Esa otra resplandeciente Ciencia Ficción (y 2)

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En un rayo de sol – Segunda Parte (Tillie Walden)- Ediciones La Cúpula, 2019. Rústica, 276 págs. Color, 27,9 €.

En la entrada dedicada al primer volumen de esta obra de Tillie  Walden ponía de relieve la importancia de jugar con los géneros canónicos y reconvertirlos en nuevos modelos para nuevos públicos. Las sagas espaciales suelen presentarse como una especie de Génesis en el podemos consultar cualquier evento de la historia ficcional de ese relato. Walden lo plantea de manera diferente, no existe una necesidad imperiosa por tener que contarlo absolutamente todo; la autora tejana narra brillantemente el pasado a través del presente, como una forma de eco que va tomando fuerza hasta que repercute en la vida de las protagonistas.

En este volumen se incrementa esa sensación de que la autora usa un gatillo emocional para empujar la acción hacia adelante. No existen motivos lógicos por los que Mia decida trasladarse a uno de los lugares más aislados de la galaxia en busca de Grace. Es lo que podríamos denominar como un amor épico más cercano a la fe en una relación que en la creencia en la misma. La escalinata, lugar al que se dirige toda la tripulación, es un lugar fundado por las hermanas Hill que posee notables riquezas naturales y que el resto de imperios galácticos han intentado conquistar, por las buenas y por las malas dicho territorio para al final abandonarlo aislándolo.

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El encuentro entre Mia y Grace es uno de los mejores momentos de la historia y que mejor define la idea de gatillo emocional. Aquí como una esperanza máxima que casi muere pero que al final surge con fuerza. Pero antes de eso se define la idea de lo foráneo, lo extraño. Las Hill definen a todo ser extranjero como enemigo, hasta el punto de convertirse en un precepto para dicha civilización. La irrupción masiva de alienígenas, en este caso la protagonista y sus compañeras de trabajo, obliga a producir un tipo de relación entre los personajes del planeta, nace el cuestionamiento del pensamiento único. También podemos considerar que las Hill adquieren otros valores entorno al amor más allá de los vínculos de sangre. Una riqueza infinita que se expandirá por todo el universo.

La propuesta de enfrentamiento entre culturas sin llegar al conflicto podría resumir el tema de En un rayo de sol; las protagonistas se enfrentan entre ellas dialécticamente, respetando los espacios personales del resto de personajes. Quizás desde esa visión podamos entender ese final feliz en el que todas encuentra su lugar en el mundo, no perfecto, pero en el que ellas se integran a la perfección. Una ciencia ficción optimista para todos los públicos pero que trata temas complejos sobre las relaciones humanas y que busca redirigir el género a otros lugares todavía desconocidos.

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Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades (Mark Russell y Mike Feehan)

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Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades (Mark Russell y Mike Feehan). ECC, 2019. Cartoné, 168 págs. Color, 17,95 €

Si la reescritura de Los Picapiedra  fue uno de los títulos destinados para el gran público con mayor peso político; podemos decir que Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades de Mark Russell y Mike Feehan hace lo suyo con las reivindicaciones LGTBIQ+ pasadas o actuales. Pero lo más interesante es ubicar a los personajes de Hannah Barbera en un contexto histórico real el de la guerra fría y el de la caza de brujas anticomunista en la industria del espectáculo y la cultura.

El león Melquiades, Snagglepuss en su versión original, fue uno de tantos personajes del mejor estudio de animación para TV que más iconos culturales construyo para la infancia desde mitad del s. XX. En su caso fue uno de los más transversales de la factoría, con un par de temporadas estrenadas el mismo año, 1961, pero con apariciones en varios shows de la productora. Si bien en el caso de la reimaginación de Los Picapiedra consistía en jugar con el capitalismo galopante del que disfrutaban los personajes originales para convertirlos en una clase media que empieza a cuestionar el sistema incluso a oponerse a él. Con Melquiades la transformación pasa por el ya mencionado contexto histórico y por realzar algunas de la formas del personaje original realzándolas.

Mark Russell y Mike Feehan crean un personaje nuevo pero que borra al original, es un dramaturgo que recuerda a Tenesse Williams en la década de los 50 en mitad de una ola de ultranacionalismo ideológico purista estadounidense. Se dedica a escribir obras con un subtexto claramente homosexual, que en cierta manera son toleradas por una incipiente clase media que aspira a demostrar su riqueza a través de la asistencia al teatro y a ciertos tipos de cultura más o menos asequible. Como clase media, lo que ahora denominamos nuevos ricos, solo se quedan con la trama no entendiendo el carácter vehicular de este. Una sociedad capitalista que necesita consumir a todas horas, pero sin la necesidad de digerir.

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Melquiades está acompañado por otros personajes como Huckelberry Hound, otro escritor gay que se esconde del mundo, Tiro Loco McGraw, Canito y Canuto, el pulpo Manotas o Pepe Pótamo, aparecen como personajes secundarios pero todo con un matiz tremendamente dramático. Pero no estamos ante un cómic solo con animales antropomorfos, sino que, al igual que en las series originales, los seres humanos conviven  con estos. Con un pequeño detalle, mientras que en las series televisivas se exhibía el carácter jerárquico de la relación hombre-animal, aquí conviven en igualdad de oportunidades con estos.

Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades es ante todo un drama, que nadie espere encontrar chistes directos que hagan sonreír a su nostalgia, ni grandes escenas de acción o gags. Es básicamente una crónica de los momentos duros que vivió la comunidad gay en EEUU en un periodo en el que ante todo la fidelidad a una bandera justificaba todo tipo de atrocidades. No puedo dejar de recomendarlo, me parece una lectura fundamental para estos tiempos que se conjuga muy bien con uno de los clásicos sobre la lucha de este colectivo, Stuck Rubber Baby de Howard Cruse, uno desde un punto de vista autobiográfico y directo y otro reflexivo. A parte de todo lo mencionado los personajes siguen teniendo ese encanto, siendo otros siguen siendo los mismos.

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El lugar es el relato

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Balas perdidas 2: en algún lugar del Oeste (David Lapham). La Cúpula, 2019. Rústica, 268 págs. B/N, 19,90 €

La definición de espacios en el relato negro es tan fundamental como trabajar con los personajes prototípicos del género. Desde los rincones más oscuros  o los antros de la ciudad a aquellos pueblos de la América profunda, muchas veces alejados de la oscuridad, que se rigen a partir de sus propias reglas y normas. Este último rasgo puede ser adaptado en función de los parámetros culturales de la localización. De ahí la importancia de crear un espacio que funcione a modo de universo con sus propias normas, que tenga una mitología propia y personal y que los personajes que pueblan esos espacios giren en torno a todos estos elementos.

Para el segundo gran arco argumental de Balas perdidas Lapham nos pone frente a uno de esos espacios inevitables del género negro, el pueblo aislado en mitad de la nada con una población un tanto particular. Es un pueblo que vive alrededor de dos elementos, por un lado una vaca de 5 patas que es la mayor atracción del pueblo y por la que de vez en cuando algún turista se deja caer por ahí; el segundo, es que a pesar de vivir en el interior del oeste estadounidense tienen un paseo marítimo para el día en que la falla de San Andes colapse toda la costa y ellos se queden en primera línea de mar. Elementos que ninguno de los habitantes de Seaside cuestiona.

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El punto es cuando un grupo de personajes, en este caso los protagonistas, llega a ese pueblo huyendo de unos traficantes a los que les han robado un alijo de cocaína. Estos nos servirán al lector de enlace para ver de manera crítica a los habitantes de ese pueblo, pero al ser ellos los foráneos destacarán  en un contexto en el que la perversión local, al ser asumida, resalta de la de este trío de fugitivos. Lapham se apoya en una narrativa cronológicamente fragmentada para relatar diferentes momentos de esa relación entre un pueblo abducido por su propia mentira y un grupo de personajes urbanos que desconfían de sí mismos y que intentan moldear a su nuevo entorno como una forma de protegerse de cualquier amenaza exterior.

Balas perdidas de David Lapham fue en su momento un giro definitivo a ese cómic independiente que bebía de los géneros canónicos pero actualizando algunos de los temas y los estereotipos del mismo. En el caso de este volumen se trata de darle esa importancia a los espacios, renovados, sí, pero respirando del aire decadente de estos lugares, algo que el autor estadounidense retrata a la perfección. Una colección imprescindible en cualquier comicteca.

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El cantar de Aglaé (Anne Simon)

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El cantar de Aglaé (Anne Simon). La Cúpula, 2019. Rústica, 124 págs. B/N, 14 €

Anne Simon nos plantea un relato sobre la intersección de género binario y poder en forma de cuento de hadas. La idea de plantearlo en un mundo fantástico no desdibuja para nada la idea central de la autora. Aun así es un mundo con sus reglas, caben en el espacios mágicos o extraños ajenos a la realidad, animales antropomórficos, seres fantásticos o reglas completamente estúpidas como norma de funcionamiento interno. El cantar de Aglaé  es la historia de Aglaé una oceánida, ser fantástico, que se queda embarazada tras tener un romance con un sireno, su padre la destierra por dicha condición. Cuando llega a una nueva tierra se encuentra con un tirano, un ególatra que ejerce su poder con mano de hierro principalmente con las mujeres. Aglaé se tiene que casar con un director de circo para no morir por decreto. Tras rescatar a sus hijas del tirano lo asesina y se convierte en la nueva reina.

Aglaé como trasunto del feminismo más reformador, secundado por la intelectualidad de Simone, la mano derecha de la reina, que empieza a trastocarse por el simple hecho de gestionar el poder desde un punto de vista individualista y subjetivo. Aplicando en ocasiones un determinismo de género que opera más desde la revancha personal con el género opuesto que cómo una forma de hacer que la sociedad sea más igualitaria. Los vértices de esta idea de ese “cuento de hadas mucho más que feminista” se desliza hacia una crítica feroz y muy acertada del heteropatriarcado. Retratado como un impulso regulador crudo y cruel hacia la mitad de la población. Pero también hacia ciertas visiones de ciertas visiones del feminismo personalistas.

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La idea final del relato y el contexto planteado hace que me plantee una pregunta, ¿no puede la forma ayudar a desdibujar el fondo del texto? Es evidente que la obra juega sin ambages y lo que normalmente aparece como subtexto aquí está en primer plano, sin ningún tipo de recurso narrativo para poder llegar al público. Pero lo que principalmente llama la atención es que el discurso político funciona a la perfección con el cuento de hadas, como si fueran uno. Siendo ese el aspecto más brillante de este trabajo.

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Costumbrismo de hoy día

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Momento móvil (Marlene Krause). Apa-Apa Cómics, 2019. Rústica, 72 págs. Color, 15 €

Marlene Krause nos plantea nueve relatos sobre un nuevo costumbrismo, que si bien orgánicamente tiene que ver con lo que hasta ahora hemos reconocido bajo ese término hasta ahora; propone una serie de nuevos temas de actualidad. El costumbrismo, muchas veces malentendido como una forma de conservadurismo aliado con cierta idea retrograda de sociedad. Quizás sin entender que esta forma de entender el relato social pasa por tratar los temas del presente en contextos sociales contemporáneos,

Además, en Momento móvil  nos encontramos como esos nuevos temas del costumbrismo están rodeados de cierto realismo mágico que ayudan a que el tratamiento, incluso de los aspectos más crudos, sea más tierno. Los temas planteados por la autora pasan por los niños transgénero, familias a punto de ser desahuciadas, mujeres de la tercera edad que exigen ser escuchadas o la conciencia animalista. De entre todos los relatos destacan los dos últimos: “Señor Ramón & Señorita Evelin”, en el que se narra el trayecto de un hombre en silla de ruedas y su cuidadora por toda la ciudad y el primero le habla del pasado de la urbe a la segunda, y “Comes Tible” en el que un ser animalizado y su cría se encuentran un móvil que asusta a su primitivismo.

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De Momento móvil me quedo con la frescura que se plantean temas complejos, la sencillez con la que se han creado unos personajes entrañables y la capacidad de la autora de desarrollar relatos cortos complejos. Sin dejar de lado un dibujo feista que tiene en sus orígenes la estética del trazo de la ilustración destinado a publicaciones infantiles, pero que la autora dota de cierta madurez. Una de esas lecturas recomendables al 100% que conviene ir releyendo a ratos, tranquilamente, esperando que alguno de los personajes nos saque una sonrisa.

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Excusatio non petita…(2)

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Como trate de ser una buena persona (Ulli Lust). La Cúpula, 2019. Rústica, 372 págs. Bicolor, 31€

En muchas de las entradas de este blog se han glosado las bondades del cómic como un medio perfecto para los géneros autobiográficos. Desde el slice of life a la biografía pura y dura la narración grafica aporta una serie de recursos y elementos que favorecen este tipo de relatos. Desde la plasmación de la psique de los personajes a mostrar una relación no figurativa con el entorno y el contexto. Como ya se ha comentado en otras ocasiones, el peligro es caer en la propia hagiografía y en la justificación de los actos de los personajes, que al fin y al cabo no dejan de ser los propios autores.

Posiblemente ese sea el único defecto de este trabajo de Ulli Lust, el buscar justificar sus acciones y sus errores. Esta autobiografía, por otro lado impecable, nos presenta a la propia autora en su juventud. Una mujer joven que intenta progresar a nivel profesional en el mundo de la ilustración de cuentos para niños, con un crio que vive con su abuela y con una relación a dos bandas consensuada por todos. La autora se presenta como una persona independiente que en cierta medida es incapaz de asumir sus errores y no hace más que seguir para adelante en vez de tomar decisiones. Al fin y al cabo la autorrepresentación tiene eso, el poder imaginarse o reinventarse en la ficción tal cual a uno le interese. En ese sentido como lector he tenido la misma sensación que  en Pagando por ello de Chester Brown, una especie de gran excusa expuesta para el lector. En ocasiones encuentro que es una lectura más cercana a la justificación que a la narración de hechos.

Pero al igual que cuando hable de esa obra debemos de distinguir la forma del fondo. Como trate de ser una buena persona revela las grandes dotes de la autora para la narración. Es un texto impecable tanto en el planteamiento visual como en el discursivo. Ella misma se construye como un personaje interesante y caprichoso incapaz de abordar y cerrar ninguno de los frentes que tiene abierto. En primer lugar el trabajo, no prospera como artista y no quiere trabajar para mantener su situación económica. Por otro lado su hijo, vive con la abuela lejos de Viena pero no afronta la posibilidad de que vaya a vivir con ella.

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Por último las relaciones sentimentales, en este caso la columna vertebral de la trama. Por un lado tiene a Georg un hombre más preocupado con el hecho de cagarla con las mujeres que en satisfacerlas a cualquier nivel, y por otro Kim, un hombre de origen nigeriano que vive de manera irregular en el país, que le proporciona todo el placer sexual que ella desea. Se trata de un triángulo amoroso consentido, pero a través del cual empezamos a ver unos cuantos tics sobre la representación de la inmigración en la Europa profunda. Empezando por lo que se ha denominado, por parte de las ideología neoliberales y conservadoras como buenismo. El aceptar intrínsecamente que todo el mundo es bueno y que está libre de “pecado” vs una idea de que todo lo foráneo es malo. El personaje y su entorno se suscriben bajo la primera idea y se representa al resto de la sociedad austriaca bajo el segundo paradigma.

En resumen, Como trate de ser una buena persona puede ser uno de las autobiografías más intensas de los últimos años, posiblemente por la intención de la autora de no distanciarse del personaje ficcionalizado de sí misma. Directa, cruda, y excesiva en los detalles, pero una obra impecable en la forma y con un contenido que abre debates muy interesantes.

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El Shojo de otra manera

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Laura Dean me ha vuelto a dejar (Mariko Tamaki y Rosemary Valero-O’Connell). La Cúpula, 2019. Rústica, 304 págs. Bicolor, 29,50€.

El ejercicio que muchas autoras están haciendo en la actualidad de reflejar entornos sociales poblados casi exclusivamente por mujeres es tremendamente refrescante. Si, suena a frase hecha, pero es una realidad que está atrayendo no solo a nuevas lectoras por la forma de contar las cosas, y por ser capaces de mostrar situaciones que estas lectoras pueden entender como muy próximas a su realidad. El caso de Laura Dean me ha vuelto a dejar de Mariko Tamaki y Rosemary Valero-O’Connell ejemplifica como ningún otro título esta nueva tendencia que cada vez gana más adeptos.

Lejos de lo pretencioso trazan una idea de mundo que está muy lejos de lo que estamos acostumbrados a ver en textos mediáticos, pero que recogen influencias de estos. La base del relato es un shojo de libro, tanto por la composición de layout, a veces más canónico y otras un tanto hetereo y fugaz, pero siempre respetando los límites de la viñeta, algo que no deja de ser una occidentalización de la estructura de la página. Por otro lado, está el tema, los amores tóxicos e imposibles. Posiblemente en un shojo canónico el conseguir ese amor imposible se represente como una gran meta a lograr. Aquí es el gran tema, la superación de este tipo de relaciones que no conducen a ningún sitio sino a la propia infelicidad.

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En último lugar está la trama que se apoya tanto en el aspecto gráfico de la obra como en el tema como dos pilares que la sustenta de manera impecable. La historia de Laura Dean me ha vuelto a dejar es la de Freddy Riley, una chica que está muy enamorada de Laura Dean, que pasa por ser la más popular del instituto. Tal es la seguridad de esta que no duda en traicionar sentimentalmente a Freddy una y otra vez, con la capacidad de chantajearla para que sigan la relación una y otra vez como si no pasara nada. Freddy es la comparsa de Laura, siempre tiene que estar cuando se la requiere. Esto que podría parecer un relato ñoño de amoríos que no llegan a ningún lado se convierte en una profunda reflexión sobre el amor líquido que se impone en nuestros tiempos: poliamor, amor fraternal o las amistades. Todo como un sustituto de aquel amor binario que siempre ha vendido este tipo de relatos.

Laura Dean me ha vuelto a dejar juega principalmente a plantear una historia de amor con la vida y con los que te rodean más que esa falsa idea de la media naranja, también deja de lado la idea del romance heterosexual como modelo ideal. La normalidad con la que se plantea la relación entre dos mujeres es apabullante. Tanto que ha dejado de lado el cómic de temática gay a un lado, que lo sigue siendo, para aspirar a llegar al gran público sin demasiados aspavientos, pero con un relato sólido muy recomendable. Mariko Tamaki y Rosemary Valero-O’Connell crean uno de los relatos que dentro de unos años será considerado como un clásico de esta década, que a día de hoy es imprescindible.

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