Spain is Pain # 361: el tren de la bruja

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Maldita casa encantada (Artur Laperla). Sapristi Cómic, 2019. Rústica, 152 págs. Color, 17,90€

Una de las primeras experiencias subjetivas que tenemos con las ficciones tiene que ver con las atracciones de feria. Ningún niño responde de la misma manera a esa actividad lúdica, unos gritan, otros lloran, otros ríen y otros simplemente se los pasan bien. La experiencia pasa directamente por la percepción de los críos ante un texto ficcional mínimo basado en que este interactúe con los sujetos que la disfruten. Entre todas las atracciones que recorren los pueblos los días de feria hay una que tiene rasgos comunes en todas las localidades es el tren de la bruja. Una especie de minitunel del terror que consiste en un trenecito con un rail circular cuya mitad está cubierta por un túnel que suele estar ambientado todo complementado con un individuo disfrazado de bruja que va asustando a los niños con una escoba.

Cada vuelta que se da en este trayecto supone para los niños una toma de decisiones, asustarse o no, cerrar los ojos en el túnel o presenciar los horrores que en este se plasman, dejarse asustar por la bruja, protegerse de los escobazos o intentar agredir a la bruja. Todas estas elecciones deben de tomarse cada vez que el tren hace su recorrido una y otra vez. Supone una micronarrativa interactiva destinada a niños que les permite tomar una serie de decisiones sobre su propia experiencia. Maldita casa encantada de Artur Laperla juega con una serie de recursos fundamentales de los relatos de terror: fantasmas, murciélagos, posesiones, fantasmas, sectas del mal, visiones malignas del futuro… Y una misma sensación de que a cada elección que tomamos en cada relectura es como aquello que deciden hacer los niños en el tren de la bruja.

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Maldita casa encantada es un cómic que busca homenajear por un lado a las narrativas de terror universales, reconocibles por todos, y por otro los libros de “Elige tu propia aventura” de mediados de los años ochenta. Laperla lo plantea entre la cita y los lugares comunes, pero siempre con un punto de vista nostálgico. Mirar un poquito atrás para poder mirar hacia adelante y poner en pie un volumen que es capaz de gustar a los niños pero también a los más mayores. Confieso que una vez iniciadas las diferentes rutas, la lectura se vuelve compulsiva para encontrar cada uno de los 13 desenlaces, que acaban siempre con un pequeño toque cómico, pero también macabro. Pero sobre todo una sensación reconfortante, placentera; procurada por los lugares comunes del terror infantil. Un túnel de la bruja que podemos tener en nuestras estanterías y rememorar nuestra infancia cuando nos apetezca.

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Spain is Pain #360: Nuevo primitivismo postecnológico

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Una charca en la orilla del fin del mundo, 1-4 (Roberto Massó). Autoeditado, 2019. Grapa, 32 págs. c/u. Color, 24€

El planteamiento de lo misterioso en Roberto Massó pasa por la descripción de relatos distópicos en los que en cierta manera debemos aprender a mirar y a leer de otra manera. Como guionista aguanta el tipo como nadie, hace las concesiones justas al lector; las estéticas, que beben directamente del tokusatsu japonés son reubicadas en entornos visuales más próximos. En Medieval Rangers, nos aportaba una especie de historia paralela de un medievo en el que los metahumanos se mezclan, con posibles futuras incorporaciones a los Power Rangers, y con seres que son entre cadavéricos y reptiloides. Una miniatura de fantasía que funciona a modo de Codex Seraphinianus de un pasado o un futuro imposible.

En esa misma clave, y parece que emocionalmente ligada a Medieval Rangers, el último trabajo de Roberto Massó funciona en clave de descubrimiento de un futuro posible en un mundo paralelo. La separación en cuatro grapas son una especie de guía que dibuja la cartografía del nuevo  mundo; como se ha llegado a ese punto, cuales son las rutinas de los habitantes, como perciben el mundo del pasado o la manera en que se dividen las personas en ese nuevo y árido mundo. En esos matices nos muestra una especie de nuevo primitivismo postecnológico. Las antiguas tecnologías conviven con el ser humano, tanto en aquellos que mantienen cierta forma estándar, con la de aquellos que sufrieron mutaciones, las utilizan como herramientas básicas. Tanto para sobrevivir como para mantener y mostrar una jerarquía interna.

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En cuanto al aspecto gráfico se muestra la querencia del autor por contrastar formas de dibujar. Entre la sinfonía geométrica de Cadencia y el dibujo a base de trazos sencillos y bien definidos de Zona Hadal. Lo geométrico está muy presente en este título, para mostrar cuestiones abstractas que buscan más ser más sinestésicas que sugerentes, a través de la libre interpretación. El dibujo de trazo sencillo sirve para definir a los personajes y escenarios concretos que se resuelven como fundamentales para asentar las bases del primitivismo: la charca, que deben conservar para poder preservar su propia vida; las cuevas, como refugio de los menos agraciados, la propia oscuridad los esconde de su propia fealdad, los elementos naturales, como el volcán, su amenaza debe de ser descrita con concreción; o las tierras por las que vagan, y que deben de mantener como territorios propio para protegerse.

Cada nuevo título de Massó es una vuelta de tuerca a su propia obra, no encontramos ningún autor como el en el panorama internacional. Su capacidad para reutilizar cada hallazgo de una obra anterior nos parece plantear que algunos de sus trabajos están ligados por algo que va mucho más allá de la estética; sino por cierto espíritu presidido por la idea de un pasado en el que la humanidad se colapsó y dio a luz una sociedad que nace de las sobras de la anterior. La otra idea es la indagación del halo que una tecnología deslavazada que no solo ha perdido y su utilidad primaria sino que ocupa un espacio totalmente diferente en la sociedad. Como resultado, por el momento, tenemos Una charca en la orilla del fin del mundo como confluencia de su proceso creativo. Hasta la próxima entrega.

@Mr_Miquelpg

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Spain is  Pain #359: contar desde dentro

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La Divina Comedia de Oscar Wilde (Javier de Isusi). Astiberri, 2019. Cartoné, 376 págs. Color, 29€

La biografía en el noveno arte se está asentando como uno de los géneros más recurrentes para algunos autores y que más interesa a los lectores. Estos últimos quizás sean de carácter más transversal que el lector medio de cómics. A ello le ayuda el formato novela gráfica que presenta la obra cerrada sin necesidad de estar al tanto de una periodicidad reglada. Me gusta cada vez más como los autores deciden desprenderse de la canonicidad narrativa de la tradición del biógrafo. Cada vez es más importante desprenderse de la contemporaneidad narrada, ya sea porque tanto el autor como el lector son conscientes de que todo es una fabulación del primero elaborada tras recopilar y estudiar la vida del sujeto del que va a explicar su historia. En esa subjetividad está el buen narrador; aquel que te sumerge en la biografía a través de un relato hasta que el lector forma parte de este.

Javier de Isusi es de estos últimos, en La Divina Comedia de Oscar Wilde nos muestra lo mejor de su arte como narrador, es con diferencia su trabajo más notable hasta el momento. Para ello recurre a un recurso fantástico en mitad de la biografía del propio Wilde. Entrevista desde el presente a todos aquellos hombres que fueron próximos a él para intentar saber la verdad sobre lo que le sucedió en sus últimos años de vida. El recurso, dentro de esa idea de contar el cuento, se resuelve con solvencia. Los entrevistados hablan al autor, no ha nosotros, es de Isusi el que nos lo cuenta a nosotros a modo de discurso montado y fraccionado. Otro punto a favor es la de explicarnos ese Paris decadente de Oscar Wilde como si hubiese estado allí, de ahí que se ayude de las situaciones en las que hay bastantes personas y él hubiese formado parte de esa multitud. Mostrado en la sobriedad de los detalles generales para focalizar en lo realmente importante.

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El rol que se le otorga a Wilde es el de un exiliado de sí mismo. A nivel nominativo, se cambia el nombre; su orientación sexualidad, arrastra su homosexualidad de manera lastimera; como autor, reniega de su don y no quiere escribir más; y tras el paso por la cárcel su relación con la realidad ha cambiado radicalmente. Antes de pasar por prisión su filtro con el mundo real era la belleza, ahora es la cruda verdad como certeza. Esos momentos se encuentran siempre presentes en el relato, a veces en off con el uso que de Isusi da al uso de los claroscuros, y otras a través de referencias directas, o como hace brillantemente a través de las 45 páginas que componen una pesadilla onírica que al final lo reconcilia consigo mismo.

A pesar de todo lo dicho anteriormente, La Divina Comedia de Oscar Wilde brilla por la forma de estructurar el discurso y la manera de narrar. Y de esto último la forma de representar los espacios desde puntos de vista casi subjetivos, aumentando la sensación de haber participado en los eventos. No me queda nada más que recomendar este título de de Isusi, tiene pinta de ser una de las sorpresas del año a nivel nacional.

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Spain is Pain #358: Alerta Bécquer (Raúl Guíu y Juanfer Briones)

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Alerta Bécquer (Raúl Guíu y Juanfer Briones). GP Ediciones, 2019. Rústica, 104 págs. Color, 15€

Desde muchos de los foros de los que nos dedicamos a escribir desde un punto personal sobre cómics, nos olvidamos muchas veces de aquellos títulos que están destinados a un público más juvenil que posiblemente busque un texto más entretenido y dinámico. Más alejado de la reflexión social y estética, pero más cerca de lo que necesita un joven lector: un texto que lo atrape. De ahí que muchos de los títulos destinados estén ubicados dentro del género de aventuras con su estructura de descubrimiento de una realidad que no conocían, el viaje, los obstáculos, los villanos y en ocasiones, las más, el amor.

Basado en la novela de Miguel Mena Alerta Becquer opera bajo esos parámetros del relato de aventuras clásico, pero sumándole la tendencia contemporánea de la novela de misterio que tiene como trasfondo una narrativa vinculada a un personaje histórico popular. Raúl Guíu y Juanfer Briones ponen de relieve la importancia de las emociones como punto de partida de la aventura. Eduardo representa al prototipo de hombre que hace locuras por una mujer, en este caso robar los huesos de Gustavo Adolfo Bécquer del Panteón de Sevillanos Ilustres para llevarlo al cementerio del pequeño pueblo zaragozano de Trasmoz, para impresionar a su novia. Esta es una mujer que siente veneración por el poeta que cree que el poeta debe descansar allá donde obtuvo la inspiración para crear su obras.

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Aparte de la consecuente aparición de las fuerzas del orden, un presentador de televisión conspiranoico, el viaje por todo el país constituye el tema principal de este título. El viaje físico que les permite conocer otras ciudades y el viaje interior, aunque aquí prima lo concreto, el trayecto más que el crecimiento interior. En resumen, Alerta Becquer es un texto dinámico, entretenido y atractivo, justo lo que necesita un lector joven.

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Esa otra resplandeciente Ciencia Ficción (y 2)

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En un rayo de sol – Segunda Parte (Tillie Walden)- Ediciones La Cúpula, 2019. Rústica, 276 págs. Color, 27,9 €.

En la entrada dedicada al primer volumen de esta obra de Tillie  Walden ponía de relieve la importancia de jugar con los géneros canónicos y reconvertirlos en nuevos modelos para nuevos públicos. Las sagas espaciales suelen presentarse como una especie de Génesis en el podemos consultar cualquier evento de la historia ficcional de ese relato. Walden lo plantea de manera diferente, no existe una necesidad imperiosa por tener que contarlo absolutamente todo; la autora tejana narra brillantemente el pasado a través del presente, como una forma de eco que va tomando fuerza hasta que repercute en la vida de las protagonistas.

En este volumen se incrementa esa sensación de que la autora usa un gatillo emocional para empujar la acción hacia adelante. No existen motivos lógicos por los que Mia decida trasladarse a uno de los lugares más aislados de la galaxia en busca de Grace. Es lo que podríamos denominar como un amor épico más cercano a la fe en una relación que en la creencia en la misma. La escalinata, lugar al que se dirige toda la tripulación, es un lugar fundado por las hermanas Hill que posee notables riquezas naturales y que el resto de imperios galácticos han intentado conquistar, por las buenas y por las malas dicho territorio para al final abandonarlo aislándolo.

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El encuentro entre Mia y Grace es uno de los mejores momentos de la historia y que mejor define la idea de gatillo emocional. Aquí como una esperanza máxima que casi muere pero que al final surge con fuerza. Pero antes de eso se define la idea de lo foráneo, lo extraño. Las Hill definen a todo ser extranjero como enemigo, hasta el punto de convertirse en un precepto para dicha civilización. La irrupción masiva de alienígenas, en este caso la protagonista y sus compañeras de trabajo, obliga a producir un tipo de relación entre los personajes del planeta, nace el cuestionamiento del pensamiento único. También podemos considerar que las Hill adquieren otros valores entorno al amor más allá de los vínculos de sangre. Una riqueza infinita que se expandirá por todo el universo.

La propuesta de enfrentamiento entre culturas sin llegar al conflicto podría resumir el tema de En un rayo de sol; las protagonistas se enfrentan entre ellas dialécticamente, respetando los espacios personales del resto de personajes. Quizás desde esa visión podamos entender ese final feliz en el que todas encuentra su lugar en el mundo, no perfecto, pero en el que ellas se integran a la perfección. Una ciencia ficción optimista para todos los públicos pero que trata temas complejos sobre las relaciones humanas y que busca redirigir el género a otros lugares todavía desconocidos.

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Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades (Mark Russell y Mike Feehan)

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Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades (Mark Russell y Mike Feehan). ECC, 2019. Cartoné, 168 págs. Color, 17,95 €

Si la reescritura de Los Picapiedra  fue uno de los títulos destinados para el gran público con mayor peso político; podemos decir que Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades de Mark Russell y Mike Feehan hace lo suyo con las reivindicaciones LGTBIQ+ pasadas o actuales. Pero lo más interesante es ubicar a los personajes de Hannah Barbera en un contexto histórico real el de la guerra fría y el de la caza de brujas anticomunista en la industria del espectáculo y la cultura.

El león Melquiades, Snagglepuss en su versión original, fue uno de tantos personajes del mejor estudio de animación para TV que más iconos culturales construyo para la infancia desde mitad del s. XX. En su caso fue uno de los más transversales de la factoría, con un par de temporadas estrenadas el mismo año, 1961, pero con apariciones en varios shows de la productora. Si bien en el caso de la reimaginación de Los Picapiedra consistía en jugar con el capitalismo galopante del que disfrutaban los personajes originales para convertirlos en una clase media que empieza a cuestionar el sistema incluso a oponerse a él. Con Melquiades la transformación pasa por el ya mencionado contexto histórico y por realzar algunas de la formas del personaje original realzándolas.

Mark Russell y Mike Feehan crean un personaje nuevo pero que borra al original, es un dramaturgo que recuerda a Tenesse Williams en la década de los 50 en mitad de una ola de ultranacionalismo ideológico purista estadounidense. Se dedica a escribir obras con un subtexto claramente homosexual, que en cierta manera son toleradas por una incipiente clase media que aspira a demostrar su riqueza a través de la asistencia al teatro y a ciertos tipos de cultura más o menos asequible. Como clase media, lo que ahora denominamos nuevos ricos, solo se quedan con la trama no entendiendo el carácter vehicular de este. Una sociedad capitalista que necesita consumir a todas horas, pero sin la necesidad de digerir.

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Melquiades está acompañado por otros personajes como Huckelberry Hound, otro escritor gay que se esconde del mundo, Tiro Loco McGraw, Canito y Canuto, el pulpo Manotas o Pepe Pótamo, aparecen como personajes secundarios pero todo con un matiz tremendamente dramático. Pero no estamos ante un cómic solo con animales antropomorfos, sino que, al igual que en las series originales, los seres humanos conviven  con estos. Con un pequeño detalle, mientras que en las series televisivas se exhibía el carácter jerárquico de la relación hombre-animal, aquí conviven en igualdad de oportunidades con estos.

Huyamos por la izquierda: las crónicas del león Melquíades es ante todo un drama, que nadie espere encontrar chistes directos que hagan sonreír a su nostalgia, ni grandes escenas de acción o gags. Es básicamente una crónica de los momentos duros que vivió la comunidad gay en EEUU en un periodo en el que ante todo la fidelidad a una bandera justificaba todo tipo de atrocidades. No puedo dejar de recomendarlo, me parece una lectura fundamental para estos tiempos que se conjuga muy bien con uno de los clásicos sobre la lucha de este colectivo, Stuck Rubber Baby de Howard Cruse, uno desde un punto de vista autobiográfico y directo y otro reflexivo. A parte de todo lo mencionado los personajes siguen teniendo ese encanto, siendo otros siguen siendo los mismos.

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El lugar es el relato

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Balas perdidas 2: en algún lugar del Oeste (David Lapham). La Cúpula, 2019. Rústica, 268 págs. B/N, 19,90 €

La definición de espacios en el relato negro es tan fundamental como trabajar con los personajes prototípicos del género. Desde los rincones más oscuros  o los antros de la ciudad a aquellos pueblos de la América profunda, muchas veces alejados de la oscuridad, que se rigen a partir de sus propias reglas y normas. Este último rasgo puede ser adaptado en función de los parámetros culturales de la localización. De ahí la importancia de crear un espacio que funcione a modo de universo con sus propias normas, que tenga una mitología propia y personal y que los personajes que pueblan esos espacios giren en torno a todos estos elementos.

Para el segundo gran arco argumental de Balas perdidas Lapham nos pone frente a uno de esos espacios inevitables del género negro, el pueblo aislado en mitad de la nada con una población un tanto particular. Es un pueblo que vive alrededor de dos elementos, por un lado una vaca de 5 patas que es la mayor atracción del pueblo y por la que de vez en cuando algún turista se deja caer por ahí; el segundo, es que a pesar de vivir en el interior del oeste estadounidense tienen un paseo marítimo para el día en que la falla de San Andes colapse toda la costa y ellos se queden en primera línea de mar. Elementos que ninguno de los habitantes de Seaside cuestiona.

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El punto es cuando un grupo de personajes, en este caso los protagonistas, llega a ese pueblo huyendo de unos traficantes a los que les han robado un alijo de cocaína. Estos nos servirán al lector de enlace para ver de manera crítica a los habitantes de ese pueblo, pero al ser ellos los foráneos destacarán  en un contexto en el que la perversión local, al ser asumida, resalta de la de este trío de fugitivos. Lapham se apoya en una narrativa cronológicamente fragmentada para relatar diferentes momentos de esa relación entre un pueblo abducido por su propia mentira y un grupo de personajes urbanos que desconfían de sí mismos y que intentan moldear a su nuevo entorno como una forma de protegerse de cualquier amenaza exterior.

Balas perdidas de David Lapham fue en su momento un giro definitivo a ese cómic independiente que bebía de los géneros canónicos pero actualizando algunos de los temas y los estereotipos del mismo. En el caso de este volumen se trata de darle esa importancia a los espacios, renovados, sí, pero respirando del aire decadente de estos lugares, algo que el autor estadounidense retrata a la perfección. Una colección imprescindible en cualquier comicteca.

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