Jack Kirby – Centenario (VVAA)

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Jack Kirby – Centenario (VVAA). ECC, 2018. Cartoné, 192 págs. Color,19,50 €

Jack Kirby pasa por ser uno de los padres del cómic de superhéroes contemporáneo, seguramente el más importante de todos dentro de este género. Algunos de los lectores de este medio, sobre todo Marvelitas, gritarán “¡Excelsior!!” con los brazos extendidos al cielo pensado en el omnipresente Stan Lee. Sin faltarle el respeto al hombre que levanto Marvel a nivel mercadotécnico la influencia de Kirby es mucho más amplia y transversal. No solo es reconocido por los lectores del cómic superheroico, sino que también por lectores y creadores de todo tipo de cómic. Y es que su relato autoral pasa por cierta reformulación estética y de lenguaje que pasa por la pura experimentación. Algo raro en un tipo de publicación básicamente mainstream.

Este volumen recopila una serie de homenajes que tvuieron lugar a lo largo de 2017 por el centenario del nacimiento del genio en forma de especiales. Todos centrados en las creaciones del mejor Kirby: Los nuevos dioses, El cuarto Mundo, The Demon, Mr. Milagro, su visión de Sandman y de Manhunter. Homenaje que se centra en los tópicos del autor neoyorquino, narrativas épicas y dramáticas y una composición de página épica, atrevida y grandilocuente, lo necesario para que el lector se pierda entre los dibujos. Los autores que participan en estos especiales son al guion: Dan Jurgens, Dan DiDio, Howard Chaykin, Keith Giffen, Mark Evanier, Mark Buckingham, Paul Levitz, Reginald Hudlin, Sam Humphries, Shane Davis, Steve Orlando y Walter Simonson encargándose de los lápices: Denys Cowan, Howard Chaykin, Jon Bogdanove, Mark Buckingham, Michelle Delecki, Phil Hester, Rick Leonardi, Ryan Benjamin, Scott Kolins, Shane Davis, Steve Rude y Walter Simonson. Todo para hacer las delicias de los seguidores del Rey.

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Jack Kirby – Centenario es una buena oportunidad para recuperar algunos de los personajes más interesantes de la DC menos comercial y quizás la más interesante. Sirve a modo de introducción para aquellos que desconozcan gran parte del legado de Kirby todos los relatos mantienen la esencia de los personajes tanto a nivel estético como discursivo. Cierto es que los parámetros con los que Kirby creaba sus personajes y sus cómics están muy apartados de los contemporáneos, pero siempre puede ser un buen acicate para empezar a leer o releer, para los más veteranos a uno de los pocos autores que podemos denominar como imprescindibles.

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Ciudades de magos

Dorohedoro vols. 1-5 (Q-Hayashida). ECC, 2018. Rústica, 160-178 págs. c/u. B/N y color, 9,95€

El manga de principios de siglo todavía mantiene ciertos aspectos narrativos pertenecientes a la década de los noventa que pasan por cierta formulación del universo y los escenarios pasando por cierto desparpajo en los personajes propuestos, tramas que hacen crecer ese mundo de ficción de manera sostenible, a pesar de que a veces pueda parecer improvisado pero que acababa convirtiéndose en un relato mundo más coherente que muchos tebeos nipones actuales. Los noventa grosso modo planteaban un discurso divido entre el megaéxito que fue Dragon Ball, los universos megatecnológicos de Masamune Shirow, ¡comedias tipo Oh! My Godess, hasta los mangas para adolescentes salidorros de Masakazu Katsura. Éxitos a nivel nacional que fueron los primeros en romper el mercado occidental.

Lo que viene en los primeros años del siglo XXI es una especie de mixtura, todos los géneros mantienen sus pautas narrativas, pero siguen resonando el desparpajo de la década anterior, pero consolidando universos que pueden dar para largo. Eso sin olvidar cierto sentido de lo cómico dejando de lado cierta trascendencia y sin tomarse en serio así mismas. Dorohedoro de Q-Hayashida entra perfectamente en esta categoría a través de los protagonistas principales, el más importante Hole, la ciudad donde se desarrolla la acción de este título. Se trata de una metrópolis a la que van los magos a realizar su periodo de pruebas sobre los ciudadanos que la pueblan. Uno de estos es Caimán, el protagonista principal, o mejor dicho aquel que nos introduce en las mecánicas sociales de Hole.

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 Caimán es un reptil con forma humanoide que se dedica a matar a los magos con los que se encuentra, pero previamente les atrapa la cabeza para preguntarles que les ha dicho el hombre que lleva dentro, dicho procedimiento tiene como fin saber que mago le indujo a dicha forma. El primer asesinato que cometerá dará lugar a la línea narrativa de un antagonista, mago y que nos introducirá a la pléyade de magos que forman el otro grupo de protagonistas-antagonistas. Estos están encabezados por En, especializado en hongos buscaran vengarse de Caimán y conocer su origen. A Caimán le acompaña Nikaido, una exmaga que poco a poco va descubriéndose como un gran personaje aparte de llenar la panza del reptil de Gyozas.

No son solo las narrativas que rodean a los personajes lo que hacen atractivo a este manga sino las situaciones que ayudan a redondearlos: una competición de matar zombies el día de los muertos, un partido de béisbol, las incursiones de Caimán a la ciudad de los magos. Eso y un apartado gráfico apabullante que en las páginas a color resulta sencillamente rompedor. Dorohedoro son de esos mangas que en un principio pasan desapercibidos, el tárget no está muy claro, para lectores de manga de primera hornada o para los más jóvenes? Una vez superado ese escollo se convierte en una lectura muy gratificante y divertida.

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Wonder Woman. El feminismo como poder (Elisa McCausland)

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Wonder Woman. El feminismo como poder (Elisa McCausland, con ilustraciones de Natacha Bustos y Carla Berrocal). Errata Naturae, 2017. Rústica, 256 págs. 19 €.

Wonder Woman es la superheroína, incluyendo sus compañeros de profesión hombre, más compleja que existe en la actualidad. Casi se podría decir, también, de cualquiera de sus compañeras. No solo por el personaje en sí mismo, su origen, la mitología que la rodea en la ficción sino por los orígenes a nivel creativo. Esta nace como un elemento disruptivo que a pesar de las similitudes con los superhéroes de la época tiene un trasfondo que va mucho más allá del mero entretenimiento de masas. William Moulton Marston, creador de la amazona introduce una serie de variantes no solo en la ficticio sino en la publicación en sí misma. Pero sin perder nunca el tipo de producto cultural y a quien va destinado. Wonder Woman es desde sus inicios una mujer que se mueve por valores personales que van mucho más allá de la vendetta personal en la que se ven sumergidos otro tipo de héroes con o sin superpoderes.

En Wonder Woman. El feminismo como poder Elisa McCausland nos muestra como este personaje tiene un carácter excepcional que va mucho más allá del icono que empieza con unos valores asociados al feminismo, para convertirse en un personaje que en su periodo de recisión pierde esos valores políticos, para pasar a convertirse en una representante del feminismo de celebrities para recientemente recuperar esa ideología como parte constituyente de ella misma. La pregunta es cómo compatibilizar eso tanto para las masas como para las supuestas élites culturales o para el feminismo más canónico a través de un personaje para el cual de un físico notablemente atractivo.

El discurso de los cuerpos se ha convertido en una batalla sobre la representación de la mujer en el ámbito del cómic. Wonder Woman se encuentra en ese sentido en medio del debato, casi por definición las amazonas son mujeres con un cuerpo rotundo mantener ese equilibrio, entre ese físico y la validez del discurso feminista y la validación del personaje. En eso entra cierta tradición del BDSM ligado al personaje, las transformaciones del traje y poner la personalidad de Diana Prince por encima de cualquier atributo físico.

Esos son algunos de los elementos de trasfondo del volumen escrito por McCausland, un trabajo que elude por completo el relato anecdótico en torno al personaje centrándose en las sinergias creativas y autorales en torno a este, la vinculación del personaje de Marston con lo social ha hecho que este mutase mucho más que los superhéroes tradicionales. A Wonder Woman le ha afectado mucho más que a otros como Batman o Superman. Wonder Woman. El feminismo como poder es un recorrido a la evolución del personaje, pero no centrado en la cronología sino en la idea de una Wonder Woman transgeneracional. Siendo, sin ningún tipo de duda, el mejor estudio en castellano publicado sobre la mujer maravilla.

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Pasado/Presente

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¡Salud! (Philippe Thirault y Nadar). Astiberri, 2018. Cartoné, 120 págs. Color, 19 €

En la sinopsis de ¡Salud! se sitúa la acción en “España, 1975. Franco agoniza, pero su régimen todavía es feroz”. Las noticias que vemos en televisión, casi lo contradicen, el dictador sigue presente en nuestras vidas, no solo con los nostálgicos, adeptos al régimen, ciertos sectores de la iglesia y el ejército. Hay una base social, de personas que no ostentan ningún cargo, ni pertenecen a ningún estamento que se manifiestan en favor de Franco y en contra de la exhumación. A eso hay que sumarle partidos que se aproximan peligrosamente a los rasgos ideológicos de la dictadura, por acción u omisión; tertulianos de programas de prensa rosa con altas cuotas de audiencia defendiéndolo o medios de “información” volcados en ese ideario ultramontano.

Volviendo con el trabajo de Philippe Thirault y Nadar, y teniendo en cuenta lo comentado anteriormente podemos decir que la agonía de Franco sigue, lo que no sabemos si para él o su ideología o para los ciudadanos. ¡Salud! parte de una idea muy interesante, un extranjero, un francés concretamente, viene a la España de mediados de los años setenta, cuando se supone que el régimen está en sus últimos estertores y se cree que en la calle hay cierto hálito de libertad y que en la calle existe cierta apertura. Antoine el protagonista llega a nuestro país para montar un negocio de restauración, pero pronto se va a dar cuenta que los conceptos de libertad son muy diferentes desde donde el viene a donde llega.

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La idea de libertad aplicada a la España de ese momento se traduce como paz social, una falsa paz a una estructura social impuesta. Dicha paz social consiste en que nadie se mete donde no le llaman sino quiere tener ningún tipo de problema. Principalmente en cuestiones políticas, acciones policiales, incluso religiosas. Antoine se enfrenta a un muro cuando ve que no puede hablar de lo que quiere, algo natural en su país, pero anormal en esa España, incluso podríamos plantear si eso sucede a día de hoy. El estigma de la paz social, de no hablar de según qué temas, en este caso la Ley de Memoria Histórica, se considera una herejía que hace peligrar el atado y bien atado. Pero Antoine tampoco es un santo, si, tiene, por decirlo de alguna manera cierta conciencia política, más autoconcebida que real. Pero maltrata a su mujer, es ególatra y un tanto déspota. Dicho de otra manera, el individuo contra el sistema siempre saldrá perdiendo.

El relato profundiza en la opresión oculta aquella asumida por toda la población y que posiblemente no sea reconocida por estos como tal. Una presión que se convierte en medio, cualquiera puede ser de la secreta, agente de policía o un simple ciudadano que cree que está haciendo lo correcto. Estos últimos nos da el nivel de asimilación de lo impuesto por la dictadura. El relato brilla en lo narrativo por la concisión para explicar la situación de un país y la de una persona frente a este. Pero Philippe Thirault sabe darle profundidad al personaje y dosificar el contexto histórico en su justa medida, aunque quizás eso sea más interesante para el lector foráneo que el español. Por su lado Nadar, que en este caso se ocupa del aspecto gráfico, se distancia de su estilo de dibujo habitual profundizando en un dibujo que nos recuerda a la década de los setenta, tanto en el trazo como en el uso de colores. En definitiva, ¡Salud!  es una obra que hablando del pasado habla más de nuestro presente, fluida entretenida, y que siempre necesitara ser releída.

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Nuevas mitologías en la cabaña Roanoke

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Leñadoras 3. Todas a una (Noelle Stevenson, Shannon Watters, Kat Leyh, Carolyn Nowak, Maarta Laiho) Sapristi, 2018. Rústica, 200 págs. Color, 19,90 €

En las dos entregas anteriores de Leñadoras ya se podía advertir un giro muy interesante sobre los textos destinados, en principio a lectoras jóvenes pero transitando en el ámbito de las narrativas mainstream. Estos, creados por mujeres, con protagonistas, en su totalidad, femeninos,son, sin embargo, trabajos creados con una mentalidad a aquellos que en el pasado destinados a este nicho de mercado intentaba marcar las pautas de lo que se esperaba de la mujer en esta sociedad. Noelle Stevenson y Shannon Watters apuestas por reconfigurar esa idea para las nuevas generaciones

Eso no pasa por poner solo protagonistas femeninas, dejar de lado a los masculinos, eso nos lleva a dejar de lado las tramas románticas dependientes clásicas y centrarse en la acción del relato pura y dura. La consecuencia es redibujar el universo mitológico clásico, puro y duro, dentro de este nuevo contexto. Aquellas y aquellos que ya hayan leído las dos entregas anteriores habrán comprobado de que no se trata de una serie de aventuras en las que llevan las riendas son todo mujeres. Tras esto existe una redefinición de los monstruos clásicos, llevarlos a otro terreno añadiendoles una serie de características alejadas del canon oficial.

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Todas a una es un ejemplo de esa idea transversal que recorre esa idea; los dos arcos argumentales que componen este volumen dan un giro y pasan de la montaña al mar. Si seguimos en el mismo campamento, pero cerca hay una playa cerrada desde la que se divisa el mar. Este será el gran escenario para la introducción de dos nuevas reimaginaciones. En el primer arco son sirenas los seres fantásticos que se encuentran las chicas de la cabaña Roanoke, pero no son los seres mitológicos que nos solemos encontrar, no son bellas en un sentido canónico, aquel en el que a partir de este atributo se suponía la pureza de la persona en cuestión, ni tan solo se dedican a atraer marineros para robarles la vida. Las sirenas tienen su mundo, sus conflictos, y realmente no parecen interesadas ni lo más mínimo en los humanos. El segundo arco tiene como seres fantásticos protagonistas son una licántropa marinera, a.k.a. loba de mar, y unas selkies que tiene retenido el barco de la primera. Ambos arcos tienen en común, y ahí viene esa idea de reimaginar, la sororidad, el conflicto no se resuelve a través de la hermandad entre mujeres, lo violento se deja de lado en favor de buscar soluciones compartidas.

El tercer volumen de Leñadoras confirma el buen estado de forma de esta colección, que como ya se comentó en entradas anteriores, recupera la idea de aventura clásica pero cambiando algunos filtros. No solo el cambio de género de los protagonistas sino el cambiar el filtro de la extrañeza por el de proximidad. Eso provoca en el lector una riqueza en la mirada de aquello que nos es ajeno, aquí los monstruos, seres mitológicos y mundos paralelos. Esa proximidad junto con la sororidad como método para solucionar los diferentes conflictos hace de este cómic único, de ahí la amplitud de miras en cuanto a la audiencia deseada. En resumen, una lectura perfecta para el verano, que tendremos que esperar para leer más aventuras, la buena noticia es que ya queda menos para el cuarto volumen.

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 Spain is Pain #332: Paranoidland (Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García)

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Paranoidland (Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García) Underbrain y La Cúpula, 2018. Rústica, 240 págs. B/N, 19,90€

Quizás hablar de los fanzines como un medio en el cual se forma una cantera para los que serán futuros autores, y también editores, es algo trasnochado. Si, también valen para eso para foguearse, para medirse con cierta regularidad, tener un contacto más directo con un público más amplio. Pero el fanzine debe de entenderse como un medio en sí mismo, que se circunscribe dentro de un periodo temporal, una estética, cierta perspectiva ideológica o conceptual, no debe existir ese compromiso de convertirse en pro ni de salir del medio.

Es decir, el fanzine como un tipo de publicación que se mueve entre dos aguas no solo como medio sino algunas publicaciones que se encuentran en esa intersección. Paranoidland representa a la perfección esa bipolaridad del fanzine. Publicación ganadora del premio al mejor fanzine en Ficomic 2017 nos recuerda a esa idea de la publicación amateur, aunque ya no tanto, que nos lleva a las revistas que nacieron en la década de los 70 que fueron desapareciendo a lo largo de los 80. Alejados de la idea del ‘zine por postureo y proponiendo relatos por entregas con una periodicidad preestablecida.

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Los autores que llevan a cabo este trabajo en Paranoidland son Bouman, Fran Fernández, Joaquín Guirao, Miguel Martínez y Nacho García, algunos más conocidos que otros como es el caso de Guirao y Nacho García en otros autores muy competentes, muy por encima de la media que nos solemos encontrar en estas publicaciones. Cuatro son los títulos que copan las páginas de esta publicación aparte de las colaboraciones de otros tantos autores que participan con relatos de una o dos páginas. Fran Fernández nos trae Komando: Nucleo Accumbens un relato SF que nos recuerda a las mejores películas de serie B de los ochenta, cierta actitud política, un experimento imposible (cuerpos dentro de cuerpos) y una venganza imposible que hará que los protagonistas encuentren sus límites a la hora de llevarla a cabo. Por su lado, Sitcom infinita de Joaquin Guirao y Nacho García, es uno de los títulos más frescos publicados en los últimos años. Juega con la referencialidad de las series de animación protagonizadas por familias más o menos disfuncionales, pero en este caso ambos autores juegan a llevar hasta el final las elecciones más jodidas tomadas por los protagonistas. En Snufftube, de Bouman, la protagonista es Erika, una niña rata, que pasa las horas viendo vídeos por Internet sin ningún tipo de filtro hasta que le pasan un vínculo donde se puede ver una película snuff de una chica desaparecida. Erika se pondrá a buscarla, con sus dotes de lurker lo que le llevará a un final poco apetecible. Para acabar, Pánico, por ByMartinez, un cuento de vidas cruzadas en la que un par de colegas buscan una bolsa de deporte de la que chorrea sangre, se intentarán meter en una secta, sus chicas se verán involucradas, etc. un clásico narrativo divertido y entretenido.

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Desde La Cúpula desde hace un par de años, y desde Underbrain, desde este, han entendido cierta necesidad de preservar y dar a conocer al gran público los fanzines premiados en Ficomic como una forma de dar a conocer a lo mejorcito del panorama underground. El caso de Paranoidland es un ejemplo paradigmático de un tipo de formato añorado, en el que cabían diferentes relatos, tenían una periodicidad y que las grandes editoriales por ahora no se atreven a reeditar (a excepción de La Resistencia). Pues eso, no tarden en incarle el diente, fanzine nacional del bueno, oiga!!!

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Explorar la extrañeza

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La única voz (Tiziano Angri). Ediciones La Cúpula, 2018. Rústica, 132 págs. B/N, 12,50 €

El cómic como medio parece un intermediario inigualable para explorar la extrañeza en la naturaleza humana. El poder detenerse tanto en las palabras escogidas por el autor así como ver con detalle la viñeta lo que esta contiene, el detalle, los gestos de los personajes y su fisonomía, los escenarios, los trazos elegidos y cualquier recurso de la narrativa gráfica se convierten en vitales para poder transmitir esa idea de los extraño y por extensión del otro. Este último se configura como una visión de lo ajeno de aquello que no somos nosotros y que muchas veces puede ser entendido como una amenaza. Lo que no comprendemos, lo distante se convierte en protagónico y por ello es, a su vez, en normal.

Eso es lo que sucede en la obra de Tiziano Angri, lo raro es lo común, o al menos es lo que está en el primer plano de la narración, y lo normal, aunque mejor sería decir lo convencional. Lo raro son los dos protagonistas Irene y Yuri, que representan ese distanciamiento entre mente y cuerpo de dos maneras diferentes. La primera nacida hombre desea ser mujer y se prostituye para conseguir el dinero para la operación de cambio de sexo. El segundo tiene una disfunción auditiva que le permite percibir sonidos y conversaciones mucho más allá de los límites humanos. Esto le otorga una conexión con el mundo que le impele a buscar una conexión a través de animales muertos.

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Las vidas de ambos están destinadas a encontrarse, pero no en el plano romántico, debemos de recordar que, en el mundo de lo extraño, lo verdaderamente bizarro, no debe moverse por las mismas fuerzas narrativas que lo convencional. Ella sigue haciendo su vida y el con su investigación. Pero en ningún momento existirá una atracción, ni física ni intelectual, no es requerida los raros adoptan la soledad como una opción política más que vital. El juego planteado con el relato se redondea con el aspecto visual, Angri retrata esa extrañeza a través de los rasgos faciales de los personajes, pero no solo de los protagonistas sino de los humanos convencionales. Ella enjuta, mostrando esa bipolaridad cuerpo/mente, el obsesionado, cabezón y con una gran frente.

La voz única es una locura en la que hay que entrar, dejarse llevar y dejarse sumergirse en dos universos unipersonales con una falsa expectativa y es ver la unión de ambos personajes. Esta no solo no se cumple, sino que al final cada uno de ellos sigue con su vida, ambos con su búsqueda dentro de la extrañeza, que en realidad oculta un anhelo de normalidad a través de entenderse a sí mismos, sus cuerpos y sus mentes. La realidad de ambos pasa por dos vértices, una la exterioridad por la que Irene busca vincular su dos partes separadas y la interioridad con la que Yuri intenta encontrar su espíritu guía. Angri logra un cómic interesante en el que es necesario empezar a leerlo sin dejarse llevar por los estereotipos que rodean a este tipo de personajes, solo ver a través de ellos.

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