Universos embebidos

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Promethea. Libro 1 (Alan Moore y J.H. Williams III). ECC, 2016. Cartoné, 336 págs. Color, 31,50 €

Uno de los aspectos más complejos a la hora de desarrollar un nuevo universo a partir del “real” es intentar armar un relato canónico previo al relato a desarrollar. Se trata de un reto poder estructurar el universo antes de la lectura y darlo a conocer para que la audiencia pueda participar de pleno en la experiencia holística que el autor les tiene reservada. Alan Moore, al cual no le hacen falta presentaciones, es un especialista en la construcción de antecedentes, ya se a modo de pseudoanexos al relato principal, prólogo o epílogos. En el caso de Promethea se sirve de un prólogo a modo de breve estudio literario en el que nos pone a mano los antecedentes previos, supuestamente verídicos por los cuales debemos orientar la lectura.

Ese primer supuesto nos pone ante una obra que bebe de una herencia real previa. Ese breve texto se asemeja a aquel que Eco plantea en su obra El nombre de la rosa, en el que nos incitaba, y excitaba la imaginación, a que íbamos a sumergirnos en un libro sobre un pasado histórico real. El giro planteado en Promethea es algo diferente, la protagonista es una doctoranda que investiga sobre los orígenes del personaje de ficción llevando el pequeño texto introductorio a la obra al canon de la misma convirtiéndola en una línea argumental más. Es una manera de convertir algo que muchos lectores se saltan en una cuestión fundamental para comprender lo que va acontecer a continuación.

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Pero esa falsa articulación de la historia ficticia del personaje no es más que un peldaño para convertirnos en cómplices de Sophie Bangs, una chica que en ese proceso de investigación de la ficción se encuentra y respalda ese texto previo a la vez que empieza a revelarlo como una falsedad una estructura que sustentará todas las aventuras de Promethea/Sophie Bangs. La protagonista al convertirse en la heredera de poderes místicos a través de la palabra escrita constituye un punto de referencia para desvelar la vinculación entre el plano místico y el material. Sophie rompe la fantasía de realidad creada en el prólogo para trasladarla en la ucronía de finales del siglo XX en la que habita.

Este mundo de fantasía se construye de manera paralela a un doble universo, aquel en el que habitan las anteriores Prometheas y lo místico; y el material en que las fuerzas del otro universo pululan a través de la porosidad del mismo. En el segundo se concentran no solo las fuerzas que habitan en el otro mundo sino que también podemos encontrar superhéroes científicos, hombres poderosos que juegan con lo místico y de trasfondo un alcalde con personalidad múltiple que no es más que el reflejo de lo esquizofrénico del mundo representado. Promethea sigue siendo uno de los mejores trabajos de Moore, al que el paso del tiempo no le ha sentado nada mal. Para ello han jugado a su favor el evitar las modas del momento y centrarse en diatribas filosóficas inherentes al ser humano y un dibujo, a manos de J.H. Williams III, atemporal y cargado de simbolismo.

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Historia de la vida. Evolución (Katie Scott)

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Historia de la vida. Evolución (Katie Scott). Impedimenta, 2016. Encuadernado en acordeón, 24 págs. Color, 14,95 €

La colección visita nuestro museo de Impedimenta, integrada por Animalium, Historium y el título que reseñamos en esta entrada, es una de las mejores iniciativas del mercado editorial nacional de los últimos años. Cumple con una de las funciones básicas a las cuales están destinados los libros la didáctica, pero con una inconmensurable capacidad de entretener a lectores de todas las edades. Todo ello con el mismo encanto que tienen muchas enciclopedias y tratados antiguos que tratan temas como la evolución, la historia o la zoología. Esto sucede en un momento en el que la hiperrealidad a golpe de vínculo nos permite asistir a ejemplos detallados y a una cantidad de información, pero falta algo: un mediador. Alguien que organice la información que le de forma y que nos permita administrarla intelectualmente de manera adecuada.

El último volumen de esta colección está dedicado a la evolución de la vida en la tierra y si en los dos títulos anteriores se partía de cierto punto en el que el lector parecía tener cierto conocimiento en este caso es diferente. Explicar la evolución para neófitos es algo complejo y más cuando se ha de cartografiar en un periodo de tiempo tan largo  dividido en épocas que pueden resultar ajenas a la mayoría de los lectores. Para ello se ha cambiado el formato en este caso formato acordeón que permite, por un lado hacer una lectura puramente visual, de 2 metros de longitud, y por otro una explicación de detallada de cada uno de los periodos y de los hitos que marcaron la vida en cada uno de ellos.

Cabe destacar dos apartados que abren y cierran la obra y que ponen de manifiesto la voluntad formativa de dichos volúmenes: en primer lugar se explica en un desarrollo cronológico de 24 horas la evolución de la vida, y en segundo lugar se plantean una serie de preguntas sobre las cuestiones que rodean este tipo de investigaciones para dar fiabilidad al contexto que rodea a este tipo de pesquisas. En este caso ese es el mediador necesario para entender todo lo que necesitamos saber, no se trata de volcar toneladas de información sino administrarla de la manera adecuada. Como en el caso de los dos volúmenes anteriores se trata de una compra obligatoria tanto por el contenido como por la magnífica edición.

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Spain is Pain #269: relato negro post-punk

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Flash Back en Negro. Las aventuras de “M” (Manel Gimeno). Reino de Cordelia, 2016. Tapa dura, 160 págs. B/N, 19,95 €

La década de los 80 estuvo definida en el ámbito del comic patrio por la cantidad de revistas que aparecieron como consecuencia del panorama underground de los 70 y las publicaciones que salieron a lo largo de la recta final del franquismo. Cabeceras como El Cairo, Bésame mucho o El víbora, como último gran superviviente de ese periodo en el que todo estaba al alcance de los lectores en cualquiera de los quioscos de barrio de cualquier población. La consecuencia inmediata fue la aparición y consolidación de autores nacionales que se habían forjado en fanzines y todo tipo de publicaciones protoprofesionales. A día de hoy no es que se haya olvidado dicho periodo pero tampoco existe una voluntad por recuperar dicho legado, a excepción de exposiciones como Valencia línea clara en el IVAM comisariada por Álvaro Pons o el recopilatorio del que hablamos hoy.

Las aventuras de “M” de Manel Gimeno es un claro del cómic publicado en aquel periodo, quizás no el mejor exponente de la línea clara valenciana pero si de las inquietudes que recorrían a muchos de los autores de aquel momento. Ante todo estamos ante un relato de género que reúne todo los elementos del noir más clásico en el que se reúnen todos aquellos aspectos que hacen que el lector identifique rápidamente los topos por los que se va a desarrollar la narración. “M” es un exagente de una agencia secreta, Interspal, que vive de los trabajos que le surgen de los bajos fondos, en los que siempre aparece una femme fatale que complica algo la situación.

Este volumen recopila aventuras como: “El último adiós”, “Jazz en Arano”, Trópico”, Flash Back en Negro”, “Vernon S.” y las dos partes que componen “Ninguna rubia pedirá fuego a un perdedor”, guionizada por Mique Beltran al igual que algunas otras historias del personaje. La acción tiene lugar en un futuro no demasiado lejano en el que la esencia de lo humano y los valores no han cambiado demasiado. La corrupción, la violencia y el crimen siguen estando a la orden del día. En ese entorno “M” tiene que llevar a cabo sus andanzas y cargar con un pasado que le ha dejado un gran número de enemigos y de causas pendientes que repercutirán en su vida actual.

Este volumen gustará a todos aquellos que en su momento disfrutaron de las aventuras de este personaje a través de las apariciones de este en diferentes publicaciones. Además de ser una gran noticia para aquellos que les gusta indagar en uno de los periodos más interesantes del cómic nacional. A pesar de ser un cómic muy de aquel momento todavía conserva la frescura con la que se creo.

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El evangelio (putero) según San Brown

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María lloró sobre los pies de Jesús (Chester Brown). La Cúpula, 2016. Rústica, 288 págs. B/N, 17,90 €

Podemos releer cualquier texto partiendo de una hipótesis distinta las que se han hecho anteriormente, o a la original. De manera que este siempre parecerá nuevo. El nuevo prisma tiene que tener como función principal descubrir nuevos puntos de interés que tiendan puentes hacia una nueva reinterpretación de la obra original. Si tomamos ejemplo los enfoques de los estudios culturales que tratan de mostrar que las lecturas de la cultura hegemónica dominante no siempre son aquellas bajo las cuales la población no afín a ese punto de vista. Stuart Hall, en su artículo The television discourse – encoding and decoding, define tres formas de realizar una lectura de dicho discurso: la preferente, la negociada y la oposicional. Los estudios culturales, desde los poscoloniales, feministas o queer parten del último.

El gran texto que define la cultura hegemónica dominante es La Biblia, está en una lectura literal de los hechos sería un ejemplo de lectura preferente de dicho libro. Las diferentes ramas del cristianismo, en cualquiera de sus formas, nacen a partir de una lectura negociada del mismo focalizando en algunos aspectos y obviando otros. En cuanto a la lectura oposicional es aquella que busca aquellos otros significados, los que pueden tener otras culturas o personas que no creen en los dogmas de fe del cristianismo. No siempre tienen que ser lecturas destructivas, sino que cuestionan desde un punto crítico, en la mayoría de veces desde el punto de vista de un no creyente las bases de la fe.

El caso de Chester Brown se mueve a medio camino de la lectura negociada y la oposicional, en la que su relectura tiene un punto de partida que consiste en cuestionar el mayor dogma de fe del cristianismo: la inmaculada concepción de la virgen María. Para ello el autor canadiense deja de lado el chiste barato, el morbo y cualquier tipo de anecdotario para centrarse en un profundo estudio sobre la introducción de la mujer en la genealogía de Jesús. Las genealogías, generalmente heterocéntricas, apuntan a que el origen de las sagas religiosas, familiares, grupales y culturales son heteropatriarcales y las mujeres o no aparecen en ellas o solo figuran como figuras secundarias con rasgos meramente funcionales.

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Cuestionando el primer dogma de fe, el principal, Brown inicia una investigación, solo hay que ver las profusas notas con las cuales el autor profundiza y amplia el cómic en sí mismo así como el interesante epílogo en el cual explica cuál ha sido el proceso de construcción cuál es su hipótesis de trabajo y hacia a donde le ha llevado; a eso hay que sumarle la bibliografía de investigación. Encuentra en la prostitución, profesión sobre la cual elaboró su obra Pagando por ello, una base para explicar la función de la mujer en la biblia sin apartarla demasiado de los lugares comunes a los cuales se les otorgar su espacio.

María lloró sobre los pies de Jesús, es uno de los libros de investigación más interesantes que he leído en los últimos tiempos. Chester Brown utiliza un grafismo limpio, inmaculado para hablar de un tema peliagudo. Pero ese trazo limpio no es tan solo un rasgo gráfico sino conceptual, el tema es tratado de manera impoluta. La labor del autor consiste en poner una tesis sobre la mesa, no en imponerla, para ello se basa en una revisión concienzuda de los hechos sin decantarse por ningún extremo. Un libro maravilloso capaz de cuestionar aquellos aspectos más asentados de nuestra cultura.

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Blanco Humano – El usurpador (Peter Milligan, Cliff Chiang, Cameron Stewart y Javier Pulido)

blanco_humano_num4Blanco Humano: El usurpador (Peter Milligan, Cliff Chiang, Cameron Stewart y Javier Pulido). ECC, 2016. Rústica. 192 págs. Color. 17,95 €

Llegamos al final de la saga de Christopher Chance ideada por Peter Milligan, una historia se cierra en Blanco Humano: El usurpador como sólo podía hacerlo el guionista londinense, jugando con el lector y su protagonista, hasta el punto de dejarnos en un estado de duda donde no sabemos muy bien lo que ha pasado pero estando seguros de que todo el camino que hemos recorrido nos ha servido para aumentar las dudas que teníamos al principio. Peter Milligan siempre ha estado obsesionado con la identidad, especialmente con la construcción de la misma, obsesionándose con las máscaras reales e imaginarias, con lo que el final de Blanco Humano no podía ser otro que el abandono total de la mascarada por parte de Christopher Chance, aunque no sepamos muy bien que demonios quiere decir eso.

El usurpador comienza con una historia en tres números sobre la religión, otro de los grandes temas a los que Peter Milligan vuelve una y otra vez, en este caso contando con el dibujo de Cliff Chiang, quien junto a Javier Pulido ha construido el imaginario visual de Blanco Humano. Esta historia de religión, con milagros y mesías, se aleja de la tónica general, pues Peter Milligan no se limita a describir una secta sedienta de dinero, sino que mezcla el negocio capitalista del alma con la duda y las obsesiones más mezquinas, cualquier otro guionista se habría limitado a mostrarnos lo absurdo y vacío de la religión, pero el londinense deja tanto hueco para la duda y la posibilidad de redención que parece una historia escrita por un ateo católico, un canto hacia la duda suprema y la imposibilidad de una respuesta absoluta.

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Blanco Humano: El usurpador continúa con dos números únicos, el primero dibujado por Cameron Stewart y centrado en la relación de Christopher Chance y Mary, aunque esta última no aparezca; y el segundo dibujado por Javier Pulido, donde la guerra contra el terror y el multiculturalismo de Los Angeles hablan a su manera de la alianza de civilizaciones. Pero todo se cierra con otros tres números dibujados por Cliff Chiang donde Christopher Chance se enfrenta una vez más a un viejo conocido, otro experto en el arte de suplantar y perderse por el camino. Estos tres números son la apoteosis perfecta para lo que Peter Milligan ha estado desarrollando durante tantas páginas, el cierre perfecto que en ningún momento puede considerarse un final cerrado y libre de cabos sueltos, pues los cabos sueltos han sido siempre el andamiaje sobre el que se ha construido Blanco Humano, y la serie no podía terminar de otra forma que lanzando una pregunta al lector si esperar ninguna respuesta por su parte. Peter Milligan concluye su obra, la conclusión que saque cada uno es cosa suya, lo cual seguramente diga más sobre uno mismo que sobre el guionista o Christopher Chance.

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Historium (Richard Wilkinson y Jo Nelson).

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Historium (Richard Wilkinson y Jo Nelson). Impedimenta, 2016. Cartoné, 96 págs. Color, 25€

Cerremos los ojos durante un momento e imaginemos que tenemos a nuestro alcance un museo que recoge aquellos objetos más interesantes de la historia de la humanidad. Esa es la idea que está detrás de Historium, volumen que sigue la estela de Animalium pero esta vez centrado en las civilizaciones antiguas de la humanidad y en el arte y la artesanía ancestral de cada una de las culturas. El libro está dividido en 6 salas geográficas y cada una de estas en diferentes grupos centrados en diferentes civilizaciones.

La idea que persigue este libro no es solo mostrar los objetos a secas, independientemente de la belleza de cada uno de estos sino que se explica el contexto histórico y cultural en el que fueron creados. En primer lugar se detalla el desarrollo cronológico de cada una de las civilizaciones, y luego se pasa a desglosar aspectos de estas a través de los objetos en cuestión. Las piezas van desde objetos decorativos, herramientas, armas, ornamentos funerarios, etc. Nada mejor que aquello elementos del día a día para explicar la microhistoria de cada uno de estos grupos culturales. Una de las principales conclusiones que podemos sacar de este volumen es la importancia del contexto, no podemos entender la historia sin los objetos que la construyeron y estos sin el contexto en el que tuvieron cabida.

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A parte de todo eso Historium es un libro con una edición maravillosa, como todo lo que publica Impedimenta, que pone otra vez en juego el libro educativo para todas las edades, sirve para leer en solitario o en conjunto. Este tipo de volúmenes relanzan la idea de la lectura como algo más que acabar un libro y dejarlo de lado, se siguen leyendo y consultando con el tiempo una y otra vez. La otra virtud de esta obra de Wilkinson y Nelson es la capacidad de resumir en 140 piezas la historia de parte de la humanidad haciendo que el lector pueda empezar su propia investigación a partir de ese punto. Al igual que Animalium con la zoología Historium despertara la vena historiadora y arquelógica de muchos jóvenes, algo que solo se puede conseguir con libros creados y editados con tanto entusiasmo.

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Refundación sin renacimiento

portada_star-wars-kanan-n-01-el-ultimo-padawan_varios-autores_201512011206Kanan el último padawan 1 (Greg Weisman y Pepe Larraz). Planeta Cómic, 2016. Rústica. 144 págs. Color. 16,95 €

La creación de mitología es sin duda uno de los pilares sobre los que se sustenta la cultura popular actual. Ya es complicado encontrar un texto único que no derive primero en la creación de una saga y posteriormente en la conformación de un universo propio. Evidentemente no todos tienen el mismo éxito, y mientras Harry Potter continúa colocando ladrillos en su catedral particular, otras obras van quedando poco a poco en el olvido, como es el caso de la saga Crepúsculo, la cual no ha pasado precisamente de eso, de mera saga. Quizás todo se deba a que hay demasiados intentos por parte de la industria de crear desde la nada, y lo que es más importante, sin base de seguidores, constelaciones de fantasía y aventuras. Y claro, no es tan sencillo, pues no todos son Star Wars o Star Trek, las vacas sagradas de los universos ficcionales.

No hay duda de que Star Wars es uno de los universos más complejos jamás creados, con la particularidad de haber crecido primero como algo anecdótico y después como la mejor herramienta para mantener vivo el disfrute e interés de los fans. Tenemos el ejemplo en los primeros cómics publicados por Marvel justo después del estreno de la primera película, aventuras que tenían más que ver con la space opera más lisérgica que con el mundo creado por Lucas. Sin embargo, cuando la empresa matriz fue consciente del poder del universo extendido, no tardó en controlarlo con mano férrea para que todo estuviera siempre en consonancia a las seis películas y la serie de animación creadas por el padre galáctico. Pero de repente llegó Disney y optó por el borrón y cuenta nueva. Momento en que muchos fans, agarrados como sanguijuelas a su conocimiento enciclopédico, se revelaron, incapaces de gestionar que toda la historia que habían estudiado como cronista se perdía en un reino de leyendas, asustados ante un nuevo universo gestado a la sombra de las nuevas películas.

En este momento entran en escenas nuevos textos para apoyar a las nuevas películas, pues el universo expandido es necesario para que los fans podamos revisitar una y otra vez esos mundos donde perdernos. Una de estas obras es Kanan el último padawan, un cómic que recoge la adolescencia de Kanan, un aprendiz de jedi que pasa de sobrevivir a la caza de los de su clase al final de las Guerras Clon, a formar parte de la incipiente resistencia ante el imperio. La obra cuenta con guión de Greg Weisman y dibujo de Pepe Larraz, dos autores que sin duda intentan dar lo mejor de si mismos pero aceptando que son herramientas para contar una historia mayor para los fans. Kanan es un personaje que surge de la serie de animación Rebels, centrada en los inicios de la rebelión, anterior a toda la historia de Luke Skywalker, como nexo entre lo que fueron las Guerras Clon, ya casi olvidadas, y el momento álgido del Imperio. Con lo que el cómic se centra en el mismo marco temporal pero acercándose más a las Guerras Clon, con los momentos iniciales del dominio del emperador.

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En cierto sentido se podría decir que Kanan el último padawan es una obra pensada para rellenar huecos, funcionando como la masilla que mantiene fijados los ladrillos. El universo de Star Wars es complejo, pero sin duda no todos sus seguidores son consumidores masivos, muchos se conforman con las películas, así que Kanan el último padawan está pensado para quienes quieran completar su conocimiento sobre todo eso más que pasa en la galaxia. Pero que nadie se lleve a engaños, Greg Weisman hace algo más que cumplir y nos presenta en Kanan el último padawan una historia entretenida y con toda la magia propia de Star Wars, demostrando un especial gusto por el tono más criminal del universo, con lo que visitaremos el borde exterior acompañando a meros contrabandistas con la única idea de sobrevivir. Por su parte, el dibujo de Pepe Larraz cumple de sobra con las necesidades del cómic, siendo impactante cuando lo necesita y más calmado cuando el ritmo baja de intensidad.

En resumen, Kanan el último padawan es una pieza más dentro del engranaje de Star Wars, un producto que sin duda tiene su origen en la idea de sacar más dinero a los fans y de volver de nuevo mucho más complejo el universo madre, todo hasta que el nuevo universo expandido sea tan complejo como el anterior. Pero por fortuna para los lectores y seguidores de Star Wars, Greg Weisman sale airoso del compromiso, con lo que tenemos una lectura tan amena como desearía cualquier fan, impregnada totalmente de la magia de ese universo que aún invita a soñar y a ser visitado una y otra vez.

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Gotham Central – Momentos decisivos (Ed Brubaker, Greg Rucka, Chuck Dixon, Judd Winick, Steve Lieber, Joe Giella, Dick Giordano, Brent Anderson, Paul Pope, Cliff Chiang y Graham Nolan)

gotham_central_momentos decisivosGotham Central – Momentos decisivos (Ed Brubaker, Greg Rucka, Chuck Dixon, Judd Winick, Steve Lieber, Joe Giella, Dick Giordano, Brent Anderson, Paul Pope, Cliff Chiang y Graham Nolan). ECC, 2016. Cartoné. 224 págs. Color. 22 €

 

Tras el cierre de la serie Gotham Central en el cuarto volumen recopilatorio, asistimos ahora a una especie de tomo especial que a pesar de presentarse como el quinto volumen de la serie realmente presenta historias anteriores fuera de dicha colección. La construcción de los universos superheróicos es compleja y a veces es complicado saber que pasó antes o después o si algo que pasó continúa formando parte del pasado del personaje o se ha eliminado completamente de su cronología. Por suerte, obras como Gotham Central permiten disfrutar sin más de una buena serie policiaca, lo que elimina preocupaciones sobre continuos temporales, aquí lo que tenemos es serie negra pura y dura. Es cierto que ninguna de las tres historias recopiladas en Momentos decisivos llega al espléndido y espectacular nivel de Gotham Central, pero es innegable que son buenas historias que se dejan leer y enriquecen el universo del hombre murciélago, quizás no su conocimiento enciclopédico pero si su carácter mitológico, que al final es lo importante, que somos lectores y no contables.

La miniserie de cinco números que da nombre al tomo, Momentos decisivos, nos muestra cinco momentos de la relación entre Batman y James Gordon, con mayor importancia para el policía que para el justiciero. Greg Rucka, Ed Brubaker y Chuck Dixon pretenden dar más profundidad a esta relación que casi podría definirse como amistad a lo largo de cinco puntos donde vemos lo mejor y lo peor de ambos personajes. Quizás quede algo descolgado el capítulo de Chuck Dixon protagonizado por la figura de Azrael, lo que por momentos abandona el cuento mitológico para caer en la mera crónica histórica del murciélago de Gotham. Pero es respetable el trabajo de los tres guionistas. Aunque si hay una historia que merezca ser recordada en Gotham Central: Momentos decisivos esta es Voces perdidas, la historia de Josie Mac, la agente de la ley creada por Judd Winick y Cliff Chiang, personaje que después pasaría a engrosar las filas de la Unidad de Crímenes Mayores en Gotham Central. Guionista y dibujante, crean una perfecta historia negra, tan dramática que termina siendo trágica y el final a pesar de ser positivo es totalmente insatisfactorio y tan amargo como rabioso.

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El tomo se cierra con un número único escrito por Chuck Dixon y dibujado por Graham Nolan, quizás el más flojo del recopilatorio, pero con un sabor a clásico y un humor cáustico que lo convierten en el postre perfecto para el atracón que es Momentos decisivos. El último tomo no es Gotham Central, pero es una lectura complementaria que no sienta mal, un recorrido más en lo que significa Batman gracias a la visión que de él tienes las fuerzas de seguridad, esas mujeres y hombres que sin superpoderes se lanzan a mantener el orden y la ley en una ciudad devorada por la locura y la violencia.

Gotham Central 1: En el cumplimiento del deber

Gotham Central 2: Payasos y lunáticos

Gotham Central 3: De patrulla por el infierno

Gotham Central 4: Corrigan

Gotham Central 5: Momentos decisivos

Gotham Central 6: Agente herido

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Viaje a las pesadillas polares

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Iceland (Yuichi Yokoyama) Mincho Press, 2016. Rústica, 96 págs. B/N, 17€

Una de las técnicas de narración más interesantes es la de buscar un punto cero o minimizarla a lo mínimo y sostener el relato a los resquicios que esta proporciona. Haciendo que la historia se agarre como un tipo al borde de caer por un precipicio. Esto permite focalizar en otro tipo de contenidos del universo ficcional desarrollado por el autor o centrarse más en el desglose de la acción, pararse y detenerse. Obligar al lector a seguir un ritmo de lectura predeterminado que lleva más hacia una exploración de los recursos utilizados por el autor que por la historia explicada por el narrador.

Es en cierta en cierta manera el triunfo de la forma sobre el fondo, solo que sin vacuidades, la forma en sí misma es el relato, el escenario y los personajes, estos juegan el papel que deben jugar en este tipo de relatos. En Viaje Yuichi Yokoyama, el autor que nos ocupa hoy, ya jugaba con dichas ideas un grupo de personas que recorren un tren en marcha de desde el primer vagón al de cola sin ningún tipo de fin ni desarrollo en tres actos la acción sucede con tan solo una premisa: no narrar.

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En Iceland Yokoyama retuerce un poco más dicha idea pero con la misma pretensión de hallar y exponer un punto cero de narración en la que todo sucede en tiempo presente a través de tres tipos que persiguen a un tercero. Un recurso narrativo mínimo para empujar un relato que se centra más en la impresión que quiere causar en el lector que aquello que pueda implicar a los protagonistas del relato. Podría parecer que para este autor japonés no narrar implica en cierta manera no tener interés por el relato de lo humano, tal y como se puede entender desde un punto de vista romántico. Ese parece ser el punto de partida para entender esta obra. Resulta desolador como el escenario planteado en la misma, un espacio polar carente de elementos, aparte de los estéticos, que ayuden al lector a anclar su conocimiento sobre el espacio adquirido en otras obras que le ayuden a articular lo que está presenciando.

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Si por un lado el aspecto narrativo se reduce a lo mínimo, un macguffin encajado en una narrativa mayor que desconocemos completamente, supuestamente tan mínima como esta historia, y que no conduce a ningún lado más allá de la mera contemplación de una construcción que maneja concepto como abstracción, y una concepción pesadillesca de un espacio árido y polar, que no tiene que tener ningún tipo de relación con la naturaleza de estos lugares. En Iceland Yokoyama sigue recurriendo a una serie de estrategias muy atractivas a través de las cuales procura explotar todos los recursos gráficos posibles para no narrar, pero si para fijar la retina del lector en lo que sucede en cada viñeta, en cada página y en la cara de unos personajes hieráticos que no transmiten ni un solo sentimiento y cuyas facciones son tan taxativas como las conversaciones que mantienen. Un trabajo que da mucho para pensar sobre la función de la estética por encima de la narración en el cómic contemporáneo y que permanece en la mente de los lectores durante mucho. Básicamente un must-have de libro.

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Literatura y cómics

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La comedia literaria (Catherine Meurisse) Impedimenta, 2016. Rústica, 144 págs. Color,  22,95€.

Hace ya unos cuantos años se solía decir que aquellos niños que tenían un cómic en sus manos cuando fuesen adultos cambiarían el tebeo por un libro. Con el tiempo se ha podido ver que dicha afirmación es bastante gratuita, ya que si bien el leer historietas fue el acto que inició a muchos lectores, pero también fue un acto generacional que formaba parte del tránsito de pasar de la infancia a la adultez y que se pierde con el tiempo a pesar de que algunos continúen con ese hábito. A día de hoy los videojuegos ocupan ese espacio que en su día coparon los tebeos. Con el tiempo algunos, quizás la gran mayoría dejaron de leer al mismo tiempo que apartaron los cómics de sus vidas.

Sin embargo, la relación entre el arte de las viñetas y la alta literatura es profunda y cada vez más se enraíza dentro del noveno arte. Dejando de lado cuestiones terminológicas y cuestiones de relaciones jerárquicas en cuestiones de adaptación, muchos autores ven en obras literarias una buena base para crear sus propias visiones sobre las mismas, un ejemplo es la brillante Nela de Rayco Pulido adaptando Marianela de Benito Pérez Galdós. La relación entre cómic y literatura es de parentesco consanguíneo, mucho más cercano que el cine u otro tipo de adaptaciones audiovisuales. El papel es el nexo que los une y el que obliga a creadores a recurrir al mismo tipo de estratagemas para atrapar al lector dentro de la página.

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En otra línea están aquellos títulos, y ya estamos hablando de historietas, que utilizan el arte secuencial como un medio propagador de cultura, llamémosla alta o clásica (aunque algunos puedan entrar en debate sobre sus diferencias), como es el caso de La comedia literaria de Catherine Meurisse. La autora gala opta por una tercera vía: utilizar las viñetas para desarrollar una breve pero intensa historia de la literatura francesa. El acierto consiste en dotarla de cierta comicidad pero sin perder el rigor que debe tener un libro que en el fondo busca difundir la literatura de un país. Por ello la autora no olvida el espíritu didáctico no pierde ni el trasfondo histórico ni aquellos momentos por los cuales las obras y los autores a los cuales están dedicadas estas páginas son tan relevantes para la literatura universal.

Lo bueno de La comedia literaria consiste en enamorar a los lectores con la narrativa francesa, desmitificando en muchas ocasiones a los autores y ensalzando su pensamiento y su obra. Es tanto un título para aquellos que conocen las obras citadas, como para las que les suena de algo como para aquellos que son completos desconocedores de las mismas. Es más es un gran punto de partida para despertar el interés sobre algunas obras fundamentales para la cultura occidental, pero sin resultar ni pedante ni cansina. Meurisse utiliza un estilo fresco de trazo suelto para dotar al conjunto del tono apropiado para leer el libro con pausa con tranquilidad, incluso a largo plazo tras lecturas, o relecturas de algunas de las obras citadas. Un libro de libros imprescindible en los tiempos que corren.

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