirse en el mundo de los dioses reencarnados para intentar saber quién está detrás de todo el asunto.

Estos dioses que se reencarnan cada noventa años no han encontrado una forma mejor de ser queridos y odiados que la de ser populares a nivel masivo, incluso en lo efímero de las redes sociales se convierten en unos totems para la sociedad contemporánea. Pero si hubiesen querido una adoración sin fisuras e intergeneracional seguramente se hubiesen decidido por ser estrellas (masculinas) del futbol, pero, evidentemente el mundo del deporte rey es mucho más gris, menos imaginativo y creativo que lo que supone ser una estrella de la música pop-rock. Kieron Gillen y Jamie McKelvie consiguen construir un universo solapado en el que la ficción funciona como un reloj con la inclusión de ese panteón de dioses. Otro aspecto en el que brilla es en el ritmo, en ese sentido está en su punto con un tempo muy marcado, dejando que se desarrollen las cosas con las pausas necesarias. En definitiva, un cómic interesante, divertido y que atrapa desde la primera página.

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Spain is pain #303: Anarcoma Lives Again!!!

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Anarcoma – Obra Gráfica Completa (Nazario). La Cúpula, 2017. Cartoné, págs. Color, 34,90€

A lo largo de la historia del cómic español hay pocas obras que podamos calificar como iconos dentro de la cultura popular. Estas son aquellas que trasciende de los lectores asiduos de viñetas y que forman parte del imaginario social, podemos remitirnos a personajes como Mortadelo, Filemón y el Capitán Trueno para un público muy amplio o a Luca Torrelli y Makoki para un tipo de lector generacional. Pero si hay alguno que ha permanecido como hitos de un ámbito cultural, social y temporal muy concreto ese/a es Anarcoma, la creación de Nazario.

La concreción de los parámetros que define esta obra es algo que viene marcado, no solo por la voluntad de ejercer de cronista de una parte de la historia de la Ciudad Condal, sino porque dicho excepcional retrato viene dado por un autor que concentra gran parte de su obra desde mediados de la década de los setenta y los ochenta. Posteriormente su trabajo como autor de cómics ha sido anecdótica en favor de una obra pictórica. De ahí que el registro de las formas, las actitudes y las costumbres de la comunidad LGTB del momento convierten en vitales los dos álbumes de Anarcoma publicados durante la década de los ochenta.

En esta edición integral que publica La Cúpula recopila ambos volúmenes además de un grupo de historias breves relacionadas con el universo Anarcoma, también hay que sumarle una serie de portadas e ilustraciones del personaje aparecidas en diferentes publicaciones; lo que suele ser un volumen imprescindible tanto para los lectores que ya hayan leído anteriormente al personaje como aquellos nuevos lectores que busquen conocer no solo parte de la historia del cómic, sino una parte de la historia oculta de nuestro país. En las páginas de Anarcoma se entremezclan personajes ficcionales salidos de la imaginación del autor, alguna reimaginacion de los siempre bien dotados hombres dibujados por Tom of Finland, el homenaje al cine negro clásico que se respira, principalmente en el primer volumen; y la aparición de espacios y personajes reales de la Barcelona del momento, por ejemplo Ocaña, Onliyú o el mismísimo Nazario.

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Si bien la primera entrega utiliza el robo de una máquina, que nadie sabe cómo es ni para que sirve, creada por el doctor Onliyú como McGuffin para mostrarnos la escena underground barcelonesa en este se destila un estilo gráfico que sigue estando de rabiosa actualidad. Anarcoma será la encargada de buscar la máquina pero de camino se encontrará a XM2 un robot-chulazo bien dotado y con una capacidad para el sexo inusual. Esta primera entrega gira en torno a lo lúdico festivo mientras que la desaparición de la máquina va pasando a un segundo plano, algo que se hace efectivo en el segundo álbum, bajo mi punto de vista mucho más interesante. En Anarcoma-2 existe un punto de denuncia contra el maltrato y las torturas que sufrió la comunidad gay en los años 80 como un remanente de la dictadura franquista. Lo más interesante de esta segunda entrega es el aspecto grafico mucho más depurado que en el anterior volumen y que siguen manteniendo la frescura del momento.

Que más decir de Anarcoma de Nazario… básicamente que es una obra fundamental por lo que supuso en aquel momento y por la necesidad real que tenemos en la actualidad de que esta obra salga otra vez a la palestra. A diferencia de muchos de sus contemporáneos Nazario le dio una impronta atemporal, tanto en lo visual como en lo narrativo, que todavía la convierte en un referente tres décadas después y que no puede faltar en ninguna de nuestras bibliotecas.

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