Spain is Pain #346: Objetivo Hedy Lamarr de Ángel Muñoz, Ricardo Vilbor y Abel Pajares

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Objetivo Hedy Lamarr (Ángel Muñoz, Ricardo Vilbor y Abel Pajares). Grafito Editorial, 2019. Rústica, 104 págs. Color, 16€.

Desde hace algún tiempo existe un afán de recuperación de aquellos investigadores anónimos que en el pasado desarrollaron, y en muchas ocasiones patentaron, inventos que pasaron desapercibidos o que tuvieron relevancia décadas después. Habitualmente en esta labor de recuperación nos encontramos a muchas mujeres que en el pasado fueron silenciadas o que simplemente se les robo su invento o descubrimiento. Luego hay casos que van más allá de los prototipos habituales de investigadoras o inventoras que son reconocidas por una faceta de su vida, pero que cuesta reconocerles otras. Ese es el caso de Hedy Lamarr, gran estrella del Hollywood clásico que desarrollo un sistema para el control de torpedos que cambiaría el destino de la II Guerra Mundial y que sentaría las bases científicas del Wifi.

Los autores de Objetivo Hedy Lamarr optan por hablar de la actriz/inventora no desde el clásico relato en el que se narra la vida y milagros de la misma, sino desde una ficción creada en torno a sus dos vertientes personales. Para ello inciden es aspectos reales de su vida, por un lado, la actriz, la gran estrella de Hollywood que se encuentra filmando una escena de Sanson y Dalila, y nos narra los orígenes profesionales de ella en la Alemania nazi. En mitad de ese rodaje un extra intenta asesinarla. Ahí comienza la ficción en la que se inserta la realidad de Lamarr, representada por el sistema de comunicación de los torpedos desarrollado por la actriz, como leitmotiv que mueve el relato de ficción, en el que unos insfiltrados alemanes desean hacerse con los planos del invento. Lamarr, George Antheil y la agente Smith, protectora de la actriz, intenta huir del estudio y recuperar los planos que están en casa de George.

El relato es una huida hacia delante una historia que camina a medio camino entre la novela negra y de acción. Pero es también, en el aspecto visual un viaje nostálgico a ese mágico mundo del cine de finales de los años cuarenta. En ese sentido estamos ante un cómic muy atractivo, en cuanto al dibujo de Angel Muñoz, limpio, ágil y dinámico es uno de los mayores atractivos del volumen.  Pero no debemos olvidar la doble vida de Lamarr, eso se traslada a este cómic, por un lado, está esa ficción pura y dura enfocada hacia el relato lúdico, pero por otro nos encontramos al personaje real y y subiografia personal. Resumiendo, un tebeo que cumple dos funciones, la primera didáctica, el reconocer la historia desde otros puntos de vista, y la segunda entretener. Y en ambos casos funciona a la perfección.

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Mujeres entre el tumulto

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Intimidades (Leela Corman). La Cúpula, 2018. Rústica, 216 págs. B/N, 18,50€

En estos tiempos de guerras culturales, de enfrentamientos dialectos entre las formas de entender la vida corremos el riesgo de que el discurso simplificador gane la batalla. La representación de un mundo corriente y moliente, sin complicaciones y con respuestas fáciles a problemas complejos parece que seduce a gran parte de la población. Quizás no se trate, pero si, de una idea de mundo dividido entre ideologías de derecha o izquierda sino a algo que apela a la sencillez de la vida en el pasado. La educación, la posición de la mujer en nuestra sociedad, la reacción que debemos tener ante los y lo que viene de fuera son los grandes campos de batalla. A eso hay que sumarle el fin de la relación binaria hombre/mujer y el amplio abanico de posicionamientos ante el concepto de orientación sexual. Se trata pues de un conflicto que versa entorno a la definición y la indefinición.

Ese gran campo de batalla ya ha traspasado a los medios de comunicación de masas preinternet, pero que lleva dilucidándose en el último lustro en redes sociales. Por su lado la cultura ha seguido incorporando una miríada de puntos de vista sobre la concepción del mundo contemporáneo y arrojando luz sobre épocas pasadas. Todo para ayudarnos a ver que nada de lo que pasa a día de hoy no pasa por que sí, que la ingeniería social no es cuestión del destino ni del azar. Se trata de planteamientos que muchas veces pasan un filtro ideológico que nos sirve para apreciar el mundo desde cierta perspectiva. Pero ¿podemos plantear un discurso feminista y de genero sin utilizar el aparataje teórico de los mismos para hablar de la posición en la sociedad a nivel histórico?, a día de hoy, con todo el espectro mediático ideologizado en un sentido u otro, parece que no.

Posiblemente el planteamiento de Leela Corman en Intimidades pasa por ahí, con un método sencillo y simple, al alcance de todos: mostrar la realidad para que hable por sí misma. En este trabajo la autora nos habla de dos hermanas del Lower East Side neoyorquino en los años 10 del siglo XX. Dos niñas que se convertirán en dos mujeres opuestas, dicha construcción se debe a las mediadoras de su mundo (madre y mujeres que les dan trabajo). La madre castradora de ambas quiere que solo sean dos mujeres de su casa sin que respiren libertad, y pasar de ser una propiedad de los padres y luego de su marido.

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8Por su lado Fanya trabajará desde niña con una mujer que ayuda a otras a abortar de manera clandestina, esta es vista por la gente que la conoce como una bruja. Sin embargo, su labor va mucho más allá de la interrupción del embarazo, hace de planificadora familiar y repartir profilácticos y panfletos a mujeres jóvenes. Su visión del mundo es la de una mujer que quiere evitar la esclavitud del matrimonio y la maternidad a otras mujeres. Eso le provoca un rechazo hacia toda mujer que decida emprender un modo de vida diferente a ella.  Por su lado Esther empieza a trabajar como niña de los recados en un teatro-burdel, esta acabará siendo tanto prostituta como estrella del local para convertirse en estrella del teatro de variedades de la ciudad.

Tanto la madre, como la comadrona y la madame son unas gatekeepers del mundo para esas niñas, que con la edad toman caminos diferentes, convierten, no solo su intelecto sino también su cuerpo, como un campo de batalla una se opone al matrimonio y a tener hijos, y otra se gana su independencia como individuo con su cuerpo sin involucrarse emocionalmente. Ideología versus praxis. A parte de todos esos elementos centrados en las dos hermanas, Leela Corman nos plantea un discurso vivo; el lenguaje, la ciudad, las personas que lo habitan, los tumultos son tan protagonistas como Esther y Fanya, no ahogan el tema principal, pero hacen que la lectura sea muy viva. En ese sentido la construcción de los planos visuales es brillante; Corman tiene la habilidad de focalizar en los personajes sin perder de vista el fondo, los secundarios y, como se diría en el cine, los extras. Retomando la idea de inicio da la sensación que es posible hablar de la situación de la mujer, aquí a través del pasado, sin entrar en cuestiones ideológicas, sino hablando de tú a tú, exponiendo, mostrando, dándole valor a aspectos de la realidad pasada y presente dejando que el lector lea entre líneas, y sin el “entre”. Intimidades es un cómic que enamora, con dos protagonistas increíbles y con un contexto perfectamente definido.

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Spain is Pain #345: viñetas que surgen de las rimas

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Asonancias (Gabri Molist). Apa Apa Cómics, 2018. Grapa, 28 págs. 3 tintas, 7 €.

La relación entre la poesía y las posibles adaptaciones a otros medios de esta es compleja. La rima que se puede mover desde un referencialismo puro al dibujo de ideas abstractas puede tener muy poco al que agarrarse para aquellos que deseen trasladar algunas de estas obras con un sentido visual figurativo. Entonces la “solución” pasa, al menos en el cómic, por reconfigurar la palabra en imágenes y la estructura métrica en jugar no solo con el dibujo sino también con la estructuración de las viñetas. Estas pueden ser rígidas o flexibles, la viñeta en blanco pierde su sentido narrativo, pero puede ser un signo de puntuación o un mero respiro para seguir leyendo.

En Asonancias Gabri Molist, escoge poemas de Bécquer, Harryette Mullen, Julio Cortazar, Robert Frost o Clark Coolidge para establecer un dialogo no tanto con los textos en cuestión sino las formas de comunicar, de narrar o de hacer sentir de la poesía con las herramientas de creación del cómic. Para ello, aparte de las viñetas ya citadas y darle un protagonismo que emula la sinuosa estructura de la poesía escrita. Molist opta por darle importancia a la figura no concreta y al ser humano. En la interacción entre ambos surge una idea, la esencia del poema. Una cierta idea de sinestesia visual que intenta evitar la palabra a toda costa.

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Como idea transversal de Asonancias encontramos la transversalidad de lo abstracto reconocible, un texto que por sí mismo es anarrativo pero que tiene que leerse desde el layout de viñetas hasta la letra impresa, pasando por las formas de lo abstracto planteado como un elemento conector entre lo no textual y lo sugerido. La apuesta de Molist es un cómic complejo que invita a la contemplación y meditación sobre la página. Pero también es una obra alejada del cómic experimental contemporáneo, busca la ligazón con una obra original y la traslación provoca un anclaje directo que la interpretación de cada uno de nosotros dependa más del background cultural que de la libre interpretación que haga este.

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La bruma

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Harvest Breed (George Pratt). ECC, 2018. Cartoné, 96 págs. Color, 16,95 €

Los que seguimos a un personaje de ficción durante periodos muy largos de tiempo conocemos los recursos por los que este se mueve en las colecciones regulares, los tipos de personajes que aparecerán, más o menos como se desarrollaran las tramas y casi podemos predecir como finalizaran. No es que sean previsibles, su función sigue siendo la de los relatos pulp por entregas, crear un texto de entretenimiento que mantenga el interés de entrega a entrega, y ahí posiblemente encontremos algo más que eso, un arco narrativo que nos marque como lectores, que sea significativo o en el que los autores hayan decidido innovar y crear algo que traspase la mera disciplina de la mensualidad.

Pero con el tiempo nos gusta navegar en la bruma, ver a esos personajes más desdibujados, menos coherentes, más contundentes o rompiendo los cánones impuestos. Coger a un personaje como Batman, reconvertirlo en lo que el autor quiera y lanzarlo al lector no deja de ser una especie de investigación por parte del autor sobre ese mundo ficcional y el motor que mueve al personaje. Esa bruma que son este tipo de trabajos la reconvierte George Pratt en bruma real, Batman está en una Gotham más que oscura borrosa y tosca, en la que el personaje desconfía de todo el mundo más que nunca y su vertiente como investigador deja lo físico para convertirse en algo instintivo. Algo que Pratt lo lleva a lo sinestésico.

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El caso investigando por este Batman, cuasi escuálido, es macabro como pocos, nada que ver con lo rimbombante de los villanos gothamitas de turno. Se vuelve a repetir los mismos asesinatos rituales seis años después en los que una cruz debe de ser formada a base de la localización donde se encuentra a los cadáveres. Todo se tornará oscuro, y el origen está anclado en el pasado de una familia en la que la desgracia de la hija es el poder de su mente. Este no es el Batman de siempre, ni mucho menos, pero si es una exploración del personaje y de la ciudad única. Tanto por la redefinición de ambos aspectos como por el tratamiento pictórico que recuerda a William Turner por su forma de crear espacios sugeridos a través de la niebla. Esa indefinición que nos permite profundizar en la psicología de los personajes, que llena el espacio pero que busca que hurguemos en ellos, pero que por encima de todo nos pasma a cada página. Un Batman diferente que puede sorprender a los lectores de toda la vida y para los que no lo son les sirve para comprobar que el cómic de superhéroes puede ser un lugar interesante para perderse.

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Spain is Pain #344: Those Ladies in Old-fashioned Movies

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Divas de Diván (Carmen Pacheco y Laura Pacheco). Astiberri/¡Caramba!, 2018. Cartoné, 128 págs. Color, 20€.

El prototipo de señora estupenda, elegante, con saber estar, pero que en ocasiones puede ser despectiva con su interlocutor se está perdiendo. Sí, es cierto que estamos hablando de un estereotipo de clase y ficcional. Pero por un lado lo chonesco va ganando terreno en los medios como nuevo paradigma de lo femenino y el saber estar (sic) frente a la idea de la clásica señora, pero como un concepto de clase inalcanzable y que a día de hoy puede resultar hasta antipático. De manera que esa idea de diva se tiene que reescribir desde el pasado, con las grandes cantantes, actrices, personajes de ficción, que resplandecían en la gran pantalla.

Pero eso pasa y solo queda el estereotipo, Divas de Diván de las hermanas Pacheco recoge todos los elementos a partir de los cuales reconocemos a esas divas, en este caso reconvertidas en señoras adineradas, con mucho tiempo libre y pocas ganas de trabajar, pero con muchas de lucirse y vivir el drama. Para ello hacen un recorrido histórico al concepto; en primer lugar, hacen un desglose por temas trabajo, ocio, drama, hombres, moda y belleza, y a partir de ahí la representación de situaciones que tienen lugar en diferentes imaginarios; la Inglaterra victoriana, del cine mudo, años 20, la femme fatale del cine negro, de los años 60, y una adaptación de estas a las redes sociales.

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El volumen juega principalmente con la idea de jugar con el símbolo y el icono, aquellos elementos que representan a estas damas, ya sean objetos o las formas, a partir de estos se crean los gags. También a partir de las personalidades de ellas, altivas clasistas, pero también ignorantes y desconocedoras del mundo, al menos de la realidad, ya que su mundo lo conocen a la perfección. Como ejercicio de humor es muy fino y elegante, tanto que levanta una sonrisa a cada página, el humor tampoco puede vivir exclusivamente de la risotada o carcajada. A todo eso hay que sumarle una cuidada edición, una de las mejores de los últimos años.

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El manifiesto picapiedrista

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Los Picapiedra. Integral (Mark Russell y Steve Pugh). ECC, 2018. Cartoné, 320 págs. Color, 30,50€

Las producciones de Hannah-Barbera tenían la capacidad de hablar en tiempo presente de la sociedad americana, sobre todo en aquellas series en las que las familias eran las protagonistas, y la comedia era el vehículo de transmisión. De ahí que Los picapiedra, la conocida como primera familia de la animación americana estuviese tantos años en antena, concretamente de 1960 a 1966 en la ABC. Siete años reimaginando los sesenta en una edad de piedra dulcificada convertida en una alegoría del consumismo feliz de aquel periodo. A parte de lo entrañable de la serie, de lo icónico de los personajes y lo divertido de las tramas, la serie enseñaba las bases del consumismo y la cultura familiar americana a los jóvenes.

Las subsiguientes series, spinófs actualizaciones, etc. y las dos películas de imagen real que se produjeron, no eran más que explotaciones icónicas o celebraciones de la serie original, pero ninguna conseguía realmente adaptar a los tiempos modernos la serie original. De ahí que el trabajo de Mark Russell y Steve Pugh se realmente tan importante y relevante. Por lo general a pesar de que me encantan estas reescrituras de las series de los sesenta por lo general son todas decepcionantes, beben de los orígenes y la narrativa gira en torno a hacer guiños a los lectores de cierta edad. En esta serie limitada de 12 número pasa todo lo contrario. Los alegres Pedro y Pablo son dos trabajadores de clase media baja a los cuales les ha llegado el momento de replantearse la vida que están viviendo, pero no solo eso, si el sistema es tan justo como parece y el sistema de valores es el adecuado para los respectivos hijos que están criando.

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Si bien el consumismo desmedido era la pauta a seguir los autores de esta reactualización hacen una apuesta por cuestionarlo, pero no como tal. Ese rechazo pasa más por ser una reivindicación animalista que un cese del consumo puro y duro. La parte todo, en ese sentido resulta brillante, los animales como objetos que representan el desmedido abuso de la humanidad en el uso desnaturalizado y masivo de los recursos naturales de la tierra. Pero tiene dos líneas narrativas transversales más, la primera es la laboral, el señor Rajuela es un tipo despiadado, ya en la primera entrega no duda en tratar como cosas a unos homínidos menos evolucionados, estos, perdiendo a uno de sus amigos, se dan cuenta que los bienes materiales no merecen la pena. Junto a esta línea está la política, de ahí consecuencias como las guerras que se hacen para acallar a la opinión pública, y la televisión como un modificador de tendencias ideológicas.

La segunda línea narrativa viene dada por la diatriba ciencia-religión, el primer extremo está protagonizado por un sosias de Carl Sagan que intenta explicar el mundo a través de la ciencia, o mejor dicho de una forma de ver la ciencia. Aunque lo intenta no acaba de explicar toda la existencia. En esta línea, lo más interesante está en la otra punta la religión cambia todo el día de normas y de ritos, el nombre del dios no es fijo, también cambia de manera repetitiva. Los encargados de dicha iglesia, como dos profesionales del marketing buscan la manera de atraer a más gente a su centro. El capítulo más interesante de esta temática tiene que ver con la unión entre personas, siendo el matrimonio representado como una opción minoritaria y nueva frente al libre albedrio. Pero esos no son los únicos temas tratados: la banalización del arte, la gentrificación, la independencia de la mujer, la xenofobia o la homosexualidad son tratados en toda su complejidad.

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¿Qué es pues, Los picapiedra de Mark Russell y Steve Pugh? Pues posiblemente el cómic político de 2018. Capaz de coger los elementos de una serie reconocida por todos los lectores de una generación, subvertirlos completamente y hacer que se mantengan la esencia de los mismos. Dicha reconversión pasa por esa crítica a todo el sistema y no solo eso, sino plantearnos nuestra existencia como especie y como afecta al planeta, dejando de lado el típico humanismo cristiano para llegar a la medula de la cuestión el animalismo y la posesión de objetos como dos claves para entender el mundo de manera diametralmente opuesta. En todo caso cabe destacar la valentía de los dos autores a la hora de hacer este planteamiento desde una de las dos grandes editoriales, los revolucionarios tienen que hablar el mismo lenguaje que el pueblo con los mismos dejes y eso es lo que hacen Mark Russell y Steve Pugh con maestría, sin hacer alardes y siendo sinceros.

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Las apariencias engañan

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La isla de las pesadillas (Hideshi Hino) La Cúpula, 2018. Rústica, 204 pags. B/N, 10,50€

Tanto Junji Ito, como Suehiro Maruo o Hideshi Hino basan el concepto de su terror, el de los tres es muy personal y único, en crear ciertas expectativas sobre los personajes a través de las apariencias con la que juega en un primer momento del relato. Cada uno de ellos tiene una serie de personajes arquetípicos, dentro los prototipos personajes nipones y su medida estructura. Lo que diferencia a Hino por encima de los otros dos autores es la visceralidad y lo poético de su trabajo. El dibujo tiene cierta tendencia infantiloide que nos remite a horrores mucho más primitivos, en el que cierta idea poética que ronda todo su trabajo se somete a lo enfermizo en esa relación entre el asco y ese dibujo, en ocasiones, dulce.

La isla de las pesadillas juega principalmente con las dobles apariencias en contextos reconocibles. En “Nuestro querido profesor” nos encontramos con un profesor con un aspecto afable muy querido por lo alumnos, este esconde un secreto que nace en su adolescencia cuando por accidente se come un insecto y empieza a superar su debilidad, a partir de ahí desarrolla una dieta a base de animales vivos y muertos. “Hola señor siluro” otra vez el protagonista es un niño débil que se ve poseído por un dios siluro de su pueblo que le dota de fuerza. En “La niña de los cuentos” la chiquilla en cuestión tiene una apariencia dulce y desprotegida, pero esconde una personalidad perversa que se dedica a espantar con falsos relatos sobre su pueblo a un visitante. “La isla de las pesadillas” es una especie de parábola sobre la sociedad moderna, un náufrago llega a una isla sin recordar quien es, cuando intenta sobrevivir se da cuenta que allí habitan unas bestias antediluvianas que se devoran unas a otras, en cierto momento encuentra un muro al que los habitantes no le dejan traspasar. Estos se deshacen de sus despojos, de bebes deformes y de las personas mayores de las que se alimentan las bestias del exterior. Cuando consigue entrar se da cuenta de que es una sociedad civilizada. En “Sudor frio” un samurái sediento llega a un pueblo y tras la burla de un aldeano decide utilizar su katana con los campesinos. “El cazador” rememora la idea del cazador cazado, un tipo va por una zona nevada y aislada en busca de una presa solo por el placer de abatirlo, pero pierde el conocimiento. Cuando despierta se encuentra a un anciano que lo ha rescatado del frio invernal, este con cara afable y con una gran colección de presas disecadas, pero esa no es su mayor colección sino una de la que el cazador espera no formar. El volumen se cierra con “La sirena” en la que un señor encarga a su súbdito que le traiga una sirena, este se pasa años, cuando vuelve, este explica su historia, pero la sirena no está en la jaula que este ha portado.

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Hideshi Hino plantea esa idea de los dobles matices, historias divididas en dos partes en las que la resolución viene a contravenir en la primera. Las expectativas que nos hemos planteado en las primeras páginas de cada relato no van a tener la resolución que esperamos, se trata de un juego en el que lo macabro, lo extraño y lo bizarro vienen a deshacer ese manido dicho de ‘la primera impresión es lo que cuenta’ en ninguno de los cuentos es realmente así. Existe, aunque de manera más atenuada, esa manera de mostrar la putrefacción del ser humano a través de malformaciones físicas o del alma. La isla de las pesadillas es, también, una colección sobre lo perverso ligado a lo tradicional, a los entornos pequeños y a aquello que no ha sido domesticado por la civilización. Es pues, una obra imprescindible, como todas las suyas, para entender el horror nipón contemporáneo.

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