Credo. Rose Wilder Lane, la feminista libertaria (Peter Bagge)

Credo. Rose Wilder Lane, la feminista libertaria (Peter Bagge). Ediciones La Cúpula, 2020. Rústica, 116 págs. Color, 17,90€

Peter Bagge es uno de los pilares del cómic underground de los noventa y de principios de siglo XX y con el que muchos empezamos a leer ese otro cómic que estaba más allá del imperante comic-book de superhéroes y el manga que empezaba a ser un público mayoritario. Las aventuras de Buddy Bradley tenían un aroma a crónica que no se ha podido apreciar hasta que ha pasado un tiempo. Pero en aquel momento Bagge ya estaba haciendo una labor de recopilación en viñetas del mundo contemporáneo de cómo se vivía apartado de los grandes paradigmas sociales del capitalismo estadounidense.  Unos paradigmas sobre los que el propio autor investigaba a través de pequeñas biografías de los paters del liberalismo salvaje y del subjetivismo más puro.

Es decir, la historia no-secreta del nacimiento del actual espíritu del país de las barras y las estrella. La biografía de Rose Wilder Lane es uno de los mejores ejemplos de la formación espiritual de un país que reniega de cualquier opción de progreso social en busca de igualdad. Wilder Lane es una de las madres junto Ayn Rand e Isabel Paterson, del renacimiento del movimiento libertario de mediados del siglo XX. Un movimiento que aboga por la reducción al mínimo, o casi la abolición, del estado, al cual consideran un obstáculo pernicioso para el desarrollo personal de los individuos. De ahí surge la idea libertaria de que cada individuo debe enfrentarse por sí mismo a la sociedad independientemente de los privilegios adquiridos por el sistema o la desventajas con las que ese mismo sistema lastra a gran parte de la población.

Dejando de lado la crónica como valor de su obra de ficción, aquí opta por una biografía ficcionada en el registro propio del autor. Aunque el trazo de Bagge a veces da la sensación que el tratamiento es un tanto cómico eso no borra en ningún momento el proceso de investigación y documentación sobre el personaje diseccionado. La obra se abre con una exposición por parte del autor sobre los motivos que le llevan a emprender el proyecto. Lo interesante es ver cómo se aparta de la prototípica biografía en cómic en la que tan solo se narran los hechos importantes de la vida del personaje en cuestión. Bagge opta por dotar de una sicología al personaje que le ayuda a desarrollar los monólogos interiores de estos. Consciente de la imposibilidad de abordar una vida en el medio cómic, complementa con unas notas finales el documento para ampliar el conocimiento sobre  Rose Wilder Lane. Lectura recomendadísima tanto por el autor como por el personaje retratado.

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Cecil y Jordan en Nueva York (Gabrielle Bell)

 

Cecil y Jordan en Nueva York (Gabrielle Bell). Ediciones La Cúpula, 2019. Rústica, 160 pags. Color y B/N, 15,50 €

Gabrielle Bell representa la perfección a personajes que podemos denominar como ensimismados en el hedonismo asocial. Seres más próximos a construirse como personajes que como personas. Lo que vulgarmente se conoce como postureo. Un postureo lánguido preñado de pretendida tristeza que hace a los personajes como especiales, falsamente sensibles y con una mirada elitista hacia su entorno. Aun así la autora muestra cierta complacencia hacia estos personajes, los mima, los quiere, no los pone en situaciones complicadas. Los problemas de estos son tan solo los del primer mundo.

Aunque posiblemente lo más atractivo de la obra de Bell no sean los personajes, que lo son por cómo están creados y como discurren por un contexto narrativo. Lo más interesante es la sensación que todos los personajes pueblan el mismo espacio ficcional, no tanto por los lugares en los que habitan los personajes si no por el estado de ánimo que estos transmiten a lo largo de sus relatos. Estos unifican el espacio narrativo de esta compilación de relatos cortos de Bell. Esa especie de languidez y tristeza que predomina el carácter de los personajes crea una sensación de imposibilidad vital de los mismos. Todos aspiran a algo que no saben si realmente quieren, los sueños, las metas y los deseos personales se convierten en una especie de leit motiv continuo acentuado por la imposibilidad de los mismos.

Estas aspiraciones se convierten en una sombra que acompaña a los personajes, los martiriza, no les deja avanzar y los convierte en esclavos de sí mismos. Esto unifica el espacio narrativo, los personajes no tiene que compartirlo pero si respirar el mismo aire en la construcción de los mismos. En ese sentido la autora dota de cierto aire personalista y de proximidad a los personajes y a las situaciones hace que el relato que une a todas las historias cortas que componen el volumen tenga un aire autobiográfico. Gabrielle Bell es en esas lides una de las autoras que mejor representa la desazón de una sociedad que decide vivir apartada de todo, y que se pierden en su propia construcción vital.

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El humano (Lucas Varela y Diego Agrimbau)

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El humano (Lucas Varela y  Diego Agrimbau). Ediciones La Cúpula, 2020. Rústica, 148 págs. Color, 19,50€

Las narrativas post-humanidad van haciéndose más populares mientras que aquellas que abordan el fin del mundo tal cual están tan asumidas que las podemos encontrar entre la producción de tv movies de plataformas como Netflix. Películas como After Earth, Oblivion, las dos sagas de El planeta de los simios, la reciente trilogía animada de Godzilla, nos plantean una visión de un ser humano que busca redención volviendo a un planeta Tierra que han destrozado en el que el rastro de las civilizaciones son cuestiones del pasado. Nos encontramos con una población animal que ha evolucionado y en algunos caso los propios humanos han cambiado. El pasado humano es un resto sin importancia en la memoria del planeta y el hombre vuelve con intenciones de conquistar y reconducir el orden del planeta.

El Humano de Lucas Varela y Diego Agrimbau trata sobre una expedición para investigar el devenir del planeta Tierra. Medio millón de años los humanos vuelven tras un periodo en el que consideran que el planeta se ha reseteado y en el que los humanos de cuño homo sapiens consideran que pueden empezar de nuevo. Y reiniciar a la humanidad. Tras este tiempo, un matrimonio de científicos, June y Robert, deciden volver al planeta para poner en marcha el proyecto. Pero la planificación falla y June desembarca 57 años antes que Robert. La acción se sitúa en el momento en que el equipo de Robert y sus androides llegan al planeta, sin embargo, la narración en vez de decantarse por el relato de conquista del humano decide focalizar en Alpha, una ginoide capaz de saltarse algunas de las leyes de la robótica. El enfoque de este personaje nos permite ver el acceso a la locura del humano cuando ve a su esposa fallecida. En el planeta no hay resto de humanos estos han evolucionado en diferentes especies, que Robert intenta controlar amparándose en su superioridad intelectual, pero ignorando que ya no es un planeta para los humanos.

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El inevitable complejo de Dios que Robert sufre de inmediato le lleva a elaborar un plan, muy humano, para hacerse con el planeta. Dicho de otra manera, a pesar de estar fuera del planeta medio millón de años no se ha aprendido nada.
La reconquista del planeta empieza por un intervencionismo bélico, decide aplicar la ley del más fuerte con el resto de especies, y genético, deja embarazadas a tres hembras de una de las especies que ahora pueblan el planeta. En Qué difícil es ser dios de Arkadi y Borís Strugatski, se plantea un intervencionismo humano que impide que un planeta no pase de la Edad media terrestre sometiéndolo a la voluntad de unos humanos con complejo de dios. Robert, como representación de una parte de la humanidad, nos muestra ese sentimiento liberal que busca apropiarse de todo sin ningún tipo de límite moral o legislativo, pero también se convierte en el propio epitafio de la especie. Lucas Varela y  Diego Agrimbau apuestan por una obra compleja pero mostrada con una sencillez apabullante, trama y tema se conjugan a la perfección y el trazo del dibujo hace que el texto en su globalidad no sea tan crudo como pudiera aparecer en cualquier momento.

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Balas perdidas Vol. 4: Días negros (David Lapham)

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Balas perdidas Vol. 4: Días negros (David Lapham). La Cúpula, 2019. Rústica, 260 págs. B/N,  19,90 €

Uno de los paradigmas con los que mejor se puede explicar Balas perdidas de David Lapham es que todos los personajes pueden caer aun más bajo o que sus orígenes como personajes están localizados en un trauma producido a edades muy tempranas. El contexto histórico que fluye de mediados de los setenta a mediados de los noventa representa la catarsis de la sociedad americana y la violencia. En los setenta esta sale de los espacios marginales a espacios abiertos, going postal, lobos solitarios, asesinatos en masas y cualquiera puede ser el próximo protagonista de un noticiario. En términos posmodernos esa violencia es asumida por gran parte de la sociedad en la década de los noventa, es inherente a la cultura, y más en un momento que se proclaman diferentes apocalipsis al borde del año 2000.

El volumen Días negros nos sitúa en la antesala de la última década del siglo XX. Son los años ochenta en Los Ángeles donde un apocalipsis liberal y conservador llamado Ronald Reagan, estaba arrasando a los más desfavorecidos y dándoles alas a los que siempre han tenido menos escrúpulos a la hora de hacer dinero y acumular poder. En ese desértico panorama moral, que tan solo invita a vivir bajo la ley del más fuerte nos encontramos con los protagonistas de siempre, pero esta vez vamos a conocer la historia de Amy Racecar, sus orígenes y el porqué de su actitud un tanto hierática en el trato con otros personajes. Beth y Amy se refugian en Los Ángeles como hermanas, pero Amy en seguida empieza a hacer su vida. No va a clase, se pasa el día merodeando por la calle y no va al instituto lo que levanta las suspicacias de los vecinos y la policía. Empieza a hacer amistades furtivas, que van desde Bobby, un niño asustadizo, y  a un sospechoso tipo aspirante a artista, en general, que frecuenta locales donde va la juventud.

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El artista no es más que un depredador sexual que secuestra a ambos personajes y la violencia que se ejerce sobre ellos es catártica. Amy se reconvierte y en esta última variación del personaje, la de una chica de pueblo desaparecida hace mucho tiempo. La insistencia del trauma como eje vertebrador de los personajes que constituyen este fresco del noir americano, en mayor o menor grado todos tienes un momento de caída que los marca intelectualmente, en ocasiones convirtiéndolos en personajes ridículos, emocionalmente tarados o con marcas físicas que los definirán el resto de su vida. Esta vez los protagonistas, acostumbrados a lidiar con la delincuencia, se encuentran en una lúgubre incertidumbre. Días negros es, por el momento, el ciclo narrativo más oscuro de Balas perdidas, hasta el punto que llega a sorprender al lector habitual del trabajo de Lapham. Balas perdidas es una de las grandes lecturas que definen el estado de la sociedad estadounidense de finales del s. XX. una crónica a la que se la hecho un vestido entallado a partir del relato negro y criminal. Siempre entretenido y siempre sorprendente. Ese es Lapham.

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La espiral (Aidan Koch)

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La espiral (Aidan Koch). AIA Editorial y Ediciones Valientes, 2020. Rústica, 128 págs. Color, 18 €

Un grupo de personajes que tienen una vinculación en principio poco próximas que confluyen, espacios que se configuran como mínimamente referenciales y funcionan a nivel de código interno, imágenes ancestrales, ríos que confluyen y la idea de espiral. La espiral como un elemento cíclico que nos invita a pensar en los retornos eternos y en cierta restitución del caos pero sobre todo bajo el paradigma sobre el que se apoyan diferentes sensibilidades religiosas, como es nacer, morir y renacer. Pero también es un elemento que aparece en la naturaleza y que ha sido adoptado como elemento estético tanto en el arte como en la cultura popular.

La propuesta de Aidan Koch quizás esté más arraiga a elementos ancestrales. Las espirales a través de diferentes elementos. En primer lugar, antes de hablar de la trama de la obra, es posiblemente más interesante para un poco de atención a la propuesta estética. La espiral, se presenta casi como un work in progres en la que se pueden observar algún borrón, algo que parece que ha sido borrado pero que sigue presento o algún garabato a pie de página. La obra se presenta como un palimpsesto consciente de sí mismo; en el que la obra final es un fiel reflejo tanto de ese resultado acabado, como de las fantasmagorías que no son otra cosa que los restos del pasado de la obra.

En ese aspecto Koch aprovecha ese proceso de trabajo intermedio para dar relevancia al uso del color vinculándolos a un estado emocional perenne de los personajes. Esta aproximación no la hace, tanto, en relación con la psicología de los colores sino en cómo un recurso más conceptual. Estos nunca son sólidos, a veces se salen de los límites de lo coloreable, y otras, el color acaba perdiendo consistencia en el trazo. Haciendo que los personajes acaben diluyéndose no solo en los escenarios sino también por los diálogos diáfanos, no acotados y que no respaldan ninguna trama.

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¿Qué es pues La espiral? Podemos ubicar este título dentro de aquellas obras en las que los espacios son redefinidos y condicionan las acciones de los personajes, en mayor o menor grado. No se trata de espacios construidos narrativamente para convertirse en un obstáculo completo sino como un concepto. Podemos citar trabajos como Nuevas estructuras (Begoña García-Alén, 2017), Pulse Enter para continuar (Ana Galvañ, 2018), Cenit (María Medem, 2018) o Sirio (Martín López Lam, 2016), en los que las localizaciones en los que se desarrollan estos títulos nos ayudan a poder vislumbrar a unos personajes muchas veces en fuga. Son espacios por lo general sobrios en los que los autores sitúan a unos personajes que reaccionan de manera extraña, parece existir una relación de incorporación/resistencia  entre ambos.

La espiral de Aidan Koch busca ese lugar en el que las narrativas en las que la trama no es una línea recta, si no sinuosa que a veces se interrumpe y no te asegura que haya un final sólido. Esta más cercano a eso que denominamos la experiencia lectora, navegar entre las páginas y los colores, los interludios sobre el devenir de los ríos, el inicio del capítulo V en el que la viñeta dejada para el texto desplaza a la imagen de los protagonistas de la conversación. Un título que apunta a esas nuevas formas de contar del cómic contemporáneo.

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Pepino, Héroe de leyenda

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Pepino Héroe de leyenda – Vol. 1 (Gigi D.G.). Brúfalo Léctor Ediciones y Ediciones La Cúpula, 2019. Rústica, 198 págs. Color, 17,90 €

Hace unos cuantos años había un amargo debate sobre como el cómic infantil había desaparecido de los quioscos, también se quejaban de que los nuevos autores olvidaban a los lectores más jóvenes o que no se promocionaba lo suficiente. Es evidente que el cómic ocupa otros espacios de venta, cada vez hay más creadores que buscan dar forma a textos para todo tipo de lectores y la promoción de cualquier producto del medio siempre nos parece pobre. O quizás no era nada de eso, sino que había que buscar cómo explicar historias a través del noveno arte para que vuelva a interesar a los nuevos públicos.

En todos estos cambios ha habido un cambio trascendental, el público femenino de todas las edades consume, de media, más cultura que los hombres. Por lo tanto no se puede seguir queriendo ganar lectores anclándonos a prototipos añejos, que a día de hoy nos valen para poder contextualizar épocas pasadas. Los personajes femeninos de ficción rompen su techo de cristal como protagonistas. Eso quizás es más importante en aquellas obras que se basan en arquetipos clásicos en los que introducir, en el caso que nos ocupa un joven príncipe que se ve obligado a salvar a su reino, pero él ni tiene ese interés que se le supone a los jóvenes príncipes que han de conquistar el corazón de sus súbditos. Ni los arrestos para solucionar los obstáculos del camino.

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Gigi D.G. realiza un cambio de roles muy curioso, si bien el protagonista siempre suele ser el héroe aquí se convierte en el compañero de aventuras y su hermana se convierte en una heroína que está en proceso de formación como tal. A parte de ese pequeño juego de roles el libro se completa con fichas de personajes, viñetas off the record, un mapa, una historia ampliada y el proceso de creación. Eso pone de manifiesto la querencia del joven público lector por los universos narrativos sobre los que poder conocer y explorar. Pero también es una buena base para continuar las aventuras de los personajes si estos gozan de popularidad. Pero es el elemento gráfico el que le da empaque y el que puede hacerlo más atractivo para el público al que va destinado. Podemos denominarla de kawaii o más bien cuqui. Un registro visual en el que la paleta de colores se puede clasificar como dulzona, muy influenciada por la nueva ola de animación proveniente del Cartoon Network.

Pepino Héroe de leyenda es un cómic con un tárget de público muy claro, pero no nos olvidemos que el relato de aventuras, que en la actualidad goza de buena salud, tiene un público muy transversal en lo generacional que puede disfrutarlo como una lectura divertida, con un poquito de crítica a los cánones clásicos del género.

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Quiz Kids

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Niño prodigio. Mi padre, el genio de los concursos (Michael Kupperman) Blackie Books, 2019). Cartoné, 240 págs. B/N, 19,90€

El episodio 93 de The Simpsons , “Bart Gets Famous”, Bart se convierte por accidente en una estrella de la televisión con frase recurrente incluida: “yo no he sido”. La brevedad de la popularidad de Bart es tan efímera como la propia juventud. Los niños con talentos, o sin ellos pero graciosos, han sido uno de los pilares sobre los cuales se cimentado el éxito de la televisión desde sus inicios. Tanto como receptores de contenidos, que en muchas ocasiones estaban protagonizados por infantes que destacan por tener ciertas aptitudes. Y no, no es un modelo caduco ejemplos actuales de televisión en directo lo confirma, los programas de talentos están plagados de participantes menores y algunos muy pequeños.

El libro de Michael Kupperman tiene dos grandes puntos de interés. El primero es de carácter histórico, nos encontramos ante no solo el origen de los programas concurso sobre conocimientos y los de talentos. Sino ante la consolidación como medio de comunicación de masas y la llegada de la televisión. Poniéndose esta última en el centro del ecosistema medíatico durante más de medio siglo. Kupperman narra la vida del pasado oculto del padre, Joel Kupperman. La fama de los primeras estrellas infantiles radiofónicas y televisivas les hizo rodar por todo el país, tener merchandising, apariciones en películas, publicidad, etc. Y con esto una idea primitiva de la estrella multiplataforma, más como una forma de explotación de la popularidad infantil. En un momento en el que se empieza a construirse la imagen del adolescente como un consumidor más.

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El segundo punto de interés es la forma en que Kupperman busca cierta explicación en el propio relato, indagando el motivo por el que su padre apenas habló a lo largo de su vida sobre su popularidad. El autor investiga en los recortes de prensa de la época, las fotografías, la publicidad y los productos derivados de los programas en los que su padre participó. Pero la realidad del documento no nos lleva necesariamente a la verdad. Los porqués son muy importantes en toda la narración, y en cierta manera muchos quedan sin respuesta.

Cierta conclusión sobre no olvidar el pasado, pero no vivir en él, o en este caso huyendo, nos lleva a pensar en acordarse muchas veces del cómo soterra el qué. La popularidad del personaje nos hace olvidar las circunstancias, Joel Kupperman abandona el programa porque se ve como un macguffin en sí mismo, una excusa para implantar un modelo de infancia irreal. Que no se corresponde ni con la realidad social ni económica del país

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El beso como campo de batalla

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El beso número 8 (Colleen Af Venable y Ellen T. Crenshaw). La Cúpula, 2019. Rústica, 324 págs. B/N, 19,90 €.

El beso número 8 es uno de los tebeos más jóvenes que he leído últimamente. Joven en el sentido vital y emocional, no quizás por el tema y la utilización del drama y el romance, sino cómo las autoras juegan con estos elementos para revitalizarlos de cara a un público más joven y predominantemente femenino. Las relaciones sentimentales y sexuales, los conflictos que esta sociedad tiene con los nuevos tipos de identidad, la intimidad interpersonal como una forma aprendida de amar y una sexualidad líquida rampante. Pero quizás el tema más relevante es como poco a poco la sociedad va superando ese enfrentamiento contra la rigidez de las formas y apariencias tanto en las familias como en las comunidades más próximas.

El punto de partida para mostrar una evolución en las formas es un status quo presentado en forma de una familia feliz que oculta a su hija Mads, la protagonista de este título, el pasado de su abuela. Dicha felicidad se sustenta en una ocultación, las fiestas para adolescentes, el padre con el que tiene hobbies comunes, misa los domingos, partidos de béisbol, etc. El prototipo de vida familiar anglosajona en el ya no tan nuevo continente. La calma se ve perturbada por la el deseo de conocer de una adolescente en plena efervescencia sexual.

El beso número 8 es el recorrido vital de Mads a través de los primeros besos de la adolescencia mucho más allá del acto físico; es la búsqueda de su propio yo con respecto a las personas que le rodean le descubre que el amor no viene predeterminado por el género, ni tan siquiera por una identidad de género sesgada sino por las relaciones que establezca con cada individuo. En este trayecto descubre que es capaz de enamorarse de hombres y mujeres. Pero la situación de Mads no es una reevaluación del pasado, y si una apuesta de futuro. Lo oculto en la vida familiar de la protagonista es el pasado de su abuela, nacida mujer pero que con el tiempo hace la transición para convertirse en hombre para convertirse en un abogado pionero en tratar temas de transexualidad.

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La idea es sencilla, pero muy bien planificado, y se resume en una historia de crecimiento personal que nos habla de evitar el dibujar y estereotipar las nuevas identidades como sucedió en el pasado. En cierta manera estereotipar es convertir al diferente en disidente y de ahí a su ocultación. Y eso se convierte en una puesta a cero constante de las luchas sociales. En ese sentido cabe destacar como la forma de reivindicarse como individuo ha cambiado con el tiempo, desde las masivas manifestaciones que pedían cambios legislativo y reales, a una pelea constante,  siguiendo la máxima de Donna Haraway, “el cuerpo es un campo de batalla”, en la que debemos de enfrentarnos a normas estandarizadoras y locos deseos de supuesta normalidad.

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Fantastic World (Ryo Hirano)

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Fantastic World (Ryo Hirano). Héroes de papel cómic, 2019. Rústica, 282 págs. Color, 19,95€

Más de una vez o dos se ha hablado en este blog sobre la creación de universo como una constante dentro de la ficción contemporánea. La creación de universo como un amarradero en el que tienen que confluir todas las narrativas y sobre todo las reglas de juego de ese territorio ficcional. Si bien en la realidad la disolución de la idea de mapa y territorio como una gran realidad vertical es un hecho, la ficción por su lado delimita ambos espacios en función de lo que muestra o no muestra al lector. Mientras que en la ficción lo mostrado es canon, y el territorio crece en función de si este se muestra específicamente, muchas veces al principio de los textos viene un mapa, como una sugerencia de mundo del que verdaderamente no tenemos más certeza que cuando este aparece en el relato con los protagonistas viviendo y desarrollándose en este espacio.

De manera que crece el personaje a través del entorno pero este adquiere otros niveles. La lectura de Fantastic World  de Ryo Hirano supone una construcción de la relación simbiótica entre personajes y escenarios diferentes. El autor nos plantea un universo disparatado, con un referente muy claro en la Hora de aventuras. Un mundo sin reglas en las que vemos como los personajes se mueven con mayor o menor soltura, pero del que nosotros aprendemos las reglas del juego poco a poco. Hirano nos muestra una variante, somos unos espectadores privilegiados a la hora de ver como la narrativa crece en riqueza visual en cada capítulo. Los personajes crecen, los escenarios también, pero en cada uno de ellos el estilo de dibujo varía, las formas y la luz de los escenarios, los personajes, y a veces hasta las reglas del juego. Un mundo en desarrollo continuo como un trabajo progresivo que nos muestra ese territorio ficcional como un gran patchwork que todavía se tiene que cerrar.

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Hirano se inspira en  el libro The Smoky God, or a Voyage Journey to the Inner World (1908) de Willis George Emerson. Un relato que narra la vida de un aventurero de la superficie terrestre que pasa una larga temporada con los habitantes que viven en el interior del planeta y tienen las mismos problemas de libertas, conflictos políticos y religiosos y cuyos habitantes deben de someterse a totalitarismos estúpidos. Dicha madurez aparece oculta entre una historia y un dibujo falsamente infantil. Biko, el protagonista, tiene como rasgo principal ser el único ser humano en Shambhala, y y su compañero de viaje es un diente, al que llama Dientecin, que es hijo derivado genéticamente de Biko. Ambos se explicaran el mundo el uno a otro para intentar resolver cuales son los mecanismos que hacen que ese espacio funcione. El trabajo de Ryo Hirano, es divertido e interesante, las páginas recogen estilos gráficos diferentes pero llevados a su territorio. Especialmente dedicada para aquellos que les gusta navegar más allá de los mangas más comerciales y prototípicos.

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Dolor y poliamor

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Dame un beso (El don Guillermo). La Cúpula, 2019. Rústica, 204 págs. Bicolor, 19,90€

Tulsa en una de sus mejores canciones, Seguramente me lo merezco, en cierto momento cantaba “Ya sé que he debido de hacerme mayor, porque ya no creo en el amor, y algo más en el dolor”. Una tema sobre los amores de tira y afloja con un punto de nostalgia intentando recuperar el tiempo entre lo dado y lo recibido. Todo como un ensueño con algún que otro reproche hacia uno mismo y alguno que otro a esa pareja del pasado, aunque este no vaya a saber nada de este monologo.

El amor como una forma de nostalgia que camina entre el reproche y el desgarro emocional, vinculado a un pasado mítico en lo personal, es un gran tema, pero siempre ha sido narrado a través de duetos. Sin embargo, en este momento, ya metidos de lleno en este S. XXI, las relaciones se han convertido en liquidas, la pareja consolidada parece que se está quedando obsoleta entre los más jóvenes, y las parejas abiertas, los tríos, o el no tener una orientación sexual definida, hace que el paradigma de los amores desgarradores entre dos personas no estén en el centro de interés narrativo.

El don Guillermo apuesta por una formula poco habitual, pero muy fresca, en este tipo de relatos de amores a tres bandas. Por lo general siempre es una pareja heterosexual que se ve tentada, casi siempre por otra mujer. El autor francés acentúa la idea de una organización sexual más orgánica y relacionada con el momento personal de cada uno. En este caso los protagonistas son una pareja de hombres que viajan desde Francia a un pueblo costero español para encontrarse con su pasado y con Cristina. Esta aparece tras una noche de pasión en la playa y se encuentran a la mañana siguiente como si fuera una ensoñación a Cristina, una amiga del pasado.

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La aparición de esta supone un acicate sexual para ambos, que va mucho más allá de la idea de orientación sexual y adentrándose en la idea de poliamor, centrado en el amor al individuo por encima de cualquier otra consideración Estos conviven en una casa abandonada con un chucho que sirve como mediador entre ese mundo que no sabemos si es onírico o real o no dejan de ser unas vacaciones. La fantasía o no, no solo se afianza con esa aparición si explicación. Sino en ese espacio que se mueve entre la imaginación y la realidad, una casa aislada por un cañizal y una baldosas que son el camino para llegar a esta.

Dame un beso confirma que el cambio de paradigma sexual de la nueva generación que consiste en abrir la idea de pareja a más de una y basado en vivir el momento. Sin embargo, los dos personajes protagonistas si están anclados a esa idea de relación a dos, pero mucho más basada en el dolor, en aprovechar el momento para echar en cara algo. El don Guillermo busca, y encuentra, la forma de articular un relato centrado en tres personajes, uno de ellos no sabemos si existente o no, que funciona como una fábula sobre las nuevas formas de abordar el amor, teniendo como punto de partida una relación más convencional basada en los tics propios de la pareja, pero con cierta idea de reconversión personal.

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