Historium (Richard Wilkinson y Jo Nelson).

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Historium (Richard Wilkinson y Jo Nelson). Impedimenta, 2016. Cartoné, 96 págs. Color, 25€

Cerremos los ojos durante un momento e imaginemos que tenemos a nuestro alcance un museo que recoge aquellos objetos más interesantes de la historia de la humanidad. Esa es la idea que está detrás de Historium, volumen que sigue la estela de Animalium pero esta vez centrado en las civilizaciones antiguas de la humanidad y en el arte y la artesanía ancestral de cada una de las culturas. El libro está dividido en 6 salas geográficas y cada una de estas en diferentes grupos centrados en diferentes civilizaciones.

La idea que persigue este libro no es solo mostrar los objetos a secas, independientemente de la belleza de cada uno de estos sino que se explica el contexto histórico y cultural en el que fueron creados. En primer lugar se detalla el desarrollo cronológico de cada una de las civilizaciones, y luego se pasa a desglosar aspectos de estas a través de los objetos en cuestión. Las piezas van desde objetos decorativos, herramientas, armas, ornamentos funerarios, etc. Nada mejor que aquello elementos del día a día para explicar la microhistoria de cada uno de estos grupos culturales. Una de las principales conclusiones que podemos sacar de este volumen es la importancia del contexto, no podemos entender la historia sin los objetos que la construyeron y estos sin el contexto en el que tuvieron cabida.

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A parte de todo eso Historium es un libro con una edición maravillosa, como todo lo que publica Impedimenta, que pone otra vez en juego el libro educativo para todas las edades, sirve para leer en solitario o en conjunto. Este tipo de volúmenes relanzan la idea de la lectura como algo más que acabar un libro y dejarlo de lado, se siguen leyendo y consultando con el tiempo una y otra vez. La otra virtud de esta obra de Wilkinson y Nelson es la capacidad de resumir en 140 piezas la historia de parte de la humanidad haciendo que el lector pueda empezar su propia investigación a partir de ese punto. Al igual que Animalium con la zoología Historium despertara la vena historiadora y arquelógica de muchos jóvenes, algo que solo se puede conseguir con libros creados y editados con tanto entusiasmo.

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Refundación sin renacimiento

portada_star-wars-kanan-n-01-el-ultimo-padawan_varios-autores_201512011206Kanan el último padawan 1 (Greg Weisman y Pepe Larraz). Planeta Cómic, 2016. Rústica. 144 págs. Color. 16,95 €

La creación de mitología es sin duda uno de los pilares sobre los que se sustenta la cultura popular actual. Ya es complicado encontrar un texto único que no derive primero en la creación de una saga y posteriormente en la conformación de un universo propio. Evidentemente no todos tienen el mismo éxito, y mientras Harry Potter continúa colocando ladrillos en su catedral particular, otras obras van quedando poco a poco en el olvido, como es el caso de la saga Crepúsculo, la cual no ha pasado precisamente de eso, de mera saga. Quizás todo se deba a que hay demasiados intentos por parte de la industria de crear desde la nada, y lo que es más importante, sin base de seguidores, constelaciones de fantasía y aventuras. Y claro, no es tan sencillo, pues no todos son Star Wars o Star Trek, las vacas sagradas de los universos ficcionales.

No hay duda de que Star Wars es uno de los universos más complejos jamás creados, con la particularidad de haber crecido primero como algo anecdótico y después como la mejor herramienta para mantener vivo el disfrute e interés de los fans. Tenemos el ejemplo en los primeros cómics publicados por Marvel justo después del estreno de la primera película, aventuras que tenían más que ver con la space opera más lisérgica que con el mundo creado por Lucas. Sin embargo, cuando la empresa matriz fue consciente del poder del universo extendido, no tardó en controlarlo con mano férrea para que todo estuviera siempre en consonancia a las seis películas y la serie de animación creadas por el padre galáctico. Pero de repente llegó Disney y optó por el borrón y cuenta nueva. Momento en que muchos fans, agarrados como sanguijuelas a su conocimiento enciclopédico, se revelaron, incapaces de gestionar que toda la historia que habían estudiado como cronista se perdía en un reino de leyendas, asustados ante un nuevo universo gestado a la sombra de las nuevas películas.

En este momento entran en escenas nuevos textos para apoyar a las nuevas películas, pues el universo expandido es necesario para que los fans podamos revisitar una y otra vez esos mundos donde perdernos. Una de estas obras es Kanan el último padawan, un cómic que recoge la adolescencia de Kanan, un aprendiz de jedi que pasa de sobrevivir a la caza de los de su clase al final de las Guerras Clon, a formar parte de la incipiente resistencia ante el imperio. La obra cuenta con guión de Greg Weisman y dibujo de Pepe Larraz, dos autores que sin duda intentan dar lo mejor de si mismos pero aceptando que son herramientas para contar una historia mayor para los fans. Kanan es un personaje que surge de la serie de animación Rebels, centrada en los inicios de la rebelión, anterior a toda la historia de Luke Skywalker, como nexo entre lo que fueron las Guerras Clon, ya casi olvidadas, y el momento álgido del Imperio. Con lo que el cómic se centra en el mismo marco temporal pero acercándose más a las Guerras Clon, con los momentos iniciales del dominio del emperador.

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En cierto sentido se podría decir que Kanan el último padawan es una obra pensada para rellenar huecos, funcionando como la masilla que mantiene fijados los ladrillos. El universo de Star Wars es complejo, pero sin duda no todos sus seguidores son consumidores masivos, muchos se conforman con las películas, así que Kanan el último padawan está pensado para quienes quieran completar su conocimiento sobre todo eso más que pasa en la galaxia. Pero que nadie se lleve a engaños, Greg Weisman hace algo más que cumplir y nos presenta en Kanan el último padawan una historia entretenida y con toda la magia propia de Star Wars, demostrando un especial gusto por el tono más criminal del universo, con lo que visitaremos el borde exterior acompañando a meros contrabandistas con la única idea de sobrevivir. Por su parte, el dibujo de Pepe Larraz cumple de sobra con las necesidades del cómic, siendo impactante cuando lo necesita y más calmado cuando el ritmo baja de intensidad.

En resumen, Kanan el último padawan es una pieza más dentro del engranaje de Star Wars, un producto que sin duda tiene su origen en la idea de sacar más dinero a los fans y de volver de nuevo mucho más complejo el universo madre, todo hasta que el nuevo universo expandido sea tan complejo como el anterior. Pero por fortuna para los lectores y seguidores de Star Wars, Greg Weisman sale airoso del compromiso, con lo que tenemos una lectura tan amena como desearía cualquier fan, impregnada totalmente de la magia de ese universo que aún invita a soñar y a ser visitado una y otra vez.

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Gotham Central – Momentos decisivos (Ed Brubaker, Greg Rucka, Chuck Dixon, Judd Winick, Steve Lieber, Joe Giella, Dick Giordano, Brent Anderson, Paul Pope, Cliff Chiang y Graham Nolan)

gotham_central_momentos decisivosGotham Central – Momentos decisivos (Ed Brubaker, Greg Rucka, Chuck Dixon, Judd Winick, Steve Lieber, Joe Giella, Dick Giordano, Brent Anderson, Paul Pope, Cliff Chiang y Graham Nolan). ECC, 2016. Cartoné. 224 págs. Color. 22 €

 

Tras el cierre de la serie Gotham Central en el cuarto volumen recopilatorio, asistimos ahora a una especie de tomo especial que a pesar de presentarse como el quinto volumen de la serie realmente presenta historias anteriores fuera de dicha colección. La construcción de los universos superheróicos es compleja y a veces es complicado saber que pasó antes o después o si algo que pasó continúa formando parte del pasado del personaje o se ha eliminado completamente de su cronología. Por suerte, obras como Gotham Central permiten disfrutar sin más de una buena serie policiaca, lo que elimina preocupaciones sobre continuos temporales, aquí lo que tenemos es serie negra pura y dura. Es cierto que ninguna de las tres historias recopiladas en Momentos decisivos llega al espléndido y espectacular nivel de Gotham Central, pero es innegable que son buenas historias que se dejan leer y enriquecen el universo del hombre murciélago, quizás no su conocimiento enciclopédico pero si su carácter mitológico, que al final es lo importante, que somos lectores y no contables.

La miniserie de cinco números que da nombre al tomo, Momentos decisivos, nos muestra cinco momentos de la relación entre Batman y James Gordon, con mayor importancia para el policía que para el justiciero. Greg Rucka, Ed Brubaker y Chuck Dixon pretenden dar más profundidad a esta relación que casi podría definirse como amistad a lo largo de cinco puntos donde vemos lo mejor y lo peor de ambos personajes. Quizás quede algo descolgado el capítulo de Chuck Dixon protagonizado por la figura de Azrael, lo que por momentos abandona el cuento mitológico para caer en la mera crónica histórica del murciélago de Gotham. Pero es respetable el trabajo de los tres guionistas. Aunque si hay una historia que merezca ser recordada en Gotham Central: Momentos decisivos esta es Voces perdidas, la historia de Josie Mac, la agente de la ley creada por Judd Winick y Cliff Chiang, personaje que después pasaría a engrosar las filas de la Unidad de Crímenes Mayores en Gotham Central. Guionista y dibujante, crean una perfecta historia negra, tan dramática que termina siendo trágica y el final a pesar de ser positivo es totalmente insatisfactorio y tan amargo como rabioso.

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El tomo se cierra con un número único escrito por Chuck Dixon y dibujado por Graham Nolan, quizás el más flojo del recopilatorio, pero con un sabor a clásico y un humor cáustico que lo convierten en el postre perfecto para el atracón que es Momentos decisivos. El último tomo no es Gotham Central, pero es una lectura complementaria que no sienta mal, un recorrido más en lo que significa Batman gracias a la visión que de él tienes las fuerzas de seguridad, esas mujeres y hombres que sin superpoderes se lanzan a mantener el orden y la ley en una ciudad devorada por la locura y la violencia.

Gotham Central 1: En el cumplimiento del deber

Gotham Central 2: Payasos y lunáticos

Gotham Central 3: De patrulla por el infierno

Gotham Central 4: Corrigan

Gotham Central 5: Momentos decisivos

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Viaje a las pesadillas polares

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Iceland (Yuichi Yokoyama) Mincho Press, 2016. Rústica, 96 págs. B/N, 17€

Una de las técnicas de narración más interesantes es la de buscar un punto cero o minimizarla a lo mínimo y sostener el relato a los resquicios que esta proporciona. Haciendo que la historia se agarre como un tipo al borde de caer por un precipicio. Esto permite focalizar en otro tipo de contenidos del universo ficcional desarrollado por el autor o centrarse más en el desglose de la acción, pararse y detenerse. Obligar al lector a seguir un ritmo de lectura predeterminado que lleva más hacia una exploración de los recursos utilizados por el autor que por la historia explicada por el narrador.

Es en cierta en cierta manera el triunfo de la forma sobre el fondo, solo que sin vacuidades, la forma en sí misma es el relato, el escenario y los personajes, estos juegan el papel que deben jugar en este tipo de relatos. En Viaje Yuichi Yokoyama, el autor que nos ocupa hoy, ya jugaba con dichas ideas un grupo de personas que recorren un tren en marcha de desde el primer vagón al de cola sin ningún tipo de fin ni desarrollo en tres actos la acción sucede con tan solo una premisa: no narrar.

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En Iceland Yokoyama retuerce un poco más dicha idea pero con la misma pretensión de hallar y exponer un punto cero de narración en la que todo sucede en tiempo presente a través de tres tipos que persiguen a un tercero. Un recurso narrativo mínimo para empujar un relato que se centra más en la impresión que quiere causar en el lector que aquello que pueda implicar a los protagonistas del relato. Podría parecer que para este autor japonés no narrar implica en cierta manera no tener interés por el relato de lo humano, tal y como se puede entender desde un punto de vista romántico. Ese parece ser el punto de partida para entender esta obra. Resulta desolador como el escenario planteado en la misma, un espacio polar carente de elementos, aparte de los estéticos, que ayuden al lector a anclar su conocimiento sobre el espacio adquirido en otras obras que le ayuden a articular lo que está presenciando.

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Si por un lado el aspecto narrativo se reduce a lo mínimo, un macguffin encajado en una narrativa mayor que desconocemos completamente, supuestamente tan mínima como esta historia, y que no conduce a ningún lado más allá de la mera contemplación de una construcción que maneja concepto como abstracción, y una concepción pesadillesca de un espacio árido y polar, que no tiene que tener ningún tipo de relación con la naturaleza de estos lugares. En Iceland Yokoyama sigue recurriendo a una serie de estrategias muy atractivas a través de las cuales procura explotar todos los recursos gráficos posibles para no narrar, pero si para fijar la retina del lector en lo que sucede en cada viñeta, en cada página y en la cara de unos personajes hieráticos que no transmiten ni un solo sentimiento y cuyas facciones son tan taxativas como las conversaciones que mantienen. Un trabajo que da mucho para pensar sobre la función de la estética por encima de la narración en el cómic contemporáneo y que permanece en la mente de los lectores durante mucho. Básicamente un must-have de libro.

@Mr_Miquelpg

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Literatura y cómics

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La comedia literaria (Catherine Meurisse) Impedimenta, 2016. Rústica, 144 págs. Color,  22,95€.

Hace ya unos cuantos años se solía decir que aquellos niños que tenían un cómic en sus manos cuando fuesen adultos cambiarían el tebeo por un libro. Con el tiempo se ha podido ver que dicha afirmación es bastante gratuita, ya que si bien el leer historietas fue el acto que inició a muchos lectores, pero también fue un acto generacional que formaba parte del tránsito de pasar de la infancia a la adultez y que se pierde con el tiempo a pesar de que algunos continúen con ese hábito. A día de hoy los videojuegos ocupan ese espacio que en su día coparon los tebeos. Con el tiempo algunos, quizás la gran mayoría dejaron de leer al mismo tiempo que apartaron los cómics de sus vidas.

Sin embargo, la relación entre el arte de las viñetas y la alta literatura es profunda y cada vez más se enraíza dentro del noveno arte. Dejando de lado cuestiones terminológicas y cuestiones de relaciones jerárquicas en cuestiones de adaptación, muchos autores ven en obras literarias una buena base para crear sus propias visiones sobre las mismas, un ejemplo es la brillante Nela de Rayco Pulido adaptando Marianela de Benito Pérez Galdós. La relación entre cómic y literatura es de parentesco consanguíneo, mucho más cercano que el cine u otro tipo de adaptaciones audiovisuales. El papel es el nexo que los une y el que obliga a creadores a recurrir al mismo tipo de estratagemas para atrapar al lector dentro de la página.

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En otra línea están aquellos títulos, y ya estamos hablando de historietas, que utilizan el arte secuencial como un medio propagador de cultura, llamémosla alta o clásica (aunque algunos puedan entrar en debate sobre sus diferencias), como es el caso de La comedia literaria de Catherine Meurisse. La autora gala opta por una tercera vía: utilizar las viñetas para desarrollar una breve pero intensa historia de la literatura francesa. El acierto consiste en dotarla de cierta comicidad pero sin perder el rigor que debe tener un libro que en el fondo busca difundir la literatura de un país. Por ello la autora no olvida el espíritu didáctico no pierde ni el trasfondo histórico ni aquellos momentos por los cuales las obras y los autores a los cuales están dedicadas estas páginas son tan relevantes para la literatura universal.

Lo bueno de La comedia literaria consiste en enamorar a los lectores con la narrativa francesa, desmitificando en muchas ocasiones a los autores y ensalzando su pensamiento y su obra. Es tanto un título para aquellos que conocen las obras citadas, como para las que les suena de algo como para aquellos que son completos desconocedores de las mismas. Es más es un gran punto de partida para despertar el interés sobre algunas obras fundamentales para la cultura occidental, pero sin resultar ni pedante ni cansina. Meurisse utiliza un estilo fresco de trazo suelto para dotar al conjunto del tono apropiado para leer el libro con pausa con tranquilidad, incluso a largo plazo tras lecturas, o relecturas de algunas de las obras citadas. Un libro de libros imprescindible en los tiempos que corren.

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Viajar

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Cuadernos japoneses (Igort). Salamandra Graphic, 2016. Rústica, 184 págs. Color, 25€

Hace unos años en un viaje a Venecia unos cuantos conocidos, y algunos que no lo eran tanto, debatíamos sobre la diferencia entre ser turista y ser viajero. El turista recorre el territorio a través de la anécdota, su recorrido se ve forzado por un tour de force que le obliga a ver lo mínimo necesario a través de la experiencia de otros: guías turísticos, planos de la oficina de información, recorridos preestablecidos, etc. Por su lado el viajero busca que los nuevos espacios llenen su experiencia personal y busca explorarlos desde la suya propia. Se informa antes y posiblemente no precisamente con guías sino con relatos de ficción inundados de la cotidianidad del país visitado; no tiene rutas marcadas, para donde cree que debe de hacerlo y vive el nuevo espacio marcando el tempo del viaje.

Cuadernos japoneses de Igort se enmarca en esa segunda categoría en el que el autor conoce el país del sol naciente no solo a través de su experiencia personal en sucesivos viajes a lo largo de varios años, sino a través de la cultura que tanto le fascina. Literatura, ilustración, manga y anime constituyen una piedra de toque para articular su día a día en los nuevos confines que se dispone a habitar. Redescubre el país a cada momento a través de lecturas pretéritas y contemporáneas a su estancia, de paso nos ayuda a entender la cultura popular contemporánea japonesa repasando los hitos del siglo XX y de siglos pasados.

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Igort analiza el país a través de la fascinación, Japón es un país que a pesar del conocimiento contemporáneo que tenemos de este el autor italiano nos ayuda a entenderlo a partir de sus maestros, desde Hokusai a Mishima pasando por Takahata o Tanizaki y de las obras que a lo largo del siglo XX devienen en lo que es el manga a día de hoy. El sistema editorial japonés forma parte de ese entendimiento de una cultura, en este caso a través de lo laboral que se convierte en relaciones sociales inmersivas a través de las cuales el autor aprender a moverse dentro de las estructuras editoriales lo cual implica reconocer los recovecos de la pragmática de la lingüística del japonés, eso le lleva a entender mejor que nadie la sociedad en la que vive.

Los recuerdos del autor traslada aspectos reales la sociedad, desde la discriminación por castas, los ritmos de trabajo, el pasado para entender el presente. Pero permanece ante todo una querencia por su profesión y querer entender su labor mediante la memoria de aquellos que le precedieron incluyendo la función del editor que en el caso de ilustradores tenían que ver como los grabadores adaptaban a las modas del momento sus obras y que en el presente marca unos ritmos de trabajo infernales. Se recomienda leer Cuadernos japoneses de manera reposada, anotando y repasando alguno de los títulos y de las obras citadas; todo ello sin olvidar de que son unas memorias muy personales de un viajero que no solo recorre un espacio físico sino también intelectual en el cual el lector puede volcar su propia experiencia como lector espectador.

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Fascista (Michael Idle y Tasos Anastasiades)

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Fascista (Michael Idle y Tasos Anastasiades) Nargile Comics, 2014. Rústica, 43 págs. B/N

Por aquí solemos reseñar pocos cómics que no hayan sido publicados en nuestro país, creo que tan solo en un par de ocasiones, cada vez que lo hacemos suele ser porque vemos que es casi imposible que aparezcan en nuestro mercado o porque nos llaman la atención por diferentes motivos. Esto es lo que sucede con Fascista un título publicado en Chipre, país donde el mercado editorial del noveno arte es nulo a pesar de que en los últimos años ha habido algunas iniciativas interesantes y en el que Tasos Anastasiades es el pionero del cómic chipriota.

Fascista es un texto que surge a colación de la difícil situación que ha sufrido Grecia, país vecino, en los últimos años y que hemos visto como se ha ido extendiendo por toda Europa a lo largo de la segunda década del S. XXI. Plantea a través de un relato sencillo las estructuras jerárquicas supranacionales y como están invalidad la soberanía de los países. La historia trata de como un movimiento antigubernamental que trata de alertar a la población de una estructura de poder que maneja y controla los intereses a nivel global y que esta es asumida por lo gobiernos nacionales como un ente necesario.

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En todo esto un científico que desarrolla un guante de poder con el que poder repeler cualquier tipo de ataque hace una aproximación a la resistencia, sin embargo, estos, lejos de hacerle ver la situación política, este no entra en cuestiones de ese tipo. Pierde el control del guante y este es confiscado por el ente fascista que controla el mundo para usarlo en su propio beneficio: la microestructura va por delante de las macroestructuras, que diría Walter Benjamin. Fascista es también eso, de cómo las estructuras de poder adquieren mutan, y reconstruyen aspectos de la lucha social para reconfigurarse como fuerzas pacificadoras. Un cómic sencillo dibujado con estilo sucio como el ambiente que trata de transmitir el ambiente enrarecido de la Europa de la última década, que apunta hacia un futuro negro, muy negro.

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