Spain is Pain #322: El camino como parábola.

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Budapest (Chema Peral). Ediciones La Cúpula, 2018. Rústica, 132 págs. Bicolor, 13,90€

El camino de baldosas amarillas conduce a una ciudad llamada Oz, una urbe cargada de poesía y esperanzas en la que la felicidad que colma a sus ciudadanos está alimentada por una gran mentira, la de un mago que no es tal sino un estafador que se esconde bajo la apariencia de un ser magnánimo. La función de ese camino de baldosas no es tanto conducir a un sitio u otro sino transformar a Dorothy y compañía durante el recorrido para que encuentren en ellos mismo aquello de lo que carecen, así pues, el destino y el lugar de procedencia no están importante como lo que se sitúa en ese amplio espacio intersticial que es el camino.

Roúl Nada, el protagonista de Budapest de Chema Peral, se encuentra pateando un camino que le debe de conducir a Budapest, posiblemente no nuestra Budapest (tan ambicionada por treintañeros en crisis), una ciudad que nadie conoce y en la que toda son promesas. En este caso esta Budapest es un trasunto material del Kurtz de El corazón de las tinieblas. Sobre la ciudad deseada y ambicionada el protagonista centra toda su voluntad de cambio, algo que, evidentemente, se producirá no con la llegada Roúl a sus calles sino con los problemas que va resolviendo durante el camino, enamorándose, huyendo, enfrentándose a situaciones imposibles, solo así puede llegar en condiciones a su Shangri-La particular; su Budapest en la que podrá ser feliz haciendo todo lo que desea.

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La búsqueda de la ciudad viene provocada por el ansia del protagonista por escapar de los traumas de una guerra del pasado, un conflicto paradójicamente llamado Guerra de Paz. Roúl Nada no solo debe abandonar los miedos sino también el odio que alberga por aquellos que fueron sus enemigos, unos invasores que intentaron imponer su fe. Para ello deberá pasar por su territorio, dejar de lado todo tipo de prejuicios y asumir costumbres ajenas para poder liberarse del pasado y encontrar su Budapest. Pero para ello, sin ni siquiera saberlo, se convierte en la pieza principal para anular al enemigo del pasado para siempre, algo de lo que rehuyó en el pasado pero que le resulta inevitable en el presente, no puede escapar eternamente de su misión vital que no solo proporcionara paz real para su pueblo sino también para el mismo.

Eso en el aspecto narrativo, pero es en lo visual con el bitono en azul que consigue que el relato funcione a nivel sinestésico. Con referencias estéticas a las nuevas vanguardias, homenajes a Picasso y ciertas esencias del fauvismo de Matisse. Hace que todo se estructure a dos niveles; en lo narrativo el relato está perfectamente anclado, en lo estético se eleva todo a lo espiritual y aquello que se busca emanciparse de la realidad. Todo unido por un tono definitivamente naif que hace que el mensaje sea algo más crudo, aunque pase de manera más desapercibida. En resumen, Chema Peral se marca una obra larga muy inspirada y valiente en el que todos podemos encontrar referentes o imaginar cual es el subtexto una parábola sobre el significado del camino recorrido y por recorrer.

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Spain is Pain #321: El tabú eterno

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FRANK. La increíble historia de una dictadura olvidada (Ximo Abadía). Dibbuks, 2018. Cartoné, 48 págs. Color, 16€

La Guerra Civil y sus consecuencias siguen siendo un tema delicado en nuestro país la rotura que se produjo en ese momento no ha sido suturada sino remendada hasta encontrarnos el panorama actual. Normalmente los cómics publicados en España por autores nacionales sobre el conflicto giran en torno a situaciones muy concretas: batallas, personajes anónimos o relatos con forma de reportaje. Pero pocas veces se centra en las personas que protagonizaron el conflicto y mucho menos en la figura del dictador. Franco es la representación univoca de un régimen que enterró a España durante cuarenta años con un sepelio que dura hasta nuestros días. Los totalitarismos se significan a través de los individuos que subyugan a la población y valen tanto para que aquellos acólitos se vanaglorien de sus acciones como para ser objeto de protesta y mofa por parte de todos aquellos que están en contra de este.

Por eso es complicado encontrar un punto en el que hacer una crítica seria, y también dura, en la que no se caiga en lo grotesco y en la descalificación barata. Los datos sobre la persona en cuestión los conocemos, los historiadores, tanto de un lado de otro, se han dedicado a desglosar la vida del dictador en diferentes biografías, y en muchos casos hagiografías. Sin embargo, siempre hace falta tener una perspectiva que se centre en retratar a personajes relevantes, para lo bueno y lo malo, desde la esencia de los mismos para así poder entender y comprender mejor quien era ese individuo en cuestión. Eso no implica ni ser simple ni reduccionista, en todo caso abreviar a través de elementos que definan a través del signo más que mediante la palabra.

Ximo Abadía consigue quedarse en esa naturaleza del personaje en un libro con muy poco texto en el que la imagen construye una idea sobre el dictador que queda al libre albedrio del lector. Eso lo consigue sugiriendo página tras página e imponiendo el símbolo como un medio para erigir un discurso basado en lo puramente visual. Para ello también se ayuda del cuento infantil ilustrado como un formato que le permite contar sin tener que explicar de manera detallada. Todo de manera muy medida: los cuadrados, omnipresentes, para idealizar la mentalidad totalitaria, representar al protagonista como un niño con una gorra militar que siempre le va grande, un uso de los colores que busca acentuar los contrastes dentro de la página y mostrar la parte por el todo a partir del icono (bombas, soldados, personajes anónimos en la sombra, etc.)

Frank es, o tiene la apariencia, de un cuento para niños. Y ahí me surge la duda por lo polivalente de los recursos utilizados por el autor. Vale tanto para niños como para adultos la idea es acercar la historia reciente de España de una manera comprensible, poniendo al lector en la tesitura de entender esta obra como él quiera, reducirla a la mera ficción o ponerla en paralelo con la realidad como parte de esta. Desde un punto de vista adulto podría figurar como un artículo de opinión un tanto cómico, por reducir a un dictador a un niño con una rabieta eterna, pero no exento de cierta voluntad de denuncia que encierra en las últimas páginas: “Y 40 años después se sigue escuchando una palabra enterrada. Libertad”. Aparecen pocos textos en esta obra pero son tan contundentes que cada palabra es un golpe en la mesa. Resumiendo, la obra de Ximo Abadía es espectacular, sincero y certero, con este trabajo abre un frasco de las esencias que parecía muy difícil de destapar en el que podemos ver como se conjuga la amargura con la belleza de la poesía visual.

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Good Old Times

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Black Hammer. Orígenes secretos. (Jeff Lemire, Dean Ormston, Dave Stewart). Astiberri, 2017. Cartoné, 184 págs. Color, 19 €.

Salvando distancias, o no, existen en la actualidad un grupo de guionistas de cómic que normalmente trabajan en el cómic de género superheroico que recuerdan a la generación de los barbudos que pobló Hollywood a finales de los setenta. Estos guionistas al igual que aquellos realizadores son grandes conocedores de medio en el que desarrollan sus actividades, sino que también sienten un gran amor por el mismo y lo que es más importante saben reconocer los topos y reconstruirlos a los tiempos actuales. Se trata de una reconstrucción alejada del posmodernismo y basada en los orígenes de los superhéroes basada en cierta nostalgia respetando los cánones del relato de género.

Jeff Lemire es uno de esos guionistas, de los que han crecido con los cómics, conociendo los recursos que este medio otorga. Este sabe escribir desde lo antiguo, lo conocido y crear un texto nuevo, que, aunque parezca que no diste mucho de publicaciones previas siempre aporta un vértice nuevo a este género, tan denostado por muchos lectores, que tiene tantas aproximaciones y exploraciones como títulos publicados. En Black Hammer nos encontramos con un relato que bordea en un difícil equilibrio entre lo crepuscular y el renacimiento. La vida de los superhéroes que protagonizan esta cabecera ha pasado por momentos mejores, en el momento en el que entramos en la historia se encuentran en una granja alejada del planeta Tierra y parece que su vida como protectores de la sociedad ha pasado a mejor vida. La granja en la que viven en una idealizada Norteamérica rural representa la esencia de los mismos a pesar de que muchos de ellos, tan solo Abe, no se encuentren a gusto allí.

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Ese espacio, esa representación, es un hilo con el pasado de los personajes y de su construcción como tales. Estos eran superhéroes a chapados a la antigua muy vinculados con la primera ciencia ficción de los años treinta y cuarenta de las revistas pulp, es decir, de carácter cientifista, esto como paradigma de un pensamiento que la ciencia seria una tabla de flote de la humanidad además nos redimiría. Contra todo eso esperanza representada en esos héroes se presenta Anti-Dios un villano de tamaño titánico que los reta y a causa del enfrentamiento se ven teleportados a ese espacio idealizado. En esta primera entrega se nos presenta a los personajes, uno por uno, la relación con el resto de compañeros y lo que les llevo a ser superhéroes.

Pero el mérito no es solo de Lemire, el apartado gráfico por parte de Dean Ormston y Dave Stewart, el primero al dibujo y el segundo al color, se completan a la perfección para delinear esa doble perspectiva de crepuscular y de renacimiento. Black Hammer funciona como un reloj, y eso que por el momento tan solo se ha planteado la situación, espacio y tiempo, con una separación entre pasado y presente muy clara y con una utilización de los flashbacks muy intuitivos que sugieren más que explican. El resto lo rellenamos con nuestra experiencia lectora. Pero es ante todo una obra destinada tanto para amantes del género como para aquellos que no lo son, o que tienen una idea preestablecida de este pero no le apetece meterse en la pornografía actual entorno a la cronología en la que vive sumergida este tipo de títulos.

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Ser uno de ellos para no serlo

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Utopías (Shun Umezawa). ECC, 2017. Rústica, 224 págs. B/N, 9,95 €

En dos entradas anteriores dedicas a Shun Umezawa ya pudimos observar la capacidad de este autor japonés para analizar la sociedad japonesa y cuestionar los usos y costumbres de la rígida sociedad japonesa. En Bajo un cielo como unos pantis planteaba una serie de tramas que giran en torno a ciertos topos internos culturales que por desconocimiento en occidente pueden parecer sacados de contexto pero que panorámicamente afectan a todas las sociedades contemporáneas. En los dos volúmenes que componen esta antología tiene como foco aspectos como el nacionalismo exacerbado, la pedofilia, la sexualidad en torno a la adolescencia a través del ideal de colegiala japonesa, desvirtuar las constreñidas reglas de las relaciones interpersonales en Japón, etc. todo un catálogo de  ponerse en el lugar del otro para poder verse a uno mismo con total plenitud.

Aun conociendo los giros del autor la lectura de Utopías, que camina por los mismos senderos que los dos volúmenes publicados anteriormente, sigue “atacando” el orden preestablecido de lo japonés y también a algunas cuestiones de género, relaciones sentimentales, y orientación sexual; pero siempre con un trasfondo orientado a describir el extrañamiento de lo “normal”. Uno de los principales rasgos de la sociedad japonesa y que poco a poco se va imponiendo en occidente, se trata de la cultura de nicho aplicado a los consumos de todo tipo hasta hacerlos convencionales y habituales. En “Los días en los que estuve al servicio de la reina Naomi” en el que las prácticas sadomasoquistas están legisladas hasta el punto que existen dominas que toman a voluntarios durante un tiempo para poder ejercer en el futuro. “Iguales” es el segundo relato este narra la obsesión de una chica por su pareja masculina y su fijación por querer parecerse físicamente a él. Pero es “Cuidado con el tren de tocones” el cuento que puede plantear más reticencias a la hora de ser valorado dependiendo de la perspectiva adoptada. En esta un mangaka que va a hacer una entrega de última hora entra, sin darse cuenta, entra en el vagón destinado a mujeres; estas empiezan a acusarle de mirón y tocón, pero todo bajo la perspectiva del prejuicio. Las mujeres que se encuentran ahí tienen formación, son feministas, parece que son personas reconocidas a nivel social por esta labor y son reivindicativas  ponen a prueba a este hombre para comprobar si este las valora como simples objetos sexuales.

En “Tubo”, “Contención” y “Un mundo conectado” el tema es la sociedad en general. En la primera un soldado tras salir de un coma de 12 años se encuentra con una sociedad que ha cambiado de paradigma de evolución social, en este caso hacia el de la salud, pero hasta un punto extremo. La nueva idea gira entorno a capar al ciudadano obstruir cualquier posibilidad de libre albedrio a través de advertencias en todo tipo de sitios sobre lo perjudicial que puede ser realizar una actividad concreta o utilizar un recurso. El segundo, mucho más sencillo en el planteamiento, trata de una pareja de adolescentes que se gustan pero no se han declarado, pero sucede que en el pueblo en el que residen todo el mundo va corriendo de un sitio a otro sin ningún motivo en concreto. El último tiene como protagonista las redes sociales y la doble vertiente humana de estas, la protagonista por un lado es capaz de expresar sus sentimientos más íntimos en estas, pero no es capaz de decirle a una persona que le gusta.

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Quizás los tres últimos sean los más interesantes. En “Virus del odio” se habla del adoctrinamiento sobre un invento sobrevenido en el que se habla del odio como un virus que se puede transmitir de persona a persona. Esta historia corta pone de manifiesto cierta capacidad de cierto sector del mundo de la ciencia a la hora de crear ideas que no se sustentan en nada. El otro capítulo que investiga sobre la identidad de género es el que se dedica a las relaciones homosexuales, “Sobrevivir coscorrón tras coscorrón” está dividido en dos partes. Se habla de la relación de amor (humor) entre ambos, utilizando el término atolondrado en vez de homosexual o gay haciendo referencia a la posición que estos adoptan durante el coito utilizando un símil de pareja cómica: por un lado está el que recibe la bofetada o la pulla y por otro el que las da o lanza (pasivo/activo). Al igual que la historia corta del vagón de mujeres la perspectiva adoptada en la lectura puede cambiar el juicio sobre la misma. En “Para quién existe la tortuga” un chico tras un intento de practicar el sexo con su novia le lleva a descubrir que el universo es una tortuga que se quedará bocarriba de aquí a millones de años, esto que podría parecer un alivio para la sociedad da lugar a cierto descontrol por parte de la sociedad y un incremento de la carrera militar de diferentes países.

En las tres entradas dedicadas al autor, contando esta, hemos podido apreciar los rasgos autorales de Umezawa, y aunque en un principio puede parecer un texto localista muchos de los temas tratados y situaciones son globales. A pesar de ello, del trasfondo de crítica a algo real, la perspectiva surrealista y cómica de las situaciones nos lleva a uno de las principales características del mangaka, narrar lo propio desde la otredad: ser uno de ellos para ver las situaciones anormales que derivan del comportamiento costumbrista y reglado hasta la saciedad. Shun Umezawa, como ya se dijo en posts anteriores, es un valor a descubrir en nuestras fronteras, puede que las historias nos dejen un regusto amargo en la boca, pero de eso se trata.

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Cuatro mangas que se deberían reeditar.

Los lectores de manga de otras épocas estamos de enhorabuena, últimamente se está publicando y reeditando unos cuantos títulos que durante mucho tiempo hemos estado esperando durante mucho tiempo. Desde las casi obligatorias reediciones e incorporación de nuevos títulos nunca publicados por estos lares de Osamu Tezuka a la enésima reedición en diferente formato de Dragon Ball de Akira Toriyama o la reciente Gunnm, Battle Angel Alita de Yukito Kishiro, pasando por la edición de gran número de los Jidaimono del dueto compuesto por Kazuo Koike/Goseki Kojima o la esperadísima publicación del popular shonen de lucha JoJo’s Bizarre Adventure de Hirohiko Araki . Eso por citar tan solo algunos de los trabajos que recientemente han visto la luz. Pero hubo una cantidad de obras publicadas en el pasado que no tuvieron continuidad o cuya reedición no estuvo a la altura, por eso vamos a ver esos trabajos que creo que merecen una segunda o tercera oportunidad.

1.- La leyenda de Kamui de Sanpei Shirato.

Shirato es uno de los maestros del manga desde sus inicios ha ejecutado un discurso social y de reivindicación de los burakunin, la casta más baja en la sociedad japonesa, en todo tipo de publicaciones, desde las más populares destinadas al gran público a la imprescindible Garo. En esta última es donde decidió publicar Kamui, su obra más representativa, en la que se explica las tribulaciones de un ninja, que da título a la obra, cuando decide huir de su clan y estos deciden perseguirlo por todo el país. La colección completa de Kamui son 21 volúmenes y comprende la  obra original más las dos continuaciones, por aquí pudimos ver allá por 1992 la saga correspondiente al último ciclo de aventuras del protagonista, concretamente la de “La isla de Sugaru”. La leyenda de Kamui es un clásico en todos los sentidos, tanto por lo referencial de Shirato así como ser una de las ficciones fundacionales del Jidaimono contemporáneo.

2.- Santuario de Syo Fumimura y Ryoichi Ikegami.

Este manga es uno de los que mejor explican el intrincado funcionamiento de la política y la yakuza, pero va mucho más allá de la mera mostración de esos mundos a través de la sexualidad, la violencia y el poder de una férrea jerarquía como elemento organizador de la sociedad japonesa contemporánea. Los protagonistas son Akira Hojo y Chiaki Asami dos hombres jóvenes que tienen en común el haber pasado calamidades en la posguerra y una visión: cambiar el destino de Japón aportando sangre nueva tanto en la política como en el crimen organizado. Santuario  se publicó originalmente en la década de los noventa. En España ha gozado de dos ediciones, la primera en 1993 por parte de Planeta de Agostini y otra por parte de Otakuland en 2004. Sin embargo, ninguna de las dos, una por incompleta y otra por el tipo de edición, han estado a la altura de este título. Por eso merece una tercera oportunidad de ser editada como corresponde a una obra de este calibre.

3.- Gamma el hombre de hierro de Yasuhito Yamamoto

En 1994, allá por los primeros tiempos del manga en España, Norma Editorial tuvo la valentía de publicar el que posiblemente sea el título más arriesgado para el target objetivo de aquel momento. La obra de Yamamoto tiene como protagonista a Gamma un hombre realmente feo con un cuerpo hipermusculado que trabaja como reponedor en un supermercado. El físico esperpéntico del protagonista se suma con la inocencia de este hacia el sexo opuesto. Este trabajo fue el ganador del premio Kodansha en 1994; aun así, el primer seinen publicado en España con plena consciencia de serlo, tanto para lectores como para editores no gozo de mucho éxito, tan solo un año en librerías en el que se publicó el equivalente a 3 tomos de un total 10 más 3 de una secuela. Gamma el hombre de hierro ya era un trabajo con personalidad propia en aquel momento y que en la actualidad aportaría un punto muy fresco al panorama editorial actual.

4.- Silent Möbius de Kia Asamiya.

Durante la década de los noventa uno de los autores de moda fue Kia Asamiya y su obra Silent Möbius fue una de las que más expectación levantaron en los nuevos otakus. De este creador se publicaron bastantes títulos: Steam Detectives, Compiler, Gunhed, Dark Angel y Nadesico. Ninguna de ellas publicadas íntegramente a excepción de Gunhed. Pero el trabajo más representativo es Silent Möbius un trabajo que gira en un entorno ciberpunk, rindiendo homenaje a Blade Runner, en el que un grupo policial, la Attacked Mystification Police Force (AMP), intenta controlar los seres interdimensionales que salen de un portal que se encuentra en el subsuelo de Tokyo. La única edición publicada aquí se publicó a mediados de los noventa y como costumbre no cubre más que los primeros volúmenes. Una obra comercial atractiva como pocas y con un regusto de manga noventero muy interesante.

Bueno, pues eso es todo.

 

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The Young Seth

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Un verano en las dunas (Seth). Fulgencio Pimentel, 2016. Cartoné, 88 págs. Bitono, 19,95€

Si hay una obra clave para entender el cómic de autor de finales del siglo XX es La vida es buena si no te rindes, en esta Seth nos permite hacer una aproximación sincera y personal a lo que significa tener una pasión: tener una constancia que nunca se apaga por algo, el trabajo de alguien o un alguien. Es unos de los trabajos capitales para entender el slice of life contemporáneo definiendo los límites y las posibilidades del mismo y en cierta medida acotando los márgenes de implicación del creador a la hora de mostrar su propia vida sin llegar al exhibicionismo.

Un verano en las dunas recoge dos obras cortas previas a la consagración de Seth con la obra citada; en estas ya se pueden apreciar algunos de los rasgos autorales como son una visión exterior de su propia vida pero sin perder los matices de lo personal, una descripción de sí mismo algo idealizada pero no de manera excesiva y la importancia de mostrar el contexto como algo que no es capaz de moldear pero que le condiciona de manera continua. Aun así el autor canadiense sabe mantener cierta distancia entre el yo-autor y el yo-personaje.

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El yo-personaje de estas dos historias es un Seth joven alejado de la imagen actual de hombre de los años cuarenta; nos encontramos con un tipo con el pelo largo un tanto despreocupado. En el primer relato Un verano en las dunas nos habla de su primer amor, cuando trabajaba en un restaurante familiar; aquí, como en el resto de obras posteriores el autor se detiene en la descripción de unos personajes arquetípicos deteniéndose en los detalles le van a proporcionar una posibilidad de narración plena. En este primer apartado la historia se centra en el primer amor, consumado pero imposible, del yo-personaje, con la dueña del propietario del local en el que él trabaja. El segundo relato es una anécdota, también de la juventud del autor, esta al igual que el anterior se centra en el yo-personaje dejando un tanto de lado la narración periférica del resto del contexto. El cuento trata de cuando el canadiense iba con el pelo largo y decolorado y un grupo de adolescentes empiezan a insultarlo considerándolo homosexual, este les provoca y le dan una paliza. Tras esto va peregrinando buscando ayuda hasta que encuentra a su novia.

En definitiva son dos relatos que nos muestran las pautas a partir de las cuales Seth se convertiría en uno de los autores más importantes de nuestro tiempo. En estos podemos encontrar los rasgos que posteriormente lo definirían, principalmente el gusto por una narración suave, de las que te coge de la mano y te conduce por aquello que pretende contar, haciéndolo casi como si estuviese a tu lado explicándotelo. También se puede apreciar ese trazo sencillo, transparente y elegante que lo caracteriza. Un verano en las dunas es imprescindible para entender la evolución de Seth, son relatos breves en los que ya se puede empezar a vislumbrar el futuro de este.  A eso hay que sumarle la maravillosa edición hecha por el equipo de Fulgencio Pimentel, como siempre.

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Muerte a la nada

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Big Baby (Charles Burns). La Cúpula, 2017. Rústica, 108 págs. B/N, 16,90€

De Los cuadernos de Esther  de Riad Sattouf a Plutona de Jeff Lemire y Emi Lenox pasando por Piruetas de Tillie Walden, Leñadoras de Noelle Stevenson, Shannon Watters, Freezer de Veronica Carratello o Tiempo de canicas de Beto Hernández , son relatos que tienen como elemento central la adolescencia desde diferentes puntos de vista. Todas tienen en común que ha sido publicadas en un periodo de tiempo breve y recientemente, cada una de ellas nos aporta una perspectiva sobre ese momento de la vida que van desde la perspectiva documental, la aproximación de género, la nostalgia o la idealización de esos años por parte de los autores. Pero todas coinciden en elaborar una representación de la adolescencia como un constructo en el que el descubrimiento personal y la necesidad de proyectar la vida interior en una social se convierte en algo fundamental.

En eso difiere Charles Burns en su Big Baby en el que un preadolescente impone su realidad subjetiva a la objetiva, posiblemente por la incapacidad que este tiene para relacionarse con los que le rodean. Este filtra el mundo a través de las ficciones que recrea en su mente y con las que suplanta cualquier atisbo de realidad. El problema que los textos que le sirven para articular el mundo objetivo son los cómics de monstruos y las películas de Serie B lo cual hace que todo se distorsione ante sus ojos, y como no ante los nuestros. Pero eso no sirve de otra cosa que de un medio catalizador para mostrarnos una representación crítica de las urbanizaciones de los extrarradios estadounidenses.

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Burns se centra en los efectos colaterales de la “normalidad” declarándole la muerte a la nada que esta supone. Tony, el niño protagonista, es en esencia un inadaptado social pero que en su visión periférica de su entorno es capaz de captar los elementos que están podridos: los maridos maltratadores, los asesinos de niños, las relaciones sexuales entre adolescentes, etc. Todo lo que rompa con su rutina de fantasía se convierte en algo perverso y sucio, pero también en un misterio que resolver. En ese sentido Tony a pesar de ser un cobardica le puede la curiosidad, el peligro y la posibilidad de una muerte; eso, y el resolver el misterio es lo único que mantiene alerta al protagonista.

En esta edición integral remasterizada se incluyen todas las historias protagonizadas por Tony: Big Baby, La maldición de los hombres topo, La plaga juvenil y Club de Sangre. Relatos publicados originalmente de forma dispersa que mantienen la unidad a partir de la definición de los espacios: oscuros y tenebrosos, incluso el hogar familiar no está exento de un posible horror futuro agazapado en alguna sombra para asaltar a Tony en cuanto llegue la noche. Big Baby es una antología que recoge la esencia de Burns en cuanto al tratamiento del tema central: la vida cotidiana de los americanos y la estandarización de la misma hasta convertirse en una rutina que conduce a la nada un virus mortal que mata la individualidad y la espontaneidad de las personas, y basándose en eso Burns construye metáforas sobre el american way of life como nadie. Bajo esa perspectiva podemos entender el miedo que Tony siente por el mundo exterior.

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